Театральный Новосибирск

Печатается по: История города: Новониколаевск-Новосибирск (исторические очерки). T. I. Новосибирск, 2005. Издательский дом «Историческое наследие Сибири». С. 649-722.

Когда-то жизнь города начиналась со строительства железнодорожного моста через Обь. И тогда же появляется первый Народный театр. Он не был профессиональным. Он был любительским. А точнее, это был драматический кружок, созданный при первой в городе школе, открывшейся для детей рабочих, которую организовал на свои личные средства главный инженер строительства Г.М. Будагов, личность, много сделавшая для нашего города. Он, как и другие, стоявшие у истоков создания Новосибирска, принадлежал не только к числу русской интеллигенции высокой культуры. В характеристике таких людей есть одно важное слово – «подвижники». Не случайно за заслуги перед Отечеством Г.М. Будагов был награжден орденом Св. Владимира 4-й степени, Св. Станислава 2-й степени, Св. Анны 2-й степени.

«Изображать, жить на сцене так, чтобы в волнах мыслей и чувств, которые льются с театральных подмостков в душу зрителя, рождались образы, остающиеся в памяти надолго, иногда на всю жизнь, формируя сознание, давая пример, как надо жить, – вот моя цель», – говорила режиссер В.П. Редлих. Она тоже – фигура, безусловно, принадлежавшая в числу подвижников, но уже советского времени.

Кому-то возможно покажется, что театральная жизнь в Новосибирске сложилась сама собою, как бы взялась ниоткуда, что она – стихийное явление. Думается, что это не так: ее созидали те самые подвижники. Без них наш город мог стать просто огромным промышленным комплексом.

Фундамент сценической культуры в 30-е годы закладывали художники, имевшие столичное театральное образование, порой дворянское воспитание. Этому поколению выпала роль в эпоху уничтожения одного из традиционных духовных институтов России – церкви, сохраняя лучшие традиции русского театра, передать гуманистические идеи людям новой советской исторической общности. Именно театру – самому демократическому и доступному широкому населению виду искусства – принадлежала роль «окультуривания» города, прививания ему ростков дерева, называемого великой русской культурой. В «Красном факеле» этот процесс возглавила В.П. Редлих. В Новосибирском ТЮЗе – Н.Ф. Михайлов и Е.Г. Агаронова. В колхозно-совхозном театре – «рогачевцы». Это в 30-е годы.

А затем война, которая, как это ни парадоксально, дала городу мощный культурный заряд на все последующие десятилетия. Здесь, в глубоком тылу, в насквозь военизированном городе нашли себе приют фонды Третьяковской галереи, Ленинградский театр имени Пушкина, «Новый ТЮЗ» Б. Зона, Ленинградская филармония, Минский еврейский театр. Среди эвакуированных учреждений культуры был и Ленинградский театральный институт. Здесь, в Новосибирске, были набраны его курсы, выпускавшиеся уже в Ленинграде. Среди студентов-сибиряков военных лет – В.С. Орлов (1946), В.В. Кузьмин (1947), А.В. Гаршина (1948), А.Я. Мовчан (1947), заканчивавший учебу в Харьковском театральном институте, и некоторые другие, кто определял своим мастерством профессиональный уровень драматической сцены города в послевоенное время вплоть до 80-х годов. Все они занимались и педагогической деятельностью. Искусство новосибирских театров 30-80-х годов утверждало жизнь как созидательную стихию, оно несло ожидание каких-то окончательных свершений, которые изменят лицо мира. Многие ожидания были оправданы. Многие так и остались несбывшейся мечтой.

В конце 80-х рождается еще один театр Городской драматический под руководством Сергея Афанасьева. В конце 90-х годов появляется самый молодой драматический театр – «На левом берегу», который во многом обязан своим появлением на свет Семену Иоаниди. И Сергей Афанасьев, и Семен Иоаниди оказались тоже из породы подвижников.

Последние два десятилетия ХХ века стали временем смены социальной реальности в стране. По существу, были заново поставлены вопросы о смысле бытия. В новой социальной реальности театры, каждый по-своему, попытаются найти свое место, по-новому взглянуть на свой творческий путь. Однако какие бы исторические изменения ни происходили в окружающей жизни, неизменной представляется исполнительская традиция актеров новосибирских театров – та традиция, когда актер становится заложником жизни в сценическом искусстве. Именно эта традиция является стержневой в театральной жизни столицы Сибири со времен спектаклей памятных гастролей В. Комиссаржевской в 1909 году и до одного из самых спорных спектаклей последнего времени – «Dostoevsky – trip» В. Сорокина на краснофакельской сцене, пытающегося говорить о разломе, происходящем в сознании современного человека и деструктивной функции искусства театра, шагнувшего в ХХI век.

Проследить этапы театральной жизни нашего города представляется наиболее целесообразным через биографии его театров – с первых лет их создания и до сегодняшнего дня.

 

Новосибирский Академический Молодёжный театр «Глобус»

Новосибирский академический молодежный театр «Глобус» прошел долгий творческий путь от Западно-Сибирского краевого театра юных зрителей до носящего сегодня высокое звание – академический.

Принято считать, что событием, послужившим толчком к созданию театра, стал Первый слет пионеров Западной Сибири, проходивший в августе 1929 года в Новосибирске. Именно на слете было написано обращение к Ленинградскому ТЮЗу с просьбой помочь организовать в Новосибирске театр для детей. Коллектив Ленинградского театра во главе с его художественным руководителем А.А. Брянцевым откликнулся на это обращение. 4 апреля 1930 года из города на Неве в Новосибирск прибыла первая группа для создания детского театра в составе 5 человек: Н.Н. Мокшанов – директор будущего театра, главный режиссер В.А. Стратилатов с женой – актрисой Е.П. Воронковой, актер и режиссер Н.Ф. Михайлов и его жена – актриса Е.Г. Агаронова. И хотя на вокзале их в тот день никто не встретил, и переночевали эти 5 человек в одном номере в гостинице, – они полны были духом романтики, новостроек первых пятилеток. Без помещения для театра, без денег, без квартир, только с добрыми пожеланиями начинали ленинградцы свой путь в нашем городе. Потребовались большие энтузиазм и упорство, чтобы всего спустя три месяца – 10 июля 1930 года – спектаклем «Тимошкин рудник» Л. Ф. Макарьева в постановке В.А. Стратилатова открылся Западно-Сибирский краевой театр юных зрителей – первый стационарный театр города. Это был первый детский театр Сибири. На открытии театра присутствовал А.А. Брянцев.

Основу труппы составили воспитанники Ленинградского театра юных зрителей: Е.Г. Агаронова, Ю.М. Аренс, А.Е. Розеноер, Н.И. Никитина, Е.Г. Горюнова, С.Б. Зуховицкий, Е.П. Воронкова, И.П. Павлович. Вскоре к ним присоединилась группа актеров-сибиряков – Т.А. Самойлова, Е.Д. Черепанов, Т.М. Суханова, В.И. Высоцкая, Е.В. Иванов и другие. Ленинградцы сами нашли помещение для театра – здание клуба «Молодые ленинцы» (позднее известное в городе как кинотеатр «Пионер» на улице Горького, 52). Переоборудовали его собственными силами и начали репетировать.

Наибольшее влияние на творческую жизнь Новосибирского ТЮЗа первого десятилетия оказал Николай Федорович Михайлов (1902-1969) – актер, режиссер, педагог, один из художественных руководителей театра, впоследствии народный артист РСФСР, актер и режиссер «Красного факела» (1938-1966).

Идея создания культуры советской цивилизации будет определяющей в мировоззрении человека и художника Н.Ф. Михайлова. Об этом он напишет в своих воспоминаниях: «Влияние романтического репертуара первых дней революции, понимание проповеднической роли театра – все это отвечало моим внутренним убеждениям, заложенным литературой и революционной средой. Увлекали идеи создания нового искусства, сама атмосфера горячих споров и дискуссий, царившая в то время среди молодежи. После знакомства с Брянцевым и его единомышленниками меня потянуло в ТЮЗ, захотелось принять личное участие в воспитании детей нового мира».

Им будут определены репертуарные пути театра по брянцевской модели ТЮЗа, сформирована труппа, даны художественные цели и задачи в пору становления театра. Всего на сцене Новосибирского ТЮЗа Н.Ф. Михайлов поставил 14 спектаклей. Среди них: «Винтовка № 492116» А. Крона (1930), «Аул Гидже» Н. Шестакова (1931), «Боевое звено» Я. Задыхина (1931), «Мы и другие» Л. Бочина (1931), «Молодой пласт» Л. Бочина (1932), «Музыкантская команда» Д. Дэля (1936), «Дубровский» Н. Каткова по повести А. Пушкина (1937), «Арсен» С. Шаншиашвили (1938), «Правда» А. Корнейчука (1938) – спектакли, которые определили в художественной программе театра его путь как театра героики и романтики.

Открытие театра пьесой «Тимошкин рудник» глубоко закономерно. Это была первая реалистическая пьеса о советской современности с героем-подростком, вступающим в борьбу с социальным злом. Она положила начало целому ряду произведений об участии детей в классовой борьбе, об их вкладе в процесс создания нового социалистического строя.

В 1936 году на сцену Новосибирского ТЮЗа пришла одна из первых пьес о советской школе – «Сережа Стрельцов» В. Любимовой. «Герои детских пьес зарождения и становления ТЮЗов и их драматургии не противопоставлялись взрослым – наоборот… это равноправные, в силу своих возможностей и возраста, боевые соратники взрослых. Плечом к плечу с ними сражаются подростки с врагами, мужественно переносят все тяготы борьбы… проявляют во многих случаях подлинный героизм», – отмечал советский исследователь И. Любинский. В ту пору авторы, писавшие для ТЮЗов, с позиций своего времени решали важнейшую педагогическую задачу, стоявшую перед театром: они направляли свойственную детскому возрасту романтическую мечтательность к сценическому идеалу, давали зримый образ, который становился «мощным фактором формирования духовного облика подрастающего поколения».

Во второй половине 30-х годов в театр для детей приходят крупнейшие советские писатели – А. Толстой, К. Тренев, В. Катаев, К. Паустовский, М. Светлов. Ряд значительных произведений продолжают создавать А. Бруштейн, Е. Шварц, Н. Шестаков, Д. Дэль. На сценах ТЮЗов ставят первые пьесы С. Михалкова, В. Любимовой, Л. Кассиля, А. Барто, П. Маляревского, Т. Габбе, М. Даниэля. Произведения многих из названных авторов войдут в жизнь Новосибирского ТЮЗа.

Молодая советская драматургия, опыт детских театров, глубокая профессиональная и человеческая культура Н.Ф. Михайлова и его сподвижников, несмотря на жесткий идеологический прессинг сталинской эпохи, помогли растущему организму стать действительно театром.

«Зритель – вот единое непреложное начало, на которое должен опираться в своем творчестве каждый театр. Театр, нашедший своего зрителя, сумеет найти и свой стиль. Театр, оторвавшийся от своего зрителя, утеряет свой стиль, а за ним и свое право на художественное бытие». Это творческое кредо учителя оставалось незыблемым для его учеников.

Среди ленинградских режиссеров, работавших в театре в первое десятилетие: Е. Головинская, Е. Лавровский, М. Кисиц, Р. Ландис, Р. Суслович, Э. Фейертаг. И здесь, в Сибири, «творческая практика ТЮЗа и подбор репертуара исходили из принципа «каждому возрасту – своя пьеса», – вспоминал позднее Н.Ф. Михайлов.

То, что с первых спектаклей Новосибирский ТЮЗ оказался нужен детям, любим в городе, подтверждали его полные залы, аплодисменты, отзывы юных зрителей. «Они считали нас то ли своими товарищами, то ли близкими и родными. Им хотелось и ходить на спектакли, и приходить к нам домой, и вызывать нас к себе, когда кто-нибудь из них заболевал», – вспоминала позднее Е. Агаронова, впоследствии народная артистка РСФСР, одна из ведущих актрис театра «Красный факел».

Роль Новосибирского ТЮЗа в эстетическом воспитании юного поколения Новосибирска в 30-е годы по сравнению с последующими десятилетиями была особенно значимой. Это объясняется бедностью культурно-информационного фона, отсутствием кино, телевидения, зрелищных видов массовой культуры — всего того, что придет в жизнь ребенка в послевоенное время, позднее, в период научно-технической и информационной революций.

В первые годы Новосибирский ТЮЗ был театром для подростков и старшеклассников. Малыши пришли в 1935 г., когда в ТЮЗе появилась сказка. Первой сказкой театра стал «Конек-Горбунок» П. Ершова. На генеральные репетиции приехал А.А. Брянцев. Премьера совпала с переездом театра в новое здание – Дом Ленина на Красном проспекте, 54.

Современники оценивали появление сказки в репертуаре ТЮЗа как новый и важный этап его развития. За «Коньком-Горбунком» пришли «Синяя птица» М. Метерлинка (1936), «Красная Шапочка» Е. Шварца (1937), «Кот в сапогах» Л. Макарьева (инсценировка сказки Ш. Перро, 1938), «Снежная королева» Е. Шварца (1939).

Тюзовские пьесы о современности, лучшие пьесы-сказки с их необычными героями дали возможность проявиться искусству сибирских актрис-травести, создавших яркие, волнующие образы детей и подростков.

Среди травести 30-х годов – Е.Г. Агаронова, В.И. Афонина, А.Т. Березовская, З.Ф. Булгакова, И.Н. Курушкина, Е.П. Куршева, З.В. Новик. А. Розеноер, В.С. Толоконникова.

С именем Зои Федоровны Булгаковой (родилась в 1914 г.) связана целая эпоха в истории Новосибирского театра юного зрителя. На сцене театра она играла с 1930 по 1960-й год. Зоя Федоровна обладала редчайшей возможностью играть детей в возрасте 7-9 лет. Наиболее близкими ей были сказочные герои с установкой на поэтический вымысел, игру фантазии. З. Ф. Булгакова заражала зрителей своим видением поэтического строя сказки. Примечательно, что такие роли сказочного репертуара, как роль Красной Шапочки и роль Герды, пройдут через всю творческую жизнь актрисы. Всего на сцене Новосибирского ТЮЗа З.Ф. Булгакова сыграла более 70 ролей. Среди них такие роли классического репертуара детского театра, как Кот в сапогах, Красная Шапочка, Конек-Горбунок, Снегурочка, Золушка, Герда, Зайка-Зазнайка. Особо воздействовали на зрительный зал ее современные герои. Она говорила со своим зрителем о вечных ценностях – учила любви к Родине, близким, ко всему живому, совершенствовала эмоциональный мир растущего человека.

В 1945 году ей одной из первых в истории Новосибирского ТЮЗа, наряду с П.В. Цетнеровичем, возглавлявшим театр в годы войны, и легендарным актером В.И. Макаровым, было присвоено звание «Заслуженный артист РСФСР». Имя этой замечательной актрисы по праву вошло в историю советского театра для детей.

Если с именем З.Ф. Булгаковой связаны наиболее яркие страницы в репертуаре Новосибирского ТЮЗа для самого младшего зрителя, то кумиром более взрослой аудитории станет актер Василий Иванович Макаров (1914-1964), работавший на сцене театра с 1930 по 1945 год. В 30-е – первой половине 40-х годов он являлся исполнителем всех главных ролей героико-романтического репертуара. В таланте В.И. Макарова органично сочетались трагедийное, героическое, комедийное и характерное начала. Его творчество было отмечено обаянием теплого, сочного юмора, непринужденностью исполнительской манеры, народностью. В работах конца 30-х – начала 40-х центральной становится тема патриотического долга, понимаемая как тема жертвенного служения Родине. Самыми значительными работами актера на сцене Новосибирского ТЮза станут: Корчагин в театральной версии романа «Как закалялась сталь» Н. Островского (1938), Мизгирь – «Снегурочка» А. Островского (1940), Ромео – «Ромео и Джульетта» В. Шекспира (1941), Сергей Луконин – «Парень из нашего города» К. Симонова (1942), Труффальдино – «Слуга двух господ» К. Гольдони (1942), Антифолы-близнецы – «Комедия ошибок» В. Шекспира (1943). С 1946 года В.И. Макаров актер московских театров и кино.

Ныне на родине актера в селе Скала Колыванского района Новосибирской области улица, на которой родился артист, переименована в улицу, носящую имя актера В.И. Макарова.

В сентябре 1941 года в город стали прибывать эвакуированные из Ленинграда Пушкинский театр, Новый ТЮЗ, филармония. С 1941 по 1945 год в жизни коллектива Новосибирского ТЮЗа начинается особый, военный, период. Осенью 1942 года
театр уезжает в Анжеро-Судженск, предоставив сценическую площадку Ленинградскому Новому театру юных зрителей под руководством Б.В. Зона.

В годы войны репертуар Новосибирского ТЮЗа значительно взрослеет. Среди премьер 1942-1943 годов, сыгранных в Анжеро-Судженске, – «Парень из нашего города» и «Русские люди» К. Симонова,  «Бедность не порок» А. Островского, «Давным-давно» А. Гладкова и другие.

В годы войны театр много работает для раненых, находившихся в госпиталях. Артисты играли в залах госпиталей и в палатах, давали концерты для одного-двух раненых. В годы войны труппа театра сильно изменилась: почти весь мужской состав ушел на фронт, и она была пополнена эвакуированными актерами – Е.М. Негина, Р.В. Виноградова, И.Б. Эйдинова, И.Е. Слонова, А.И. Попова, А.Р. Фуксина, М.А. Бибер. Возглавили театр столичный режиссер, ученик В.Э. Мейерхольда П.В. Цетнерович и И.С. Деева, основавшая в свое время Киевский ТЮЗ, а в предвоенный годы работавшая в Архангельской ТЮЗе. Главным художником стал П.Т. Коваленко, директором театра Г.И. Шагаев, много лет руководивший Московским театром юного зрителя. Несмотря на трудные условия жестоких военных лет, Новосибирский ТЮЗ создает спектакли высокой сценической культуры. Два из них – «Слуга двух господ» (1942) и «Комедия ошибок» (1943), поставленные П.В. Цетнеровичем, вошли в историю советского театра военных лет как его наиболее яркие достижения.

Новосибирский ТЮЗ с честью выдержал испытания военных лет. В годы войны, как писали историки советского театра для детей, он «вышел на одно из первых мест среди юношеских театров страны».

В 1945-1949 в труппу вливаются новые молодые: В.Г. Эйрих, Е.С. Лемешонок, Л.Л. Метелева и пятеро выпускников Ленинградского театрального института – В.С. Орлов, А.В. Гаршина, В.Г. Лелеп, В.В. Кузьмин и А.Я. Мовчан. Без этих имен в три последующих десятилетия трудно представить репертуарный поиск театра.

В 1947-1952 гг. театр возглавлял режиссер Исай Михайлович Сапожников, мастер, воспитанный на мхатовских традициях. Его спектакли «Юность отцов» Б. Горбатова, «Гастелло» И. Штока, «Всадник, скачущий впереди» Ю. Принцева продолжали на сцене ТЮЗа героико-романтические традиции 30-х годов, которые находили горячий отклик в зрительном зале, хранящем живые воспоминания о днях Великой Отечественной.

Позднее заслуженный артист РСФСР В.С. Орлов так писал о режиссере: «Он в совершенстве владел профессией, выстраивал всегда интересную форму спектакля, был хорошим педагогом и организатором, а главное – за что его особенно уважали – неутомимым тружеником. С утра, даже если он ничего не репетировал, ... всегда был в театре... Сапожников оставил богатый и разнообразный репертуар, добротные и крепкие спектакли, полюбившиеся зрителям. Он оставил интересно и грамотно сформированную труппу. Театр продолжал работать, не знал, что такое пустые места».

И самое главное – И.М. Сапожниковым было сформировано творческое ядро театра из молодых актеров. Именно им и предстояло в 50-е годы в условиях постоянной смены режиссуры стать главной творческой силой Новосибирского ТЮЗа.

С 1945-го по 1960 год коллектив театра встретился в работе с целой «труппой» постановщиков, насчитывавшей 36 индивидуальностей. Среди них: заслуженный артист Литовской ССР С.Ф. Владычанский, народная артистка РСФСР В.П. Редлих, заслуженный деятель искусств Таджикской ССР Р.А. Корох, П.Л. Монастырский. Разнообразие режиссерских почерков и методов работы воспитывало в труппе умение идти к цели разными путями. В это же время первые шаги в режиссуре сделают актеры В.С. Орлов и А.Я. Мовчан.

Энергия творческого состава в конце 50-х годов во многом определялась «оттепелью» в общественной жизни страны, пережившей культ личности Сталина. «Оттепель» дарила надежду, что впереди – лучшее. Романтический порыв героев первых произведений В. Розова — «Страница жизни» (режиссер Р.И. Тихомирова, 1954), «В добрый час» (режиссер Н.А. Игнатова,1955), «В поисках радости» (режиссер Л.В. Луккер, 1958), как и героев пьесы М. Соболя в спектакле «Товарищи романтики» (режиссер Р.Р. Суслович, 1957), принимался залом безоговорочно.

Время «оттепели» дало возможность заново ощутить цену человеческой личности, индивидуальности. С 1960 по 1971 год Новосибирский ТЮЗ возглавил главный «шестидесятник» театра народный артист России Владимир Валентинович Кузьмин (1923-1984 гг.).

В 1947 году окончил актерский факультет Ленинградского государственного театрального института (педагоги Я.Б. Фрид, С.И. Федоров). В 1949-1950 учился на режиссерском факультете этого института (класс Л.С. Вивьена). Работал актером Ленинградского театра драмы им. Пушкина во время его пребывания в Новосибирске (1942-1944). В 1947-1954 годах актер Новосибирского ТЮЗа. В 1954-1957 годах – главный режиссер Новосибирского областного драматического театра; в 1957-1958 гг. – режиссер студии Новосибирского телевидения. В 1958-1960 гг. – режиссер Новосибирского ТЮЗа.

В.В. Кузьмин – ученик Л.С. Вивьена и последователь творческого метода Н.П. Акимова. Для творчества Кузьмина будет характерно тяготение «к яркой зрелищности, так необходимой юношескому театру, пристрастие к праздничной, эмоциональной форме», сценическая выразительность, глубокий интерес к психологической драме.

В. Кузьмин хорошо знал творческую программу театра прошлых десятилетий. Задумываясь над тем, каким должен быть театр 60-х годов, В.В. Кузьмин говорил: «Театр для юношества… Он ведь должен воспитывать, так? Но воспитывать сегодняшнего зрителя все сложнее и сложнее... чем же мы должны отличаться от ТЮЗа прошлых лет? Что нового появилось в нашей ориентации? Показать героику прошлого, героику наших дней! Надо! Но как? Сегодня зрителя интересует в театре не только сам факт, пускай правдиво, убедительно воспроизведенный артистами. Героический поступок сам по себе, конечно, способен волновать. Но показывать одни только факты – задача кинохроники. Перед нами иная цель – показать причины, породившие взлет человеческого духа, показать современные характеры в их стремительном развитии».

Мир после Второй мировой войны стремительно менялся: росли большие города, в жизнь внедрялась научно-техническая революция, набирало интеллектуальный рост новое поколение. Подросток 60-х, по данным психофизиологии, медицины и антропометрии, был крепче и способнее к большему интеллектуальному и эмоциональному напряжению, что привело к закреплению тенденции «овзросления» творческой позиции деятелей Новосибирского ТЮЗа. Практически ТЮЗ становится театром рабочей молодежи и студенчества.

В этот период на сцене ТЮЗа идут пьесы о жизни молодого современника, которые значительно расширили репертуар театра для старшеклассников. Среди названий тех лет особой любовью у молодежи пользовались такие спектакли, как «Друг мой, Колька!» А. Хмелика, «В дороге» В. Розова, «104 страницы про любовь» Э. Радзинского, «Алкины песни» А. Иванова, «Московские каникулы» А. Кузнецова, «Эй, ты, здравствуй!» Г. Мамлина.

Театр расширяет репертуарные поиски, прежде всего, в области классики, где и происходит основная реализация творческого потенциала театра в создании ярких художественных образов актерами разных поколений. На сцене ТЮЗа идут «Ромео и Джульетта» В. Шекспира (1963), «Мария Стюарт» Ф. Шиллера (1966), «Чайка» А. Чехова (1966), «На дне» М. Горького (1968), «Горячее сердце» А. Островского (1969). Вводя классику в репертуар театра, В.В. Кузьмин решал и важную творческую задачу – давал труппе материал, отвечавший опыту и мастерству ведущих артистов ТЮЗа.

Каждый сезон в афише ТЮЗа 60-х годов появляются новые названия для ребят младшего и среднего школьного возраста: «Приключения Гекльберри Финна» М. Твена, «Именем революции» М. Шатрова, «Белеет парус одинокий» В. Катаева, «Юность отцов» Б. Горбатова, «Пузырьки» А. Хмелика, «Коко делает фокусы» К. Воденичаровой и другие.

В спектаклях успешно работают актрисы Г. Аверьянова, Т. Анохина, Э. Гарина, Н. Демина, М. Золотарева, З. Лисятина, М. Малахова, К. Осипова, В. Широнина, занятые в ролях травести, а также несшие основную нагрузку во «взрослом репертуаре». Коллектив ТЮЗа тех лет составляли в основном ученики новосибирской театральной школы: А. Дорожко, В. Бирюков, В. Наймушин, Г. Мамлеева, С. Петухов, Г. Шустер. Скоро они станут ведущими актерами ТЮЗа, а позже и других театров города.

В 1967 году В. Кузьмин набирает курс в Новосибирском театральном училище, открывшемся в 1960 году. Среди его студентов: В. Кузьмина, И. Петрова, Т. Седельникова – молодые героини спектаклей ТЮЗа 70-х годов.

Одним из творческих лидеров кузьминского периода является актер, режиссер и педагог, заслуженный артист РСФСР Виктор Сергеевич Орлов (1924-1985).

Учился в Ленинградском государственном театральном институте (педагоги Е.Д. Головинская, Б.Е. Жуковский, А.И. Авербух, Л.Ф. Макарьев). Актер широкого диапазона, успешно выступал в разноплановых ролях – драматических, комедийных. Раскрытие внутреннего мира героев в работах соединялось с точностью их социальной характеристики и выразительным внешним бытовым рисунком роли. Творчеству В.С. Орлова присущи героико-патетические черты, публицистичность, укорененность в родную почву, ее быт, русский национальный характер. Среди ролей: Николай Гастелло – «Гастелло» И. Штока (1950), Аркадий Гайдар  – «Всадник, скачущий впереди» Ю. Принцева (1951), Обломов – «Обломов» по роману А. Гончарова (1958), барон Берли – «Мария Стюарт» Ф. Шиллера (1966), Большов – «Свои люди – сочтемся» А. Островского (1972), Фальстаф – «Виндзорские насмешницы» В. Шекспира (1973) и другие.

Орлов поставил около 30 спектаклей. Наиболее значительные: «Алкины песни» А. Иванова (1964, совместно с В.В. Кузьминым), «А зори здесь тихие...» Б. Васильева (1971), «Любовь необьяснимая...» Н. Йорданова (1975). В 1960-1985 – педагог Новосибирского театрального училища. Автор театральных мемуаров «Друзья и годы».

Одним из ведущих актеров «золотого века» В.В. Кузьмина по праву называют народного артиста РСФСР Анатолия Яковлевича Мовчана (1925-1980). Актер, режиссер, педагог, главный режиссер Новосибирского театра музыкальной комедии, А.Я. Мовчан в совершенстве владел сценическим словом, музыкальной структурой речи. Его теплый, насыщенный баритон передавал нюансы, оттенки мыслей. Он был замечательным исполнителем амплуа героя-любовника. Среди наиболее значительных его ролей: Ромео – «Ромео и Джульетта» В. Шекспира (1953), Тристан – «Тристан и Изольда» А. Бруштейн (1960), Роберт Дадли – «Мария Стюарт» Ф. Шиллера (1966), Тригорин – «Чайка» А. Чехова (1966), Хлынов – «Горячее сердце» А. Островского (1969) и другие. Он поставил на сцене ТЮЗа 11 спектаклей в качестве сопостановщика и 13 спектаклей самостоятельно, в том числе «Белеет парус одинокий» В. Катаева (1963), «Сотворившая чудо» У. Гибсона (1964), «Девочка и апрель» Т. Ян (1969).

Созданию подлинной творческой атмосферы в театре способствовала высокопрофессиональная деятельность ее многолетнего директора, заслуженного работника культуры России Нины Ивановны Никульковой. С ее деятельностью связано строительство нового здания театра на улице Каменской, 1. Первый кирпич в основание нового здания театра будет заложен в 1965 году, в 1970 году начнут строительство нулевого цикла, а в 1984 году театр и его директор Н.И. Никулькова, переедут в новое прекрасное здание, облик которого будет напоминать романтическую бригантину.

В 1969 году за особые заслуги в развитии искусства Новосибирский ТЮЗ был награжден орденом «Знак Почета».

В 1971 году В.В. Кузьмин становится главным режиссером театра «Красный факел». А спустя несколько сезонов, в 1974 году, В.В. Кузьмина переводят в Москву главным режиссером Центрального детского театра.

Приход в Новосибирский ТЮЗ на пост главного режиссера в 1971 году Л.С. Белова ознаменовал новый этап в жизни театра (1971-1987).

Лев Серапионович Белов (родился в 1937 г.) – заслуженный деятель искусств РСФСР, режиссер, педагог (Новосибирское театральное училище 1987-1991). Учился в Драматической студии при ЛенТЮЗе, в Ленинградском государственном институте театра, музыки и кинематографии (режиссерский ф-т). Молодой главный режиссер (Л.С. Белов стал им в 31 год) был по рождению ленинградцем, знал и любил замечательный театр А. Брянцева и считал себя его воспитанником. Сильной стороной режиссера станет публицистичность – качество, трансформировавшееся в течение его творческой жизни в Новосибирском ТЮЗе из радостного, открытого утверждения веры в высокие истины («Эй, ты, здравствуй!» Г. Мамлина) в трагическое («Жаворонок» Ж. Ануя). Художественный поиск Л. Белова всегда шел в двух направлениях – отрицая, ему необходимо было утверждать. Творческий путь режиссера-публициста, в стенах одного и того же театра, пережившего «оттепель», «застой», «гласность» и «перестройку», проходил именно в плоскости этих поисков.

В эти годы сибирским театром будет предпринята попытка обновления брянцевской модели детского театра во всех его звеньях. В основу художественной программы этого периода будет положена главная театральная идея шестидесятников – «чистка идей революции», что определит понимание специфики искусства театра этого периода. В героической теме, без чего немыслим внутренний мир подростка, Л.С. Белова интересовал, прежде всего, герой мыслящий, психология молодого человека в момент наивысшего напряжения. В связи с постановкой пьесы «Жаворонок» Ж. Ануя (1979), ставшей программной для театра, режиссер заявлял: «Быть человеком в наши дни, значит, отстоять свой идеал, не предавать самого себя, сохранить веру в свое дело и предназначение. Взойти на костер во имя веры – вот высочайшее предназначение человека». Эту мысль режиссер отстаивал в спектаклях: «Сквозь время» по роману В. Кина «По ту сторону» (1977), «Салют динозаврам!» Г. Мамлина (1979), «Старый дом» А. Казанцева (1980), «Свободная тема» А. Чхаидзе (1981).

Многие свои замыслы Л.С. Белов воплощал в содружестве с талантливыми художниками Т.Д. Дидишвили и С.А. Александровым, с заведующим музыкальной частью композитором, заслуженным деятелем искусств России Г.Я. Гоберником, с интересным режиссером-постановщиком Д.А. Масленниковым.

Замечательным творческим союзом была также совместная работа режиссера
Д. А. Масленникова и художника Н.Н. Клеминой, оформившей такие сказочные спектакли режиссера, как «Кот в сапогах» (1977), жившего на сцене детского театра более десяти лет, и спектакль «Ворон» К. Гоцци (1979) на сцене «Красного факела».

Л.С. Белов продолжил и основную репертуарную направленность театра, сложившегося за прошедшие десятилетия как театр героики и романтики. К постановке были взяты такие названия, как «А зори здесь тихие...» Б. Васильева (постановка В. Орлова, 1971), «Материнское поле» Ч. Айтматова (постановка Л. Белова, 1972), «Настенька» В. Недоброво (режиссер Л. Белов, 1975) и другие. На материале событий революционных и военных лет театр осмысливал традиции понимания гражданственности и подвига, соотносил их с сегодняшним днем.

Традиционной в репертуарной политике театра оставалась классика – русская и зарубежная. В 70-е годы главный режиссер театра осуществит постановки: «Недоросль» Д. Фонвизина (1971), «Свои люди – сочтемся» А. Островского (1972), «Виндзорские насмешницы» В. Шекспира (1973), «Без вины виноватые» А. Островского (1976) «Ревизор» Н. Гоголя (1983). Для Л. Белова классика на сцене театра являлась не просто данью истории, традициям театра. Как режиссер-публицист, он видел в ней прежде всего повод, чтобы сказать о сегодняшнем дне, его тревогах и, главное – заставить молодого зрителя думать.

Поколение 70-х начинало свою сознательную жизнь на более высоком социальном и экономическом уровне, чем поколение их родителей, детство и юность которых пришлись на военные и послевоенные годы. Если подростки прошлых лет рано включались в труд, делили с родителями невзгоды, понимая, что недостатки и беды вызваны войной, то у нового поколения формируется иное представление об ответственности за общественное и личное.

Обновление творческих позиций «театра трех поколений» приведет к созданию спектаклей, образующих в репертуарной политике ТЮЗа 70-80-х годов своеобразные циклы. Один из циклов, составили такие спектакли, как «Радуга зимой» М. Рощина (режиссер Н. Задорожный, 1972), «Наталья и русалочка» Э. Шима (режиссер В. Гранат, 1974), «Чудеса в ожидании лета» А. Корина (режиссер К. Воронцов, 1983) и некоторые другие, которые с тревогой говорили об одиночестве подростка, рассматривали одиночество как следствие холодности и бездушия окружающего мира.

Второй цикл составили пьесы, в которых на первый план выходили межличностные отношения современного подростка. Они говорили со зрителем о первой любви, выборе жизненного пути, взаимоотношениях с родителями, сверстниками. Бесспорными достижениями театра были «Чудо в 10 «А» Н. Воронова и А. Горюнова (режиссеры Л. Белов и В. Гранат, 1974), «Драма из-за лирики» Г. Полонского (режиссеры Л. Белов и В. Гранат, 1975), «Милый Эп» Г. Михасенко (режиссер И. Борисов, 1979), «Музыкальный момент» А. Александрова (постановка В. Цхакая, 1987), «Без страха и упрека» (постановка Д. Масленникова, 1987). Во внешности героя этих спектаклей зритель без труда находил приметы времени: сначала это кожаная куртка, вельветовые брюки, потом джинсы, гитара, позднее – цепи, повязки и другая атрибутика «металлистов». Этот герой осознает себя личностью, протестует против стандартизации, спячки жизни.

Прорыв к новой теме – жизнь современного двора – совершил в конце 70-х спектакль «Родительская суббота» А. Яковлева в постановке Д. Масленникова (1979).

Одним из самых глубоких прочтений театром темы «трудного подростка» в середине 80-х станет спектакль «Вся надежда...» М. Рощина (режиссер В. Цхакая, 1986). Спектакль был отмечен поразительной жизненной узнаваемостью его героев, точностью их социальных характеристик.

Творческое ядро труппы Новосибирского ТЮЗа 70-80-х годов составят: народные артисты России А.В. Гаршина, В.М. Федоров, артисты С. Василешников, В. Калиниченко, В. Кондрашов, И. Кулеш, С. Наливкина, А. Невраев, Л. Одиянкова, С. Петров, С. Прутис, Т. Седельникова, С. Судакова и ставшие заслуженными артистами Н. Александров, С. Байков, А. Игнатков, Т. Кочержинская, А. Кузнецов, И. Нахаева, Н. Орлова, И. Петрова, В. Решетников, В. Соколов, Ю. Соломеин, Л. Трошина.  

В 1984 году театр переезжает в новое здание. Переезд совпал с новыми ветрами действительности. В обществе происходят радикальные перемены, смена всей общественной идеологии, с которой в течение десятилетий театр был неразрывно связан. Эра идеологического театра уходила в прошлое. Перестройка дала свободу слову, сделала необходимостью поиск новых тем, интонаций, нового стиля.

В 1992 году художественным руководителем театра становится талантливый композитор, заслуженный деятель искусств России Григорий Яковлевич Гоберник, работавший ранее заведующим музыкальной частью театра.

Поиски новых художественных идей этого периода будут лежать в русле музыкальной эстетики, превращающей спектакль в праздник. В 1990 году Г. Гоберник поставил коллаж-концерт «Мы», который стал началом нового музыкально-пластического направления театра «Глобус».

Художественная программа Г. Гоберника исходила из накопленного коллективом творческого потенциала и принципа открытости миру, идеям, талантливым именам. Появление электронных коммуникаций в 80-е – начале 90-х годов способствовало расширению контактов между представителями различных культур и увеличению разнообразия информационного потока. Время перестройки в стране, принесшее плюрализм окружающей жизни, породило многообразие стилевых направлений в искусстве. Поэтому эклектизм явился естественным отражением культурного разнообразия, стал определяющим в стилевых исканиях театра.

В 1993 г. Новосибирский театр юных зрителей принимает новую художественную программу. С этого времени он Новосибирский молодежный, а с 1997 года академический молодежный театр «Глобус».

Основными принципами художественной программы с 1993 по 1997 гг. стали: сказки мира для детей и подростков; яркие, зрелищные музыкально-пластические спектакли-шоу на классические и современные темы; интеллектуальный театр (пространство малой сцены); мировая классика. Категория красоты становится определяющей в творческих исканиях театра. «Этот эстетический феномен, когда философские смыслы растворены не в слове, а в средствах выражения, присущ всему творчеству Григория Гоберника», – пишет о театре того времени театральный критик Л. Шатина.

Цвет, свет, звук в спектаклях «Глобуса» перестали быть просто элементами постановок. Они существовали в спектакле на равных с актером, являясь смыслообразующим моментом художественного целого. Высокий уровень материально-технической оснащенности, профессионализм сотрудников, владеющих компьютерной техникой, помогал решать серьезные творческие задачи. Создание оригинальной музыки в стенах театра привело к тому, что ряд постановок составил целое музыкальное направление.

Театр широко, как никогда, начинает работать с режиссерами разных школ и направлений. Среди постановщиков 90-х годов: лауреат Государственных премий России, народный артист России Б.А. Морозов (Москва), В.М. Фильштинский (Санкт-Петербург), народный артист России, лауреат Государственных премий России В.В. Фокин (Москва), В.А. Клименко (Москва), Г.И. Дитятковский (Санкт-Петербург) и другие.

«Множество театров (и «Глобус» в том числе) ищут новую модель, соединяют стили, разные языки, пробуют новые формы. В «Глобусе» отлично налажена работа цехов, что, в конечном счете, позволяет делать очень интересные спектакли. Да, технология влияет на эстетику... «Глобус» – живой театр. Он уберегается от опасностей «встать на поток» и не растиражировался», –  писал на страницах «Известий» в 1995 году известный театральный критик Б. Любимов.

Ближайшие творческие соратники Г. Гоберника тех лет – художественный руководитель студии пластики, возникшей в 1989 году, лауреат Государственной премии России, заслуженный деятель искусств России Г.В. Ерасек, балетмейстер-репетитор Н.П. Ерасек, а также руководитель вокальной детской студии, созданной в 1994 году, Н.В. Кирсанова. Студии стали базой для воспитания талантливых детей, а ряд студийных спектаклей в постановке Г. Ерасека, таких, как, например, «Танго» и «Балеро», поставленные на музыку А. Пьяццолы, М. Равеля (1996), джазовая опера «Счастье и муки Милетты Цоккотукки» Э. Глейзера (1996), пластическая версия «Ромео и Юлия» на музыку Г. Берлиоза (1999), вошли в репертуар театра.

Особую роль в жизни театра в эти годы играет заслуженный работник культуры России, кавалер Золотого почетного знака «Общественное признание», лауреат Государственной премии России в области литературы и искусства, директор Новосибирского академического молодежного театра «Глобус» Мария Евсеевна Ревякина. Именно во многом благодаря ее таланту, воле, культуре, ежедневной будничной черновой работе театр 90-х годов смог набрать современный творческий потенциал, сохранить достоинство своего дела. Ревякина оказалась способна «находить общий язык с представителями самых разных структур и элит», доказала, что она «обладает качествами» прагматичного руководителя европейского типа сегодня», для которой художественная идея оказалась первична.

Решением администрации Новосибирской области и Министерства культуры Российской Федерации с 1995 года по инициативе театра «Глобус» для жителей Сибирского и Дальневосточного регионов в Новосибирске один раз в два года начали проводить Международные Рождественские фестивали искусств, исполнительным директором которых стала директор «Глобуса» М.Е. Ревякина, (1995-2001), а с 2001 года директором фестиваля стала возглавившая театр «Глобус» его новый директор Татьяна Николаевна Людмилина.

В 1999 году за большие заслуги в деле нравственного и эстетического воспитания подрастающего поколения, яркие художественные достижения, стабильно высокие экономические показатели деятельности Министерство культуры Российской Федерации присвоило театру наименование «академический». Это первый детский театр Сибири, удостоенный такого звания.

В третье тысячелетие театр вступил с интересной, богатой творческими индивидуальностями труппой. Звания «Народный артист России» удостоены старейшие артисты театра А.В. Гаршина и В.М. Федоров; тринадцать артистов имеют звания «Заслуженный артист России» – Н. Александров, Е. Важенин, А. Варавин, Е. Калашник, Т. Кочержинская, А. Кузнецов, Н. Орлова, Т. Седельникова, И. Соколова-Нахаева, Ю. Соломеин, О. Стебунова, Л. Трошина, П. Харин.

Среди успешно работающих актеров старшего и среднего поколения: В. Кондрашов, В. Калиниченко, И. Камынина, Т. Насташевская, С. Потемкина, С. Прутис, А. Смышляев, О. Цынк, Г. Яськова.

Интересно себя проявили и молодые актеры: О. Афанасьева, В. Алексейцев, Ю. Буслаев, Ю. Зыбцева, Д. Малютин, Е. Ивакина, В. Кимаев, В. Колтунов, Е. Миллер, С. Мурашкин, И. Паньков, А. Польков, А. Симонян, Е. Соколова и другие.

Анастасия Васильевна Гаршина (родилась в 1925 г.). Заслуженная артистка РСФСР (1958). Народная артистка РСФСР (1978). Училась в Ленинградском государственном театральном институте. В 1947-1948 годах работала в Ленинградском областном театре оперетты. В 1949-1979 – в Новосибирском ТЮЗе. В 1979-1994 – в театре «Красный факел». С 1994 в Новосибирском академическом молодежном театре «Глобус». Крупный мастер психологического портрета, лирико-драматическая актриса, начинала с ролей травести.

Среди наиболее значительных сценических созданий актрисы: Аленушка («Товарищи романтики» М. Соболя, 1957), Изольда («Тристан и Изольда» А. Бруштейн, 1960), Сюлливан («Сотворившая чудо» У. Гибсона, 1964), Мария Стюарт («Мария Стюарт» Ф. Шиллера, 1966), Аркадина («Чайка» А. Чехова, 1966), Простакова («Недоросль» Д. Фонвизина, 1971), Толгонай («Материнское поле» Ч. Айтматова, 1972), Устинья Наумовна («Свои люди – сочтемся» А. Островского, 1972), Кручинина («Без вины виноватые» А. Островского, 1976), Мать («Дальше – тишина» В. Дельмар, 1993), Марина («Дядя Ваня» А. Чехова, 1998).

«...Совсем недавно Анастасия Васильевна Гаршина, старейшая актриса театра «Глобус», народная артистка Российской Федерации ..., отпраздновала 50-летие своей творческой деятельности. Эта впечатляющая цифра вобрала в себя отнюдь не только сценические свершения юбиляра. Анастасия Васильевна – человек общественный. Пространство ее интересов так широко, что в него вместились и многолетняя дружба со школой, и преподавательская работа в Новосибирском театральном училище, и руководство Новосибирской организацией Союза театральных деятелей – эту нелегкую ношу она несла целых два десятилетия. Всего не перечесть. Может быть, потому она так хорошо понимает своих героинь, что сама принадлежит к женщинам, умеющим противостоять обстоятельствам и беспощадному времени», – писала о ней театральный критик М. Рубина.

В 1966-1984 А.В. Гаршина председатель правления Новосибирского отделения ВТО РФ. В 1970-1978 – педагог Новосибирского театрального училища. Награждена орденами Ленина и Трудового Красного Знамени.

 

Владимир Матвеевич Федоров (1920-2007), актер, режиссер, старейший актер театра. Заслуженный артист России (1994), народный артист России (2001). В 1942 году окончил Театральное училище им. Щукина при Театре им. Вахтангова. Работал актером в театрах Архангельска, Вологды, Даугавпилса, Красноярска, Магнитогорска, Томска и других. Как режиссер поставил около ста спектаклей в театрах Гродненска, Даугавпилса, Красноярска, Новосибирска и других. С 1979 года в труппе театра «Глобус».

«Часто забывают, что помимо профессий, в основе жизни театра есть круг понятий, вне которого культура просто не может существовать. В театрах, имеющих продолжительную биографию, я встречал носителей глубоких знаний, традиций и этики. В нашем театре есть несколько человек, обладающих уникальной «штучной» квалификацией, есть и те люди, без которых не могу себе представить культурную среду театра. Возвращение в наш театр заслуженного артиста России Владимира Матвеевича Федорова и народной артистки России Анастасии Васильевны Гаршиной – основа, без которой не может быть театр. Это профессионалы, люди высокой театральной и человеческой культуры.

Владимир Матвеевич Федоров – мудрый хранитель наследия русского театра. С ним наша театральная семья ощущает себя полноценной», – пишет Г.Я. Гоберник.

Среди наиболее ярких его ролей: Элизбар («Свободная тема» А. Чхаидзе, 1981), старший лейтенант Тимофеев («Соловьиная ночь» В. Ежова, 1980), Пров Нилыч («Без страха и упрека» Г. Мамлина, 1987), Тургенев в спектакле («Последнее свидание» по пьесе самого В. Федорова, 1989), Бенволио («Убийство Гонзаго» Н. Йорданова, 1992), Отец («Дальше – тишина» В. Дельмар, 1993), Сорин («Чайка» А. Чехова, 1993), Фирс («Вишневый сад» А. Чехова, 1994), Веллер Мартин («Игра в джин» Д. Кобурна, 1995), Григорий («Наш человек» по пьесе А. Островского «На всякого мудреца довольно простоты», 1997) и многие другие.

 

В 2000 году главным режиссером Новосибирского академического молодежного театра «Глобус» становится Александр Владимирович Галибин (родился в 1955 г.), заслуженный артист России (1991). Выпускник Ленинградского государственного института театра, музыки и кинематографии (1977, актерский класс Р.С. Агамерзяна, В.В. Петрова) и режиссерского отделения «Школы драматического искусства» (1992, курс А.А. Васильева, Москва). За его плечами был актерский опыт работы в кино и театре. Как режиссер он уже имел постановки в театрах Санкт-Петербурга, Швейцарии, Австрии, Польши.

Представитель школы русского психологического театра, А.В. Галибин создает спектакли высокой профессиональной культуры. Поставил на сцене «Глобуса»: «Плачевная повесть о Дон Кихоте Ламанчском» Е. Греминой (2000 г.), «Игроки» Н. Гоголя (2001), «Кроткая» по Ф. Достоевскому (2001), «Царь Максимилиан» Е. Греминой (2001), «Женитьба Фигаро» П.-О. Бомарше (2002) и «Бульвар преступлений» Э.Э. Шмитта (2002). Свои постановки он осуществлял в содружестве со столичной творческой бригадой. Среди ее участников – сценографы – лауреат Государственной премии России А. Орлов, народный художник России, лауреат Государственных премий России Э. Кочергин, Э. Капелюш; хореограф лауреат Государственной премии России Г. Абайдулов, композитор – заслуженный деятель искусств России И. Благодер, художник по свету – лауреат Национальной премии Латвии Г. Фильштинский.

Спектакли А. Галибина стали новым этапом в творческом росте коллектива театра. Такие работы, как: Она – И. Савицкова, Он – Е. Калашник в спектакле «Кроткая»; граф Альмавива – А. Симонян, графиня – И. Савицкова, Фигаро – Е. Миллер, Сюзанна – Ю. Зыбцева, Керубино – Д. Малютин, Фаншетта – О. Цинк в спектакле «Женитьба Фигаро» стали яркими, запоминающимися ролями галибинских сезонов в городе. В спектакле «Женитьба Фигаро» одним из открытий стала актерская работа А. Симоняна.

«... В начале второго акта поднимается пышный пурпурный занавес-парус, – писала газета «Авансцена», – и мы видим графа Альмавиву – Артура Симоняна, как на парадном «Портрете графа де Фернана Нуньеса» Гойи, в рост. В нем избыток сил, он в расцвете лет, хорош собою, этот взрывного темперамента испанец. Чувства бурлят, как горючая смесь, в андалузской натуре графа. Его военная терминология звучит веско и убедительно. Ревность графа, его чувство собственного достоинства станут движущей пружиной действия спектакля, мощной энергетической воронкой, в которую попадут и которая закружит вихрем всех персонажей спектакля. Актер простраивает роль, внимательно обдумывая различные повороты и душевные движения графа, неожиданно открывая в финале в этом сильном мужчине-красавце простодушное искреннее сердце, способное по-детски обижаться...

Социальный конфликт комедии – конфликт между третьим сословием в лице предприимчивого плебея и прирожденным аристократом едва обозначен. В спектакле идет борьба за любовь. Рассказ о ее потере и обретении...».

В этот период сибирский театр расширяет репертуарные поиски, прежде всего в области классики, где и происходит основная реализация творческого потенциала театра в создании ярких художественных образов актерами разных поколений театра. Веским подтверждением высокого профессионального уровня театра стало присуждение ему высшей театральной награды в России. В 2004 году он становится обладателем самой высокой профессиональной награды в стране «Золотой маски». Спектакль «Двойное непостоянство» по пьесе Мариво в постановке Дмитрия Чернякова (Москва) получил премию в номинации «Лучший спектакль малой формы», а актриса Ольга Цинк получила вторую «Маску» – «Специальный приз жюри».

Несмотря на новые идеи, новые проекты, многое в театре осталось неизменным. Театр по-прежнему приглашает известных режиссеров. И, главное, театр «Глобус» стремится быть театром, в котором есть место классике, современной драматургии, детским ярким спектаклям и взрослым глубоко серьезным постановкам, где формы общения со зрителем всегда разнообразны и интересны.

 

Новосибирский государственный академический театр «Красный факел»

Творческий путь Новосибирского государственного академического драматического театра «Красный факел», старейшего советского театра страны – целый исторический пласт в художественной жизни города, Сибири, театрального искусства России завершившегося двадцатого столетия.

С первых дней своего рождения театр руководствовался эстетическими критериями, вызванными не сиюминутной потребностью, а тем, что можно назвать непреходящими художественными ценностям. В городе, не имевшем театральных традиций, возник театр, который не стал приспосабливаться к публике, а взял на себя миссию ее просветителя и воспитателя.

Очевидно, первопричину необычайной популярности «Красного факела» тридцатых, сороковых, пятидесятых годов нужно видеть в том, что театр знакомил своего зрителя с людьми исчезнувшего уклада российской жизни. Молодой стремительно набирающий темпы промышленный город рос за счет притока уходящих из деревень и сел жителей, порывающих связи с деревенской культурой. Через спектакли Чехова, Достоевского, Островского, Горького, Шекспира, Мольера театр приобщал их к большой культуре, которая существует вечно в своих вневременных проявлениях.

Значение «Красного факела» для Новосибирска определяется и тем, что он формировал культурное лицо города, предопределив до создания других эстетических центров уровень и эталонные нормы их художественного бытия. Театры, появлявшиеся позднее, должны были учесть созданные «Красным факелом» образцы эстетической деятельности, ориентироваться на них, подтягиваться к ним.

История «Красного факела», как и других художественных организмов, имеет свои этапы, свои периоды. Для этого театра период его становления связан не с сибирским городом, а с далекой солнечной Одессой. Именно там родился театр «Красный факел». В первые годы революции, в годы Гражданской войны на деникинском Юге России появляется театр, который назовут «беспрецедентным случаем следования таировским установкам в театральной практике русской провинции».

В состав театра вошла группа молодых студийцев частной школы-студии (1918-1920), которой руководили прекрасный актер А.И. Аркадьев и театральный критик, постоянный сотрудник одесских газет Б.Я. Лоренцо. В студии преподавали педагоги В. Татищев, Е. Полевицкая, С. Кузнецов, Н. Собольщиков-Самарин, Л. Самборская и Г. Тушмалова. Но именно Владимир Константинович Татищев привел своих воспитанников от частной школы-студии к театру-студии «Красный факел», сумев создать единый организм, спаянный общностью художественных задач и мироощущения.

15 апреля 1920 года «Красный факел» в первый раз поднял свой занавес в Одессе в Колодезном переулке. Одесский пролетариат был занят восстановлением города и промышленности после французских интервентов. И вот в эти дни на улицах Одессы появились фанерные листы, на которых было выведено: «Театром «Красный факел» будет представлено «Зеленое кольцо».

В первом спектакле родившегося театра играли В. Татищев и его студийцы. Пылкая молодежь, ищущая новых сценических форм, недовольная провинциальной косностью и рутиной, сделала смелую попытку свернуть с проторенных театральных дорог, найти пути, которые бы отвечали ритму жизни, заданному в стране днями Октябрьских событий 1917 года, перевернувших жизнь России. В поисках новых путей театр не останавливался перед неудачами и не успокаивался на победах, продолжая идти по пути художественных исканий.

В первые годы молодой «Красный факел» не имел никаких средств к существованию. Но любовь к искусству и стремление создать настоящий новый театр помогали ему выжить в труднейших условиях. В дни создания театра его юные актеры приняли клятву. В ней говорилось: «Мы отрекаемся от всяческого сценического эгоизма, всех личных интересов во имя утверждения идеи театра. Никто не может отказаться ни от какой сценической и всякой работы в театре». Отречение от «сценического эгоизма» было не декларацией, а сущностью. В обязанности молодых актеров входила не только игра на сцене, но и мытье полов, разноска плакатов, расклейка афиш, контроль, касса и техническое обслуживание сцены.

Всего один сезон играл молодой театр в Одессе, потом началась его гастрольная кочевая жизнь. Залогом его жизнеспособности в этих условиях стала заявленная В. Татищевым как программа открытость всем театральным идеям своего времени. В поисках своего стиля театр выбирает эклектизм. В. Татищев говорил своим воспитанникам: «Москва и Петербург, благодаря множественности театральных коллективов, могут позволить себе роскошь «узкой специализации». Публика, судя по настроению, пойдет или к «акам», или к «левым». Не то в провинции. Здесь мы с вами – и академики, и ниспровергатели, мы должны ответить на любой вкус, должны уметь играть любой репертуар, за исключением пошлого и явно нехудожественного».

Однако практика показала, что, несмотря на разные, часто противоположные друг другу течения, постановки В. Татищева вскоре будут иметь единое стилистическое решение. Красота  станет сценическим законом его постановок. Но это была красота, оторванная от жизненной бытовой правды, которая может существовать только в мечтах и игре воображения. Перекличка с художественными идеями Камерного театра была налицо.

Программным спектаклем этого направления стала «Саломея» О. Уайльда в постановке В. Татищева (1921).

«Ближе всего по истокам своим то новое, что мы видели в «Саломее», – писал о гастролирующем в Гомеле театре в 1923 году рецензент местной газеты Л. Выготский (позднее выдающийся советский ученый), – восходит к Московскому камерному театру... Эти принципы и методы можно свести к трем основным: принципы сценической обстановки, актерской речи и движения. Что изображала сцена вчера? Где происходило действие? Разве висели такие живописные щиты перед дворцом Ирода? Сцена ничего не изображала, никакого места действия. Эта была откровенная сценическая площадка для игры актеров, все пространство было разрешено исключительно с этой точки зрения. Создать сценическую атмосферу для этого фантастического видения Уайльда, создать играющую и помогающую играть актерам обстановку – вот цель Татищева.

В камерном театре вот так же порыв человеческой страсти меняет пейзаж. И вчера все погрузилось во мрак, когда Ирод пообещал завесу храма отдать Саломее. Рабы, возлежащие впереди, рабы, держащие светильники – все на сцене отражает и участвует в том, что совершается. Трепет каждого слова актера проходит резонирующей дрожью по всей сцене. Когда Саломея танцует, она вовлекает в иступление страсти всех! И – необычный, небытовой говор. Этот откровенно сценическая декламационно-приподнятая, торжественная речь. Звуки интонации здесь – такой же материал для актера, как краски для художника. Он волен распоряжаться ими, как ему велит его цель. В жизни не говорят так, как вчера на сцене. Но Саломея говорит так – и еще более страстно и напряженно, подымая и растягивая звук.

Наконец, движения и жесты актеров. Этот великолепный и бесконечно выразительный язык движущегося тела был почти изгнан из старого театра. Но драма родилась из танца, и человеческие движения слагаются в мелодии, как звуки гаммы, и создают великую музыку, полную огромных смыслов».

Первый период в истории театра определяется датами 1920-1926 годы. Это время от одесской студии А. Аркадьева и Б. Лоренцо до ухода основателя театра В. Татищева и первой актрисы юного «Факела» Н. Огонь-Догановской.

Татищев (Гартинг) Владимир Константинович (1874-1934) – режиссер, художник, актер, основатель театра «Красный факел». Заслуженный артист РСФСР (1933). В 1899-1901 годы учился в Киевской школе живописи. Работал декоратором в Одесском русском театре. В 1906 году окончил Драматическую студию этого театра и до 1910 года был там актером. Затем работал художником и режиссером в Театре Незлобина в Москве, в Ярославле, ездил по Украине с гастрольной труппой, которую он создал совместно с Н. Тихоновичем-Невеждиным. В 1913-1917 годах в Москве одновременно работал в Театре Корша, в Театре Незлобина, во Второй студии Художественного театра, в театре Комедии и Драмы.

«... Он не чужд был драматургии, прекрасно анализировал пьесы, понимал роль и место каждого действенного звена. Был постановщиком – умел замыслить спектакль как целое и рельефно ощутить роль каждого элемента.

Он был вполне профессиональным художником и в области декорационной, и в области света, мог совершенно самостоятельно осуществлять свои световые партитуры с излюбленными им фиолетовыми тонами. Прекрасный модельер, создатель множества эскизов костюмов, ...мог до тонкостей разработать и инженерную часть установок, и всю бутафорскую часть, знал и тайны изготовления реквизита...

Татищев представлял собой идеальный тип режиссера-директора, режиссера – художественного руководителя».

В период своего художественного руководства театром он поставил: «Зеленое кольцо» З. Гиппиус, «Саломею» О. Уайльда, «Игру интересов» Бенавенте, «Шута на троне» Ф. Лоттара, «Океан» Л. Андреева, «Монну Ванну» М. Метерлинка, «Собаку на сене» Лопе де Вега, «Победу смерти» Ф. Соллогуба, «Игру в плаху» Ю. Олеши и другие.

Ведущей актрисой театра была Надежда Ивановна Огонь-Догановская, актриса, которая, по мнению современников, воплотила в себе эталон раннего «Красного факела» татищевского периода. Училась в Одесской консерватории по классу вокала «контральтовое меццо-сопрано» и параллельно брала уроки в частной драматической студии под руководством А. Аркадьева и Б. Лоренцо. Наиболее ярко ее творческая индивидуальность раскрылась в 1920-1926 годах как романтической актрисы условно-аллегорического языка. «Вся она от музыки, от поэзии, от идеальной красоты античных форм. Только нимфа Калипсо, наверное, обладала таким чарующим голосом. Велико обаяние музыкальной, ритмизированной ее речи!»

С уходом В.К. Татищева и актрисы Н.И. Огонь-Догановской заканчивается важный период в жизни театра. «Красный факел» вступает в полосу новых творческих поисков.

С 1926 по 1932 годы у театра не было постоянного руководителя. Он работал с приглашенными режиссерами разных школ и направлений. В разное время здесь работают мейерхольдовцы: А.И. Рубин, В.Ф. Федоров, Н.Н. Буторин, В.А. Нелли-Влад; режиссеры мхатовской школы – А.Д. Дикий, В.В. Тезавровский; режиссер Малого театра Л.М. Прозоровский, а также ряд режиссеров периферийных театров. С ними театр пробует свои силы в освоении языка театра бытового правдоподобия и условного театра, берет курс на советскую драматургию, ставит: «Конец Криворыльска» Б. Ромашова, «Любовь Яровую» К. Тренева, «Разлом» Б. Лавренева и другие пьесы молодой советской драматургии. Несмотря на отсутствие материальной базы и кочевую жизнь театр набирал в мастерстве и все увереннее осваивал стиль реалистического искусства.

Значение театра в 20-е годы на театральной карте России заключалось в том, что «целый ряд провинциальных городов только с приездом «Красного факела», увидел настоящий театр и спектакли с хорошим ансамблем и оформлением. Своими гастролями в города и рабочие поселки театр «вливал» новую бодрую струю в театральную рутину провинциальной жизни, будил стремление к светлому и прекрасному».

Таким образом, театр уже в первое десятилетие своего существования начинает играть заметную роль в культурно-просветительной работе своего времени. К концу 20-х годов он получает оценку как «театр передовой, современный, общественный, несущий в массы советскую культуру... Важно, что «Красный факел» – это крепко сбитый коллектив, работающий идейно, тесно связанный с рабочими массами и у этих масс ищущий сценического вдохновения».

За 11 лет кочевой жизни театр побывал в Харькове, Киеве, Полтаве, Севастополе, Ялте, Краснодаре, Днепропетровске, Пятигорске, Ростове-на-Дону, Нижнем Новгороде, Перми, Твери, Курске, Гомеле, Минске, Уфе и многих других городах Украины, России, Крыма, Белоруссии, Кавказа. Играл во многих шахтерских поселках Донбасса. В 20-е годы играл среди разрухи и голода, на крошечных клубных сценах и в неуютных, запущенных театральных помещениях, передвигаясь по стране в продуваемых всеми ветрами вагонах. На свой страх и риск, не будучи включенным в сеть государственных театров, переезжал «Красный факел» из города в город, отстаивая право на внимание к своей творческой жизни.

Театр жил напряженной творческой жизнью. Идея Школьного, затем Студийного Передвижного театра сменилась мыслями о необходимости стационирования. Искались постоянные базы. Назывались города Свердловск, Ленинград. Окончательно выбор был остановлен на Новосибирске.

В 1932 году театр «Красный факел» по приказу Управления театров РСФСР стационируется в нашем городе. Он получает одно из старых зданий города, построенное по проекту архитектора А.Д. Крячкова (1911-1914) для Коммерческого собрания на улице Ленина, 19.

В Новосибирск приехало 13 актеров. Здесь 11 ноября 1932 года «Красный факел» сыграл первую новосибирскую премьеру «Гоп-ля, мы живем!» Э. Толлера (режиссер В. Федоров). Через год старых краснофакельцев осталось четверо: К. Гончарова, Н. Коростынев, Н. Корн, М. Халатова. В 1933 году главным режиссером театра был заслуженный артист РСФСР Павел Анатольевич Рудин. Тогдашнему художественному руководителю театра Федору Степановичу Литвинову удалось объединить оставшихся в труппе «старых» краснофакельцев с новыми для театра артистами, в числе которых была и приглашенная Ф. Литвиновым актерская пара —
В. Редлих и С. Бирюков.

Первые пять лет после стационирования «Красный факел» вел творческий поиск в различных театральных направлениях. Со второй половины 30-х до конца 50-х годов «Красный факел» вступает в период успешного освоения мхатовских традиций под руководством В. Редлих.

С сентября 1941 по август 1944 года театр работает в Кузбассе. 25 актеров «Красного факела» уходят на фронт. Самые значительные постановки этого периода: «Парень из нашего города» К. Симонова (режиссер В. Дени, 1941), «Фельдмаршал Кутузов» В. Соловьева (режиссер В. Редлих, 1941), «Русские люди» К. Симонова (режиссер В. Редлих, 1942).

В 1944 году «Красный факел» вернулся в родной город.

В годы войны с 1939 по 1944 годы художественное руководство театром осуществлял Серафим Дмитриевич Иловайский (1904-1944), актер, заслуженный артист РСФСР. Работал в театрах Мичуринска, Борисоглебска, Ельца, Омска, Иркутска. С 1932 года в театре «Красный факел». Он совмещал обязанности руководителя с актерской профессией. Сам не поставил ни одного спектакля, но с творческим пониманием умело направлял деятельность режиссеров. При этом был «строг и справедлив в оценках явлений искусства». Его наиболее значительными ролями на сцене «Красного факела» стали: Фирс («Вишневый сад» А. Чехова, 1935), Каренин («Анна Каренина» Л. Толстого, 1938), Забелин («Кремлевские куранты» Н. Погодина, 1940), Багратион («Фельдмаршал Кутузов» В. Соловьева, 1941), Гамлет («Гамлет» В. Шекспира, 1941).

«Он был уже не молод, его Гамлет, в нем не было юношеской одержимости, порывистой горячности. Этот человек жил в мире мысли, он не просто смотрел на собеседника, он внимательно и напряженно вглядывался в него, силясь проникнуть в тайное тайных, понять, что им движет в мире, где совершается столько несправедливостей...»

И было письмо от Пастернака, в котором он благодарил артиста за создание именно такого Гамлета, которого он представлял, когда заново переводил Шекспира.

После С.Д. Иловайского руководство театром принимает В.П. Редлих.

С именем Веры Павловны Редлих будет связан большой и плодотворный период в жизни «Красного факела» 30-50-х годов. Именно в годы ее руководства театром «Красный факел» получил общесоюзное признание как один из ведущих драматических театров страны и свое второе неофициальное название «сибирский МХАТ».

Вера Павловна Редлих – фигура самая бесспорная в театральной истории Сибири (1894-1992). Заслуженная артистка РСФСР (1945). Народная артистка РСФСР (1956), профессор. Принадлежала к высшему слою художественной интеллигенции России начала века. Начинала творческий путь в Москве (1914-1916) в частной школе драматического искусства, которой руководили актеры МХАТа Н.Г. Александров, Н.О. Массалитинов, Н.А. Подгорный. В 1916-1918 училась во Второй студии МХАТа, созданной на основе этой школы. Ее учителями были К.С. Станиславский, В.И. Качалов, Л.М. Леонидов Выпускалась вместе с А.К. Тарасовой, М.И. Прудкиным, Н.П. Баталовым и другими. В дипломном студийном спектакле «Зеленое кольцо» З. Гиппиус с успехом играла роль гимназистки Руси.

В кругу друзей юности – М. Волошин, М. Цветаева. Снималась в кино с Ф. Шаляпиным. Впитала и через всю жизнь пронесла идею служения искусству как идею общественной миссии. Рано обратилась к педагогической деятельности, которая наряду с творческой стала одной из главных в ее жизни.

Начинала творческий путь как актриса в театрах Москвы, Ярославля, Владивостока, Томска. С 1932 г. в театре «Красный факел» – сначала режиссер, а в 1945-1960 годах – главный режиссер театра.

У В. Редлих не было собственной оригинальной театральной эстетики. Создание нового все-таки удел единиц, гениев. Призвание интеллигенции — распространение и приумножение полученных знаний. В этом смысле она и была подлинным русским интеллигентом. По силе влияния на культурную и духовную жизнь нашего города ей до сих пор нет равных.

Вера Павловна относится к тем строителям театра, каких искусство знает не так много. Среди них называют имена Станиславского, Немировича-Данченко, Таирова, Товстоногова. В российской провинции – Монастырского, Киселева.

В 1932 году придя в «Красный факел», она терпеливо и бережно год за годом строила театр-дом, а точнее, как говорят современники, усадьбу, в которой в течение трех десятилетий взращивала актерские индивидуальности. Слово «усадьба» (термин ввел ее ученик режиссер И. Хасин) представляется важным, говорящим многое о старом «Красном факеле» и о Вере Павловне Редлих. За словом стоит уклад. Уклад — это когда в течение жизни есть место прошлому, настоящему и будущему. Есть место для тепла и защищенности художнику.

На репетициях Редлих шла работа актера над собой в процессе создания роли. Это был процесс не эксплуатации, не потребления, а накопления.

Среди классических постановок В. Редлих: пьесы М. Горького «Зыковы» (1943), «Последние» (1948); пьесы А. Чехова «Дядя Ваня» (1940), «Чайка» (1952), «Три сестры» (1960); «Село Степанчиково и его обитатели» по Ф. Достоевскому (1956), «Бесприданница» А. Островского (1954); шекспировские пьесы «Много шума из ничего» (1938), «Гамлет» (1941, 1956) и другие.

Большое внимание В. Редлих уделяла работе над советской драматургией. Ею были осуществлены постановки пьес: «Фельдмаршал Кутузов» В. Соловьева (1941), «Русские люди» К. Симонова (1942), «Глубокая разведка» А. Крона (1946), «Дни и ночи» К. Симонова (1947), «Годы странствий» А. Арбузова (1955), «Кремлевские куранты» Н. Погодина (1956), «Барабанщица» А. Салынского (1959) и другие.

Она много работала с молодыми авторами: «Жить хочется» М. Кирикова (1939), «Голубиное гнездо» Э. Бурановой (1946), «Двадцатилетие» Е. Рогозинской-Николаенко (1948), В содружестве с В. Лаврентьевым ею поставлены «Кряжевы» (1953), «Последняя легенда» (1958).

Позднее известный советский писатель-сибиряк Сергей Залыгин напишет: «Я долго жил в Новосибирске и помню, как привлекала нас, молодых писателей, та творческая атмосфера, доброжелательность и чуткость, которые умели создавать главный режиссер театра Вера Редлих, ее коллеги Николай Михайлов, Энвер Бейбутов, Владимир Дени. «Красный факел» не боялся включать в репертуар пьесы начинающих авторов-сибиряков. В его афишах одно за другим появлялись имена Елены Рогазинской, Анатолия Иванова и, конечно, Виктора Лаврентьева, которому «Красный факел» дал путевку на столичную сцену».

С 1936 года В. Редлих занималась педагогической деятельностью: возглавляла театральное училище в Новосибирске, студию при театре «Красный факел».

Творчество В. Редлих связано с развитием традиций русского театра в особенности МХАТа. Приверженец реализма в театральном искусстве, она добивалась глубокой и тонкой характеристики образов, правдивого раскрытия психологии сценических героев, их мыслей и чувств. Спектаклям В. Редлих свойственна поэтичность, в них утверждалась вера в благородство человеческой души. Особое внимание она уделяла актерскому творчеству. Ее лучшие спектакли характеризовались высокой культурой исполнения, целостным ансамблем. Как крупному художнику советского периода, ей принадлежала роль соединения нитей двух разорвавшихся художественных времен дореволюционной и советской театральных культур.

В 1960 году В. Редлих покидает Новосибирск, уезжает жить и работать в Минск. С 1960  года она руководила курсом в Белорусском театральном институте, с 1964 года – заведовала кафедрой актерского мастерства.

В. Редлих является также автором книги воспоминаний «Такая манящая цель... театр». (Новосибирское кн. изд-во, 1989).

В. Редлих принадлежит роль коллекционера и воспитателя двух актерских поколений краснофакельских мастеров. К первому принадлежат, такие видные мастера, как народные артисты РСФСР Е. Агаронова, С. Бирюков, К. Гончарова, Н. Михайлов. Наиболее яркими представителями второго поколения являются С. Галуза, В. Капустина, Е. Матвеев.

Николай Федорович Михайлов (1902-1969) – актер, режиссер, педагог. Заслуженный артист РСФСР (1945). Народный артист РСФСР (1953). Один из основателей Новосибирского ТЮЗа. В 1932-1935 годах – организатор Областного Ленинградского ТЮЗа. Творческий путь Н. Михайлов начинал Санкт-Петербурге. В 1919-1921 учился в Санкт-Петербургском (Ленинградском) институте путей сообщения, тогда же начинает как актер-сотрудник в подсобном составе Большого Драматического театра в Ленинграде. Играл вместе с Ю. Юрьевым, Н. Монаховым, Г. Мичуриным, К. Хохловым. В 1924-1926 годах учился в Ленинградском институте истории искусств (факультет театроведения). С 1923 – артист Ленинградского ТЮЗа, работал с А. Брянцевым, Н. Черкасовым. С 1930 года начинает свою творческую деятельность в Новосибирском ТЮЗе как актер и режиссер, главный режиссер этого театра в 1935-1938 гг. В 1938 году приходит в труппу «Красного факела». В 1938-1966 годах актер и режиссер «Красного факела». В 1945-1948 годах – главный режиссер театра «Красный факел» и художественный руководитель Новосибирского театрального училища. В 1966-1969 годах – педагог ЛГИТМиКа, актер БДТ в Ленинграде. Среди наиболее ярких сценических созданий актера: Чацкий («Горе от ума» А. Грибоедова, 1938), Теодоро («Собака на сене» Лопе де Вега, 1943), Антип Зыков («Зыковы» М. Горького, 1943), Тригорин («Чайка» А. Чехова, 1952), Гамлет («Гамлет» В. Шекспира, 1956), Яков Богомолов («Яков Богомолов» М. Горького, 1958) и другие.

Сценические создания Н. Михайлова это – «...целая галерея героев советского периода, многообразные спектакли разных эпох – в той или иной степени несли в себе черты углубленного психологизма, скрупулезного действенного анализа, четко выявленной философской концепции. Страстное прославление человека-борца, восстающего за справедливость, честь и достоинство, составляло существо театральных поисков всей жизни Михайлова...

Его благородный облик, великолепная осанка, чудесный глубокий голос и в молодые годы, и в годы зрелости производили на зрителей неизгладимое впечатление. Каждое появление актера-романтика на сцене гипнотизировало зал, его страстные монологи завораживали, вызывали взрыв ответных чувств», – писал о Н. Михайлове известный новосибирский театральный критик Л. Баландин.

Главное направление творческих поисков Михайлова-режиссера – создание современного публицистического спектакля, спектакля широких обобщений, глубоких мыслей, страстной борьбы мнений. Среди постановок: «Два лагеря» (1950) и «Шакалы» (1953) А. Якобсона, «Последняя жертва» (1948) и «Таланты и поклонники» (1950) А. Островского, «Любовь Яровая» К. Тренева (1952), «Они продолжают путь» («Иван Буданцев») В. Лаврентьева (1956), «Дни Турбиных» М. Булгакова (1957), «Оптимистическая трагедия» Вс. Вишневского (1957), «Иркутская история» А. Арбузова (1960), «Таня» А. Арбузова (1966) и другие.

О Н.Ф. Михайлове и его жене актрисе Е.Г. Агароновой В.П. Редлих позднее скажет: «Им суждено было сыграть большую роль в жизни «Красного факела».

Елена Герасимова Агаронова (1903-1985) – ведущая актриса «Красного факела» с конца 30-х до середины 60-х годов. Заслуженная артистка РСФСР (1945). Народная артистка РСФСР (1957). В труппе театра с 1938 по 1966 годы. В 1930-1932 и в 1935-1938 ведущая актриса Новосибирского ТЮЗа, стояла у истоков возникновения театра, принимала деятельное участие в его создании. В 1932-1935 годах – актриса и организатор Областного Ленинградского ТЮЗа.

Начинала свой творческий путь с амплуа актрисы-травести: Тимошка («Тимошкин рудник» Л. Макарьева, 1930), Ирод («Винтовка № 492116» А. Крона, 1930), Сережа Стрельцов (в одноименной пьесе В. Любимовой, 1936, Новосибирский ТЮЗ) и другие.

Актриса реалистической школы на сцене «Красного факела» создала обширную галерею женских образов в спектаклях по классическим и современным пьесам. В их числе: Анна Каренина («Анна Каренина» Л. Толстого, 1949), Катюша Маслова («Воскресенье» Л. Толстого, 1950), Аркадина («Чайка» А. Чехова, 1952), Кручинина («Без вины виноватые» А. Островского, 1959), Елена («Дни Турбиных» М. Булгакова, 1957) и многие другие. В. Редлих отмечала в актрисе трепетное, полное самоотдачи отношение к искусству, глубокое проникновение в материал автора, любовь к яркой характерности, нервную чуткость, глубину и неожиданность оценок.

Е. Агаронова вела большую общественную работу. В 1943-1966 годах являлась председателем правления Новосибирского отделения ВТО. По ее инициативе была осуществлена реконструкция здания Дома актера (ул. Серебренниковская, 35) и спальный корпус для лечения и отдыха артистов в Речкуновском санатории.

Клавдия Григорьевна Гончарова-Гончаренко (1894-1960) – одна из ведущих актрис театра периода В.П. Редлих. Заслуженная артистка РСФСР (1945). Первая народная артистка РСФСР в Сибири (1950). Работала в театрах Киева, Донбасса, Александрии, Житомира, Брянска, Новгорода, Ульяновска, Пензы и некоторых других. С 1929 по 1960 годы в труппе «Красного факела». Как крупный художник, способствовала своим творчеством формированию реалистического углубленно-психологического направления театра «Красный факел». «...народная артистка РСФСР Клавдия Григорьевна Гончарова, высокая, статная русская красавица с горячим сердцем и тонким юмором... особенно своеобразно, тонко и смело решала она образы горьковских женщин. Ее знаменитая Софья Зыкова покоряла зрителей не только Новосибирска, но и Москвы, и Ленинграда. Мне думается, если бы Горький увидел ее, она бы порадовала его своим обаянием, умом, чисто русской красотой. В этой роли ей была свойственна тонкая, подчас горькая усмешка над нелепостью, тупостью российских обывателей и бьющая через край любовь к жизни, какой она могла бы быть, мудрость человека, трезво и горько воспринимающего все подлое и мелкое и в то же время благославляющего жизнь за то, что в ней так много прекрасного.

...Можно многое сказать о ее ролях. Остановлюсь лишь на роли матери в пьесе Чапека «Мать». Мне думается, что это был один из лучших спектаклей «Красного факела». В нем звучало предчувствие близкой войны» (В. Редлих. «Такая манящая цель... театр»).

Бирюков Сергей Сергеевич (1897-1962) – актер, педагог. Заслуженный артист РСФСР (1950). Народный артист РСФСР (1957). Один из ведущих актеров театра. Внучатый племянник Петра Ильича Чайковского. Муж В.П. Редлих. В 1918-1922 годах окончил драматическую студию Костромы, работал актером в театрах Иванова, Ярославля, Владивостока, Томска. Личность, во многом определявшая этический климат театра. «Я всегда вижу перед собой высокого привлекательного человека в пенсне, с броским лицом аристократа, элегантно одетого, с вечной бабочкой вместо галстука, гладко выбритого, аккуратного, предупредительного со всеми...» (С. Галуза. «В старом «Факеле». Воспоминания. 1986. На правах рукописи. Театральный музей Новосибирского отделения «СТД РФ (ВТО)»).

«На одном из бурных общих собраний в период, когда начался распад прежнего дружного театра, кто-то из актеров, человек эгоистичный и равнодушный, враждебно относившийся к коллективу, вдруг распалился и стал горячо проповедовать, как надо любить театр, как он любит театр. Всем была ясна грубая фальшь его демагогии, но все смущенно молчали. Вдруг Сергей Сергеевич вскочил с места и закричал: «Неправда! Вы не любите театр!» Он подбегал к каждому молчальнику-соглашателю и, глядя в растерянные, виноватые глаза, повторял: «И вы не любите... и вы... и вы!» Потом вдруг остановился, оглядел всех, грустно улыбнулся и сел. Этот его искренний выпад неожиданным солнечным лучом прояснил атмосферу. Казалось, каждый, наконец, задумался над собой, над судьбой театра» (В. Редлих. «Такая манящая цель... театр»).

С. Бирюков был характерным актером, играл роли самого разного плана. Среди его сценических созданий: Тартюф («Тартюф» Ж.-Б. Мольера, 1935), Гаев («Вишневый сад» А. Чехова, 1935), Барон («На дне» М. Горького, 1936), Забелин («Кремлевские куранты» Н. Погодина, 1940), Каренин («Анна Каренина» Л. Толстого, 1949), Плюшкин («Мертвые души» Н. Гоголя, 1952), Дорн («Чайка» А. Чехова, 1952), Граф де Гиш («Сирано де Бержерак» Э. Ростана, 1955), Фома Опискин («Село Степанчиково и его обитатели» Ф. Достоевского, 1956), Полоний («Гамлет» В. Шекспира, 1956), Абрезков («Живой труп» Л. Толстого, 1959) и многие другие.

Одной из ключевых фигур творческой жизни «Красного факела» 30-50-х годов является Серафим Леонидович Белоголовый (1904-1953) – художник театра, живописец, заслуженный деятель искусств РСФСР (1950).

В 1925-1928 годах С. Белоголовый учился в Ленинградской академии художеств (живописно-монументальный факультет). Работал в театрах Иркутска, Омска, Томска. С 1935 – художник-постановщик, с 1937 – главный художник театра «Красный факел». Работал в содружестве с режиссерами: В. Редлих, В. Дени, Н. Михайловым, Э. Бейбутовым. Оформлял также спектакли в Новосибирском театре оперы и балета, в ТЮЗе, Областном театре драмы, в театрах других городов Сибири. В.П. Редлих называла С.Л. Белоголового поэтом «Красного факела», говорила, что его «спектакли... отличались глубоким проникновением в стиль автора, поэтичностью, взволнованностью», что они были летописью театра. Позднее отмечали, что затаенный лиризм пластики сценографии С.Л. Белоголового являлся важным компонентом общей атмосферы театра Редлих. На полях эскиза к этапному в жизни театра спектаклю «Чайка» А. Чехова (1952), который оформлял художник, сохранилась красноречивая надпись мастера: «Дорогому соратнику, другу и сестре любимой Вере Редлих. У нас одна душа, одно сердце и одно стремление еще лучше служить своей Родине и своему народу. 28 января 1950 года».

Работы художника находятся в залах Новосибирского государственного художественного музея, в фондах музея Новосибирского академического театра оперы и балета, Театрального музея Новосибирского отделения СТД РФ (ВТО). Рядом с В.П. Редлих работали такие разные режиссеры, как В.К. Дени, Н.Ф. Михайлов, Э.М. Бейбутов. Вместе они создают театр высокой сценической культуры, тонкого художественного вкуса, исповедуя искусство психологической правды.

Главное место в репертуаре заняла русская классика. Спектакли В.П. Редлих «Зыковы», «Чайка», «Три сестры», «Село Степанчиково и его обитатели» навсегда вошли в золотой фонд театра. Именно классический репертуар дал основание назвать театр «сибирским МХАТом» после триумфальных гастролей в столицу летом 1953 года.

Звание «Заслуженный артист РСФСР» в 40—50-е годы в театре носили (кроме названных выше) актеры: А.М. Аржанов, П.Ф. Бахтин, режиссер Э.М. Бейбутов, артисты А.В. Беляев, Л.Б. Борисова, С.И. Галуза, А.А. Глазырин, В.Я. Капустина, М.Ф. Кириков, актер и режиссер Н.М. Коростынев, Т.И. Ломоносова, М.М. Халатова. В 60-е годы звание «Заслуженный артист РСФСР» присвоено М.А. Биберу, В.В. Лиотвейзену, Л.З. Морозкиной. По нескольку десятилетий отдали краснофакельской сцене актеры театра Редлих: В.А. Вяткин, В.И. Девятова, Н.А. Кудрявцев; Н.М. Лебедева, А.В. Опалев, художник П.Т. Коваленко.

Более полувека с театром «Красный факел» связали свой творческий путь старейшие актеры театра В.С. Белоголовая, Г.С. Красильников, а также впоследствии ставшие заслуженными артистами России – К.И. Орлова, И.М. Попков, А.С. Смирнова.

В конце 40-х начале 50-х годов с В.П. Редлих начинали свой творческий путь молодые актеры Л.Т. Левин, И.Г. Поляков, М.И. Майкова, В.Л. Эйдельман, Е.С. Матвеев, впоследствии известный киноактер и кинорежиссер.

В 1958 году В.П. Редлих в труппу театра была приглашена уже носившая звание «Заслуженная артистка РСФСР» А.Я. Покидченко.

После отъезда В.П. Редлих в Минск для театра наступает полоса исканий. Театр возглавил К.С. Чернядев.

Константин Саувович Чернядев (Халерин) (р. 1918), режиссер, заслуженный деятель искусств РСФСР (1965). В 1935-1941 учился в ГИТИСе (педагоги Б.Е. Захава, В.Г. Сахновский). В театре «Красный факел» работал в 1957-1973 годах (главный режиссер – 1960-1971). Поставил в Новосибирске: «Яков Богомолов» М. Горького (1958), «Лиса и виноград» Г. Фигейредо (1960), «Мамаша Кураж и ее дети» Б. Брехта (1960), «Ради своих ближних» В. Лаврентьева (1961), «Собака на сене» Лопе де Вега (1962), «Милый обманщик» Д. Килти (1962), «Враги» М. Горького (1964), «Нора» Г. Ибсена (1964), «Чти отца своего» В. Лаврентьева (1964), «Повитель» А. Иванова (1965), «Традиционный сбор» В. Розова (1967), «Трактирщица» К. Гольдони (1971), «Валентин и Валентина» М. Рощина (1972), «Венецианские близнецы» К. Гольдони (1972) и другие.

«В творчестве Константина Чернядева причудливо переплетаются различные режиссерские направления, сплав которых не всегда един... Но чаще всего и настойчивее всего Чернядев разрабатывает линию, намеченную в режиссуре замечательного советского мастера сцены Андрея Лобанова. Подобно Лобанову, Чернядев отстаивает в искусстве «реалистичность, одухотворенную поэзией» (Баландин Л. «На сцене и за кулисами. Путь театра «Красный факел»).

К.С. Чернядев сохранил творческий коллектив и продолжил традицию В.П. Редлих. «Красный факел» активно обращается к советской драматургии, ставит пьесы А. Арбузова, В. Розова, Л. Зорина, обращается к произведениям сибирских авторов – В. Лаврентьева и А. Иванова.

В конце 60-х годов в репертуаре театра появляются такие спектакли, как «Бег»
М. Булгакова (1968), «Варвары» М. Горького (1969), поставленные режиссером В.Л. Климовским, и спектакль «Борис Годунов» А. Пушкина (1968) в постановке А.О. Сагальчика. Эти работы театра стали заметным событием в жизни города. В спектакле «Борис Годунов» главную роль сыграл артист А.А. Солоницын, впоследствии один из самых значительных актеров отечественного кинематографа ХХ века, постоянно работавший с выдающимся кинорежиссером А.А. Тарковским.

В этот период ярко раскрываются актерские таланты А.Я. Покидченко, Л.Б. Борисовой, Е.С. Лемешонка, А.С. Смирновой, А. А. Малышева, И.Г. Полякова, К. Ф. Захарова и многих других.

В 1967 году театр был награжден орденом Трудового Красного Знамени.

В 1971-1974 годах театр возглавлял Владимир Валентинович Кузьмин (1923-1984), народный артист РСФСР (1970), пришедший в «Красный факел» из Новосибирского ТЮЗа. Вместе с ним, стремясь сохранить «актерское братство», приходит большая группа тюзовских молодых актеров. Среди них: В.Е. Бирюков, Н.А. Демина, А.И. Дорожко, С.С. Сергеева, М.А. Стрелков, В.Н. Чумичев, В.И. Широнина. Значительно позднее – Г.А. Шустер. Вскоре они становятся ведущими мастерами «Красного факела».  На сцене «Красного факела» В.В. Кузьминым будут поставлены: «Без перчаток» Д. Голсуорси (1971), «Чудаки» М. Горького (1972), «Миссис Пайпер ведет следствие» Дж. Попплуэль (1973), «Долги наши» Э. Володарского (1973), «Каждый умирает в одиночку» (инсценировка А. Никулькова по мотивам повести Г. Фаллады, 1974).

В «Красном факеле» В. Кузьмин проработает несколько сезонов. Вскоре его переводят в Москву главным режиссером Центрального детского театра.

В 70-80-х годах в театре происходит частая смена главных режиссеров. В эти годы в театре работают: заслуженный деятель искусств России С.С. Иоаниди (1974-1980), заслуженный деятель искусств ЭССР, лауреат Государственной премии ЭССР В.Г. Черменев (1981-1984); народный артист УССР, лауреат Государственной премии им. Т. Шевченко М.Ю. Резникович (1985-1988), А.Н. Максимов (1989-1990). В сезон 1990-1991 года художественное руководство театром осуществляли заслуженные артисты России В.Е. Бирюков и А.А. Лосев. В 1991-1992 годах художественным руководителем театра являлся режиссер В.П. Кондратьев.

Частая смена режиссеров приводит к творческой нестабильности. Проблема освоения режиссурой современного театрального языка становится главной для творческой жизни «Красного факела». Высокий профессиональный уровень театра удавалось сохранять прежде всего благодаря целому созвездию талантливых артистов. Среди них актеры старшего поколения: народная артистка СССР А.Я. Покидченко, заслуженные артисты России К.И. Орлова и И.М. Попков, А.С. Смирнова,
В.И. Мороз; актеры (тогда) среднего поколения, получившие в разные годы звание «Заслуженный артист России»: Г.А. Алехина, И.А. Белозеров, В.Е. Бирюков, Н.А. Демина, Т.В. Дорохова, А.И. Дорожко, А.А. Лосев, Т.А. Сердюкова, С.С. Сергеева (Стрелкова), М.А. Стрелков, М.Г. Филатова, В.Н. Чумичев, В.И. Широнина, Г.А. Шустер, а также молодые актеры, ныне носящие звание «Заслуженный артист России»: Т.Я. Классина, В.Е. Лемешонок. В этот период в труппе театра работает артист А.Н. Болтнев (1978-1985) – позднее актер Театра им. Маяковского (Москва), лауреат Государственных премий СССР.

Директором театра являлась Галина Григорьевна Булгакова (1984-1999) заслуженный работник культуры России (1995).

Галина Александровна Алехина (родилась в 1946 г.) – одна из ведущих актрис театра. Заслуженная артистка России (1994). Народная артистка России (2004). Окончила Свердловское театральное училище. Работала в театрах Челябинска, Ашхабада, Орджоникидзе, в Новосибирском областном театре драмы. С 1987 года – актриса театра «Красный факел». Творчеству актрисы присуще исповедальное начало. Наиболее близкими жанрами являются трагедия и драма, тонко чувствует фарсовую и гротескную природу игры, однако трагическое начало является доминирующим. На сцене Областного театра драмы среди наиболее значительных ее ролей: Мария («Деньги для Марии» В. Распутина, 1978), Александра («Фантазии Фарятьева» А. Соколовой, 1978), Мара («Парик из Гонконга» К. Сакони, 1979), Алина («Смотрите, кто пришел!» В. Арро, 1982), Инна («Игра в куклы» Э. Ветемаа, 1985), Васса («Бабы» В. Балашова, 1985), Валентина («Под одной крышей» Л. Разумовской, 1986). На сцене «Красного факела» – Летиция («Летиция, или Игра воображения» П. Шеффера, 1991), Жюли («Фрекен Жюли» А. Стриндберга, 1992), Мамаша Кураж («Мамаша Кураж и ее дети» Б. Брехта, 1996), Агата («Козий остров» Уго Бетти, 1998) и некоторые другие.

Владлен Егорович Бирюков (1942-2005) – один из ведущих артистов театра. Заслуженный артист РСФСР (1983). Народный артист России (2002). Лауреат Государственной премии СССР (1979), лауреат Государственной премии РСФСР (1984).Член-корреспондент Петровской академии наук и искусств (2001). Учился в Новосибирском театральном училище (1961-1966, педагоги А.А. Малышев, В.И. Гарин). Начинал творческий путь на сцене Новосибирского ТЮЗа. С 1971 года в «Красном факеле». В.Е. Бирюкова можно назвать художником из породы Шукшина — самобытным, жизненно цельным и подлинно народным. В сценических работах раскрылись такие его качества, как дар импровизации, юмор, характерность. Наиболее яркие роли в театре: Медведенко («Чайка» А. Чехова, 1966, ТЮЗ), Васька Пепел («На дне» М. Горького, 1968, ТЮЗ), старшина Васков («А зори здесь тихие...» Б. Васильева, 1971, ТЮЗ), Федя-Мефистофель («Святой и грешный» М. Варфоломеева, 1980), Астров («Дядя Ваня» А. Чехова, 1980), Устинов («Комиссия» по роману С. Залыгина, 1985), Вандергельдер («Хорошо проведенный день, или Привет, Долли!» Т. Уайлдера, 1996), Городничий («Ревизор» Н. Гоголя, 1997), Чебутыкин («Три сестры» А. Чехова, 2000) и другие.

Высокая органика, инстинктивное чувство правды, современность выразительных средств позволили В. Бирюкову стать заметным актером и на советском киноэкране. За исполнение роли Алейникова в фильме «Вечный зов» ему была присуждена Государственная премия СССР, за исполнение роли комбата Тихонова в фильмах «Приказ: огонь не открывать» и «Приказ: перейти границу» актер был удостоен Государственной премии РСФСР и золотой медали им. А. Довженко (1983).

Евгений Семенович Лемешонок (1921-2011). Заслуженный артист РСФСР (1970). Народный артист России (1987). В 1938-1940 учился в Новосибирском театральном училище, педагог Н.Ф. Михайлов). В начале Великой Отечественной войны был мобилизован в армию. После демобилизации с 1946 по 1952 и с 1958 по 1970 один из ведущих актеров Новосибирского ТЮЗа. Работал в театрах Иркутска, Ташкента, Ленинабада. С 1970 по 2002 год один из ведущих актеров «Красного факела». Характерный разноплановый актер. Творческая индивидуальность полнее всего раскрылась в умении создавать крупные характеры.

Среди наиболее значительных ролей тюзовского периода: Дорн («Чайка», 1966), Актер («На дне» М. Горького, 1968), Курослепов («Горячее сердце» А. Островского, 1969). На сцене «Красного факела»: Дикой («Гроза» А. Островского, 1970), Серебряков («Дядя Ваня» А. Чехова, 1980), Хорнблоуэр («Без перчаток» Дж. Голсуорси, 1971), Крутов («Долги наши» Э. Володарского, 1973), Судаков («Гнездо глухаря» В. Розова, 1979), Чмутин («Ретро» А. Галина, 1982) и другие.

Анна Яковлевна Покидченко (родилась в 1926 г.) – ведущая актриса театра «Красный факел». Заслуженная артистка Российской Федерации (1956), народная артистка РСФСР (1973), народная артистка СССР (1987). Свою сценическую биографию начала с 1942 года в Алма-Атинском театре русской драмы, при котором окончила театральную студию в 1946 году. Принимала участие в концертах для раненых в госпиталях города. Работала на сценах театров Актюбинска, Ашхабада, Оренбурга. В 1958 году была приглашена в «Красный факел» В. П. Редлих.

«Незадолго до моего ухода из «Красного факела» я пригласила молодую актрису А. Покидченко. Я увидела ее в Москве на гастролях Оренбургского театра и сразу пленилась ею. Интересно заявив о себе в своей первой работе, в водевиле В. Лаврентьева, она особенно ярко прозвучала в пьесе А. Салынского «Барабанщица» в роли маленькой, хрупкой, удивительно женственной барабанщицы. Она была подлинной героиней войны... Ее оригинальная внешность, ее выразительное большеглазое лицо, вся ее индивидуальность всегда просвечивала сквозь созданные ею характеры. Так было и с Машей Прозоровой в моем последнем спектакле в театре «Красный факел» в «Трех сестрах» А.П. Чехова» (В. Редлих. «Такая манящая цель... театр»).

Поиск нравственного начала в человеке, движение души навстречу добру, идеалу, истине станет главной темой актрисы на долгие годы. Одухотворенность сценической манеры, молодость, благородный артистизм, способность откликаться на дух времени станут неотъемлемыми чертами ее сценического облика. В 1994 году на сцене Московского театра наций в программе «Национальное достояние России» состоялся бенефис актрисы, на которой откликнулся и бывший краснофакелец, народный артист СССР Евгений Матвеев: «Анна Покидченко – это актриса такого класса, что ее искусство могло бы украсить любую сцену мира».

Роли актрисы: Нила Снежко «Барабанщица» А. Салынского, 1959), Маша («Живой труп» Л. Толстого, 1959), Маша («Три сестры» А. Чехова, 1960), Диана («Собака на сене» Лопе де Вега, 1962), Нора («Нора» Г. Ибсена, 1964), Таня («Таня» А. Арбузова, 1966), Мирандолина («Трактирщица» К. Гольдони, 1971), Лейди Торренс («Орфей спускается в ад» Т. Уильямса, 1975), Пилар («По ком звонит колокол» Э. Хемингуэя, 1981), Васса Железнова («Васса Железнова» М. Горького, 1983), Лика («Московский хор» Л. Петрушевской, 1989), Лотта Шен («Летиция, или Игра воображения» П. Шеффера, 1990), Мод («Гарольд и Мод» К. Хиггинса и Ж. Каррьера, 1992), Домна Пантелеевна («Таланты и поклонники» А. Островского, 1994), Долли («Хорошо проведенный день, или Привет, Долли!» Т. Уайлдера и М. Стюарта, 1996), Мадлен («Мадлен и Моисей» П. Скотто, 1999), Герцогиня де Вобрикурт («Последняя любовь Дон Жуана» Э. Шмитта, 2002) и некоторые другие вошли в историю «Красного факела».

 

Последнее десятилетие ХХ столетия стало временем обновления «Красного факела». Оно связано с художественным руководством театром молодых режиссеров А.Э. Серова и О.А. Рыбкина, которые вели активные поиски в области освоения современного театрального языка и драматургии.

В 1992-1997 годах главным режиссером театра становится Алексей Эдуардович Серов (родился в 1964 г.). В 1988-1993 годах учился в ЛГИТМиКе (педагоги М.В. Сулимов, А.С. Шведерский). Начинал творческий путь в театре «Красный факел». Здесь им поставлены: «Лекарь поневоле» Ж.-Б. Мольера (1993), «Таланты и поклонники» А. Островского (1994), «Шестеро персонажей в поисках автора» Л. Пиранделло (1994), «Мамаша Кураж и ее дети» Б. Брехта (1995), «Мое загляденье» А. Арбузова (1996), «Хорошо проведенный день, или Привет, Долли!» Т. Уайлдера, М. Стюарта (1996), «Машинистки» М. Шизгала (1996) и некоторые другие.

«...Когда в девяносто третьем пришел Серов, сразу изменилась сцена. Труппа быстро выявила свою высокую актерскую культуру», – писал об этом периоде в жизни театра Ю. Шатин. – В молодом талантливом режиссере обнаружило себя понимание идеи театра-дома, внимание к творчеству актеров разных поколений, способность работать в академической манере и чуткость к поиску современной стилистики». «Свежесть прочтения классики отличала одну из первых работ Алексея Серова. В «Талантах и поклонниках» Серов не настаивает ни на размерах дара, ни на особенности, исключительности судьбы Саши Негиной. Официальный Сашин триумф его мало занимает. Зато все, что связано с домашним праздником, самое интересное во II акте. Когда венки успокоились, наконец, на стенах, а пышные букеты – в вазах, когда в домашнюю тишину забредают незваные друзья и кто-то зажигает свечи, и старинный романс вполголоса на минутку объединяет всех... Не передать, какой домашней становится классика, как трогают вдруг мелочи, детали, подробности... Вот из таких счастливо найденных мгновений кажутся сотканными его спектакли... В таком остром «отживании» мгновений обычно видишь ведь примету возраста – оглядку возраста на ускользающую жизнь... Но вот тридцатилетний режиссер и его актеры тоже ощущают мгновения как что-то совершенное и невыразимо прекрасное. Как что-то, из-за чего, собственно, и стоит жить...

И сегодняшний зал, состоящий из бедных студентов и крутых деловых, из одиноких филологинь и старых пенсионеров, из уязвленных в своем достоинстве военных и старорежимных начальников, которых никто больше не хочет слушать, из каких-то людей, которые бормочут в телефоны, не отрываясь от сцены: «Погоди, не сейчас», – этот зал смысл послания со сцены отлично понимает! И на какое-то мгновение – опять мгновение – сливается в одно целое, существующее без зависти, ревности, и застарелых обид». (Лендова В. «Режиссер Серов: штрихи к портрету...»). В годы руководства театром А. Серовым на сцене «Красного факела» начинает ставить спектакли молодой столичный режиссер О. Рыбкин. Их содружество назовут идеальным сочетанием для художественного пространства «Красного факела» 90-х годов, чуждое духу коммерциализации искусства, делавшее сцену театра современной.

В 1995 году театру «Красный факел» присвоено звание академического.

Труппа театра получает международное признание, «Красный факел» участвует в международных фестивалях – Польша (1989, 1999), Греция (1997, 1998), Москва (1996, 1999); выезжает на гастроли за рубеж – Китай (1989), Финляндия (1993), США (1994).

В 1997-2002 годы руководство театром осуществлял Олег Алексеевич Рыбкин (родился в 1962 г.). В 1988-1993 годах О. Рыбкин учился в ГИТИСе (педагог П.Н. Фоменко). Уже в первых работах режиссер продемонстрировал увлечение идеями театрального авангарда и западной драматургией, интерес к работе с молодой частью труппы. Именно эти тенденции получат дальнейшее развитие в творческой жизни «Красного факела». Позднее его спектакли назовут «прививкой авангардизма» сибирскому театру. На сцене «Красного факела» им поставлены спектакли: «Время и комната» Б. Штрауса (1995), «Род» (спектакль шел два вечера – «Эдип-царь» и «Эдип в Колоне» Софокла и «Семеро против Фив» Эсхила и «Антигона» Софокла» (1996), «Зойкина квартира» М. Булгакова (1997), «Ревизор» Н. Гоголя (1997), «Ивонна, принцесса Бургундская» В. Гомбровича (1998), «Сон в летнюю ночь» В. Шекспира (1998), «Мадлен и Моисей» П.О. Скотта (1999), «Президентши» В. Шваба (1999), «Три сестры» А. Чехова (2000), «Жизнь победила смерть» В. Вербина (2000), «Иллюзия» П. Корнеля (2001), «Роберто Зукко» Б.М. Кольтеса (2002).

В этот период три спектакля О. Рыбкина были выдвинуты на соискание высшей национальной театральной премии «Золотая маска» – «Зойкина квартира» (1998), «Ивонна, принцесса Бургундская» (1999), «Три сестры» (2001), так как вошли в десятку лучших драматических спектаклей России. «Почему его спектакли из года в год номинируются на «Золотую маску?.. – задает вопрос столичный критик Е. Дмитриевская. И отвечает: – Его спектакли – КОНКУРЕНТОСПОСОБНЫ, что не исключает горячих споров по их поводу в среде критиков. Узок круг таких режиссеров. Как бы дальше ни сложилась судьба «Красного факела» – 5 лет, проведенные Рыбкиным в его стенах, безусловно важные».

С 1999 года директор театра – Александр Прокопьевич Кулябин заслуженный работник культуры Республики Удмуртия (1999).

С 2003 года главный режиссер театра – Валерий Викторович Гришко, выпускник ЛГИТМиКа (1974-1979, педагоги Г.А. Товстоногов, А.И. Кацман). Работал в театрах Курска, Кемерова, Саратова, Вильнюса, Санкт-Петербурга. Поставил в «Красном факеле»: «Амадеус» П. Шеффера (2003), «Андорра» М. Фриша (2003), «Ночной таксист» Р. Куни (2003), «Дорогая Памелла» Дж. Патрика (2004).

На рубеже столетий на сцену Новосибирского академического драматического театра «Красный факел» наряду с его признанными мастерами выходят талантливые молодые актеры, пришедшие в театр в начале 90-х годов: Л.Р. Байрашевская, заслуженная артистка России (2002), В.В. Коваленко, В.В. Левченко, А.И. и Ю. И. Дроздовы, М.В. Битюков, К.И. Колесник, И.И. Кривонос, О.В. Майборода, С.В. Пиоро, А.В. Черных и некоторые другие. Эти яркие молодые артисты продемонстрировали способность работать в различной сценической манере, создавать серьезные психологические портреты. Наличие в театре таких ярких молодых артистов – залог его успешного творческого будущего.

 

Новосибирский государственный драматический театр «Старый дом»

Новосибирский государственный драматический театр «Старый Дом» открылся 1 октября 1933 года спектаклем «Прорыв в любви» В. Чуркина. Это был третий драматический театр в городе. Но целью создания этого театра являлось обслуживание жителей Новосибирской области, тружеников сел и деревень. Название театра в год его создания – Новосибирский колхозно-совхозный передвижной театр – красноречиво свидетельствовало о его творческих задачах.

Создавался театр в годы первой пятилетки Советской России — периода массового строительства колхозов, широкого социалистического переустройства деревни. Одним из важнейших мероприятий пятилетки было и стационирование местных театров: создание постоянного руководства и формирование трупп по договорам на длительный срок, а также создание многочисленных колхозно-совхозных театров. Именно в этот период в городе получает свое постоянное место жительства «Красный факел» и создается театр «Старый Дом».

Решающую роль в развитии колхозного театра в стране сыграли приказы от 4 марта 1934 года – приказ Наркомпроса РСФСР и постановление СНК РСФСР от 5 декабря 1934 года «О развертывании сети колхозно-совхозных театров» в РСФСР. О размахе этой работы могут дать представление следующие цифры. В РСФСР к декабрю 1934 года имелось 77 колхозно-совхозных театров, а за одно только лето 1934 года колхозно-совхозные театры Средней Волги, входящие в Самарское УТЗП (управление театрально-зрелищными предприятиями), дали 1 128 спектаклей в колхозах, обслужив 280 тысяч зрителей.

В работе колхозно-совхозных театров самое непосредственное участие принимали мастера крупнейших столичных театров (актеры Малого театра, Театра имени Евг. Вахтангова). Новосибирский колхозно-совхозный театр создавался как филиал театра «Красный факел».

Много потрудившаяся для восстановления истории этого театра старейший театровед Новосибирска, основатель и первый директор Театрального музея Новосибирского отделения СТД РФ (ВТО) Е.В. Шарова составила первую историческую характеристику этого театра, в которой она указывает, что труппу колхозно-совхозного театра в период его организации определила молодежь «Красного факела», бывшие студийцы Пролеткульта, участники художественной самодеятельности. К постановкам спектаклей колхозно-совхозного театра привлекались режиссеры, актеры и художники театра «Красный факел»: В. Редлих, П. Рудин, Г. Полежаев, С. Иловайский, С. Белоголовый и работники колхозно-совхозного театра А. Авдеев, И. Рылов, Б. Корольков.

Репертуар театра составляли не только пьесы, но и концертные программы, в которые входили частушки, песни, танцы, скетчи. В них говорилось о современной жизни тружеников села, высмеивались недостатки новой жизни, подводились итоги достигнутому в колхозной деревне. Первым директором Новосибирского колхозно-совхозного театра, филиала театра «Красный факел», был назначен Т. Шубин.

В жесткой идеологической системе советской культуры к середине 30-х годов, «случайных» названий в репертуаре театров быть не могло. Ставилось то, что разрешалось и одобрялось сверху. Так, второй пьесой театра стала «Собственность» И. Персонова (1934) из жизни колхозной деревни. Пьеса имела репутацию лучшей на конкурсе Совнаркома СССР. Она была поставлена главным режиссером театра «Красный факел» П. Рудиным.

«Очень хорошо отражает колхозную жизнь пьеса «Собственность», – писала газета «Колхозный путь». – Пьеса поднимает революционную бдительность колхозников, заставляет проверять каждого человека не по словам, не по наружности, а по делам».

«Сегодня на нашем празднике, приуроченном к окончанию подготовки уборочной... театр дал представление и стал организатором массовых игр, песен, танцев, экстренных выпусков стенгазет и т.д.» (Из письма начальника политотдела Табунского МТС Т. Волкова).

«Большим авторитетом и любовью пользовался театр среди масс трудящихся и колхозников Татарского р-на» (Из отзыва за подписью председателя райисполкома т. Глушкова. 1935, 30 марта.)

В период с 1934-1937 гг. репертуар театра составляли в основном пьесы современных авторов: «Чудесный сплав» В. Киршона (постановка В. Редлих, 1934), «Шестеро любимых» А. Арбузова (режиссер А. Авдеев, 1934), «Платон Кречет» А. Корнейчука (режиссер Котевич, 1934), «Слава» В. Гусева (режиссер Котевич, 1934). С 1935 года в репертуар театра приходит классика: «Забавный случай» К. Гольдони (режиссер Б. Корольков), «Свои люди – сочтемся» А. Островского (режиссер Г. Баганов). Наибольший успех сопутствовал спектаклю «Платон Кречет», который не сходил с репертуара театра несколько сезонов.

Труппа театра была немногочисленной – 10-15 человек. Для гастрольных условий жизни театра это было максимальное количество. Труппа не была постоянной: сезон отыгрывали, кто-то уезжал, директор ехал на биржу в Москву, набирал новых артистов. Затем опять происходила смена. Текучесть кадров была вызвана трудными условиями жизни – отсутствием постоянного художественного руководства, постоянной репетиционной базы, напряженным жестким ритмом гастрольной жизни.

Переезжали актеры каждый день из колхоза в колхоз на лошадях, пешком, в зимний холод, летний зной. Работал театр без выходных. Многие не выдерживали, но многие понимали, что это был «героический труд, мы не жаловались, все знали, что наш труд нужен народу», – так вспоминала одна из первых актрис театра Р. Томина.

Играли актеры и под открытым небом на полевых станах, и в маленьких деревенских клубах, и в избах-читальнях, и на скотных дворах: животных убирали, подчищали площадку, а зрители располагались у задней стенки помещения. Однако это не мешало любопытству зрителей, их интересу и восторгу к тому, что они видели.

История театра с благодарностью вспоминает имена тех, кто выстоял в этих тяжелейших условиях и остался верен своему театру. Это актеры А. Лацкова, А. Авдеев, Н. Рылов, А. Лушникова, костюмерша Л. Борецкая, администраторы Г. Лацков, А. Большаков, машинист сцены М. Злобин.

В середине 1938 года отдел по делам искусств Новосибирского облисполкома принимает решение по улучшению организационного и художественного положения колхозно-совхозного театра. Большая часть труппы была распущена, а на их место пришел коллектив «рогачевцев».

Новый этап в жизни театра связан с творческой деятельностью Анисима Леонтьевича Рогачевского. Имя А. Л. Рогачевского (1900-1984), режиссера и художника по праву стоит у истоков становления этого театра. По образованию – художник: в 1923-1928 годах он учился в Тбилисской академии художеств. С 1929 года А.Л. Рогачевский связал свою жизнь с Новосибирском. Художественное руководство театром А. Рогачевский будет осуществлять в 1938-1945; 1958-1960 годах. Позднее он будет возвращаться в этот театр на разовые постановки. В молодом бурно строящемся сибирском городе А.Л. Рогачевский начинал свой путь в Пролеткульте как художник-педагог, тогда же начинает пробовать свои силы в режиссуре театра Пролеткульта. В 1932-1937 годах он становится художественным руководителем Театральной студии ЦК профсоюза мукомолов при клубе им. А.И. Петухова. В число педагогов студии входили ведущие актеры «Красного факела», Сибгосоперы, директором студии являлся М. Соколов, администратором – В. Копылов. В студии большое внимание уделялось общему художественному образованию. Молодежь ежегодно ездила в Москву и Ленинград с обязательным посещением музеев и театров, обсуждением увиденного.

«Учебный день в студии начинался с зарядки, обязательной для всех. Потом занимались акробатикой, танцем, сценической речью, делали этюды. Параллельно с учебными занятиями готовили спектакли – и тут каждый был не только актером, но и электриком, и рабочим сцены, и костюмером, и портным, и парикмахером», – вспоминала спустя многие годы актриса Н. Филиппова. «Коллектив в те годы был увлечен идеями Мейерхольда и Вахтангова, широко использовал «открытый прием», условность в своих работах. Так, решение спектакля «Мещанин во дворянстве» Ж.-Б. Мольера было навеяно вахтанговской «Принцессой Турандот» – та же открытая радостная театральность, тот же иронический ключ в решении образов. На тюлевом занавесе аппликативно была изображена утка с ярким павлиньим хвостом из атласных лент. Перед началом спектакля за занавесом уже ощущалась жизнь – шла репетиция: кто-то фехтует, кто-то распевается, настраивались инструменты оркестра, иногда слышались обрывочные мелодии из произведений Рамо и Люлли. Из зрительного зала по станку поднимался режиссер и, рассказав зрителям о Мольере и его эпохе, представлял актеров. Начинался спектакль. Это было очень занимательное зрелище с музыкой, танцами, пением. Играли студийцы молодо, увлеченно» (Баландин Л. «Театр больших возможностей»).

В репертуаре студии шли: политобозрение «Цирк», пародийное эстрадное представление «Мюзик-холл», трагикомедия «Мордасовцы» (по «Дядюшкиному сну» Ф. Достоевского).

Театр-студия перерос клубные рамки. Он являлся театром, способным зарабатывать деньги и вести гастрольную деятельность. Он выезжал на Дальний Восток, в Среднюю Азию и побывал почти во всех городах Сибири.

С весны 1938 года коллектив стал работать в Новосибирской филармонии, а в сентябре 1938 года А. Рогачевский был приглашен на должность режиссера и художника в колхозно-совхозный театр. Вместе с ним в труппу театра пришла большая группа его воспитанников: артисты: Захарьина Е., Ковалевский В., Копылов В., Кузьмин Н., Мальцев А., Макаров И., Поляева Л., Сапегин А., Соколов В. (баянист), Фомин Н., Чарухин Л. «Рогачевцы» вместе с закрепленными в штате театра приказом № 1 отдела по делам искусств облисполкома от 20 сентября 1938 года Сельменским В. (администратором колхозно-совхозного театра), Корниловым П. (бухгалтером), актерами Лацковой А., Рыловым Н., костюмершей Борецкой Л., машинистом сцены Злобиным М., рабочим сцены Личкуном И., а также вновь принятой в труппу театра Поповой М. на должность актрисы 1-й категории – составили коллектив сотрудников театра на 20 сентября 1938 года. В таком составе театр начинал новый этап в своем существовании. Затем к ним добавятся другие ученики Рогачевского – всего в количестве 18 человек, которые и станут основой возрожденного колхозно-совхозного театра.

А. Рогачевский поставил и оформил: «Любовь Яровая» К. Тренева (1938), «Мнимый больной» Ж.-Б. Мольера (1940), «Кто смеется последним» К. Крапивы (1941), «Русские люди» К. Симонова (1942), «Женитьба Бальзаминова» А. Островского (1943), «Виндзорские насмешницы» В. Шекспира (1957), «Ураган» Цао Юя (1958), «Веселка» М. Зарудного (1959), «Юность моя» А. Школьника (1960), «Дальняя дорога» А. Арбузова (1965) и другие.

Его воспитанники станут творческим ядром театра на три десятилетия, пронесут верность студийным принципам через годы. Так, старейший сотрудник коллектива «Старого Дома» И. Мальцев, вспоминая о ветеранах театра, с которыми он работал в 60-е годы, отмечает их «дисциплинированность, подтянутость, белоснежные воротнички на любых даже самых «непрестижных» сельских гастролях, разговоры в гримерках всегда носили только театральный характер».

Актерам-рогачевцам Н. Филипповой и Н. Фомину первым в истории Новосибирского драматического театра «Старый Дом» присвоено звание «Заслуженный артист РСФСР» (1956).

Филиппова Наталья Николаевна (1913-1985) начинала творческий путь в театре-студии при клубе им. А.И. Петухова (1933-1938) у А.Л. Рогачевского. В 1938-1974 актриса Новосибирского колхозно-совхозного передвижного, затем Новосибирского областного драматического театра. В 1941-1945 годах Наталья Николаевна – медсестра военного госпиталя в Новосибирске. Н. Филиппова была разносторонней характерной актрисой, тонко чувствовавшей народные типы. Среди наиболее значительных ролей: Любовь Коломийцева («Последние» М. Горького, 1945), Кармина («Женитьба Белугина» А. Островского, Н. Соловьева, 1950), Софья Марковна («Старик» М. Горького, 1952), Мурзавецкая («Волки и овцы» А. Островского, 1960), Софья («Последние» М. Горького, 1967), Матрена («Власть тьмы» Л. Толстого, 1974) и другие.

Николай Дмитриевич Фомин (1912-1983), как и Н.Н. Филиппова, начинал свой творческий путь в театре-студии при клубе им. А.И. Петухова. Разносторонний, яркий актер. «Небольшого роста коренастый, с мягкими и в то же время волевыми чертами лица, Н. Фомин в любой роли покорял зрителей правдивым поведением, особой мягкостью тона, даже самим звучанием его низкого бархатистого голоса. С людьми села у него всегда устанавливались доверительные отношения» (Л. Баландин. «Театр больших возможностей»). Среди наиболее значительных ролей: Копылов («Падь серебряная» Н. Погодина, 1939), Коломийцев («Последние» М. Горького, 1945), Фальстаф («Виндзорские насмешницы» В. Шекспира, 1957), Лыняев («Волки и овцы» А. Островского, 1960), Кнуров («Бесприданница» А. Островского, 1972), Петр («Власть тьмы» М. Горького, 1974) и другие.

«Наши актеры не имели дипломов, но это были хорошие актеры, – говорил Рогачевский. – Один Чарухин чего стоил. И комик, и трагик. Ну а что касается внутренней жизни театра, то ее можно охарактеризовать так – постоянное горение, дисциплина – воинская».

В 1939 году колхозно-совхозный театр был признан победителем краевого театрального смотра за успехи в общественной и воспитательной деятельности на селе. Спектакли, показанные на смотре («Падь серебряная» Н. Погодина в постановке В. Редлих и «Генеральный консул» бр. Тур и Л. Шейнина, поставленный А. Рогачевским), были отмечены комиссией смотра как одни из лучших.

В 1940 году журнал «Театр» писал: «Новосибирский колхозный театр давал свои спектакли в г. Татарске, в Доме культуры. Мы увидели очень талантливый спектакль – «Мнимого больного» и героически спасенный спектакль – «Сын народа» Ю. Германа. Очень весело и строго, без обычного клистирного наваждения, с поразившими меня уверенностью и убежденностью сыграли молодые актеры «Мнимого больного» (точнее, «Воображаемого больного»). Видно было, что это не коллектив обслуживающий и т. д., а настоящий театр. В группе есть многообещающие актеры – Л. Е. Чарухин, В.В. Копылов, Е.В. Захарьина, Е.В. Барцевич и очень незаурядный режиссер А.Л. Рогачевский, который умеет дать самую точную форму своим замыслам.

Этот театр уже сейчас представляет собою значительную ценность. Давно пора дать ему постоянное помещение, чтобы этот хороший театр мог ставить большие спектакли. Сейчас, при постоянных переездах с места на место, он лишен этой возможности».

Однако собственное помещение театр перед войною не получил. В условиях резкого сокращения колхозно-совхозных театров в стране он один из немногих продолжал стойко вести работу в области. В «Очерках истории русского и советского драматического театра» отмечалось, что перед войной стало очевидно, что система работы колхозно-совхозных театров требует уточнения и усовершенствования. Театры нуждались в укреплении материальной базы, в организации постоянных стационаров для репетиций и отдыха. Предстояла перестройка, переход к новому, еще более полезному и интересному этапу своей жизни. «Однако разразилась война и дальнейшее развитие колхозно-совхозных театров приостановилось».

Через десять дней после начала Великой Отечественной войны коллектив выпустил политобозрение «Победа будет за нами». С этим обозрением театр обошел пешком всю область – от Чулыма до Купина. «Идем, а рядом на телеге, впряженной в воловью упряжку, едут декорации. Доходим до села, играем спектакль, после него – денежный сбор в фонд обороны. Отправляемся дальше. Через 10 километров – вновь остановка. Втыкаем в землю колья, натягиваем материю – «гримуборная» готова. На токах играли политобозрение, в казармах, клубах – спектакли «Мой сын» Гергея и Литовского, «Последнюю любовь» А. Островского, «Забавный случай» Гольдони. За полтора месяца таким образом прошли 500 километров. Зимой выезжали на санях, укутывавшись в тулупы, или же открытых грузовиках. Н. Рылов, Н. Фомин, В. Ковалевский ушли на фронт», – вспоминал много лет спустя А. Рогачевский.

4 апреля 1942 года решением облисполкома № 729 колхозно-совхозный театр был переименован в областной драматический театр, а 10 ноября 1943 года бюро Новосибирского обкома ВКП (б) постановило переименовать областной колхозно-совхозный театр в Областной театр драмы.

В 1944 году бригада театра в составе из 10 человек: Копылова В. – артист-бригадир, артистов: Рогачевской Е., Кузьмина Н., Лацковой А., Ковалевского В., Мальцева А., Новосельской А., Поляевой Л., Захарьина Ф. – баяниста, Заиграли Ф. – машиниста сцены, а также А. Рогачевского выехала сначала в Москву, а затем на линию фронта для обслуживания воинских подразделений. Это была единственная фронтовая бригада, сформированная из артистов театров Новосибирска.

С 23 октября 1944 г. по 11 апреля 1945 г. группа артистов Областного драматического театра находилась с программой на линии фронта. В нее входили музыкально-сатирические сценки, народные танцы, лирические, жанровые песни, комедийные сцены, шутки. Маршрут бригады пролег через Нарофоминск (Киев) – в распоряжение войск ПВО юга, потом Могилев, Подольск, Аттак, Окопиц, Коломна, Бельцы, Кишинев, Одесса. Затем группа была командирована на 3-й Прибалтийский фронт в распоряжение 1-й ударной армии, которая вела бои с Курляндской группировкой немцев.

На передовой линии участники концертов объединились с участниками боев, не раз ходили с разведчиками по траншеям. Артисты работали столько, сколько требовали бойцы. Иногда давали по пять концертов в день. Легендой в истории театра осталась встреча в Пруссии актеров театра Н. Рылова и В. Ковалевского, которые разыскали в подвале дома третьего сибиряка – актера Н. Фомина.

«Большая часть концертов была проведена почти на улице: выступления можно было организовывать или в сараях или в разрушенных, дырявых часто без крыш домов. Каждый раз, начиная концерт, не верилось, что он может состояться. И все это только казалось. Достаточно было только выйти перед этими замечательными, благодарнейшими воинами, взглянуть в сотни жадно устремленных «на сцену» глаз и вслед за приветствием услышать гром аплодисментов, как становилось теплее и уютнее в разбитом сарае», – вспоминает участник этих поездок В. Копылов.

Более 250 концертов было дано бригадой в те дни войны в различных воинских подразделениях. Становление театра связано с именами актеров: Н. Фомина, Н. Филипповой, Н. Мальцева, В. Ковалевского, В. Копылова, А. Лацковой, М. Манюнина, Н. Миронова, Н. Орловой А. Поляевой, Е. Рогачевской, Л. Шенгелидзе и других. В 1945 году А. Рогачевский уходит из театра, связывает свою творческую жизнь с различными театральными коллективами города. Спектакли имеют короткую сценическую жизнь, однако работы художника Анисима Рогачевского живы и сегодня.

«Работы художников Областного передвижного драматического театра представлены, в основном, эскизами костюмов. И это не случайно. Театр не имеет стационарной сцены и большую часть года проводит в поездках по области. Он играет на маленьких, плохо оборудованных сценах сельских клубов, а подчас, если клуб не может вместить желающих, спектакли идут на токах, в недостроенных складах или наспех сколоченных открытых площадках. В таких условиях оформление должно быть максимально портативным, и задачу изобразительной характеристики выполняют, главным образом, костюмы. Так решаются даже сложные произведения, как, например, «Виндзорские проказницы» В. Шекспира. Анисим Леонтьевич Рогачевский – режиссер и художник этого спектакля – решает спектакль почти без декораций, уделяет основное внимание костюмам действующих лиц. В характеристике образа персонажа большое значение имеет превосходное знание А.Л. Рогачевским актера, будущего исполнителя. Так, в замысле костюма Фальстафа художник имел в виду именно заслуженного артиста РСФСР Н.Д. Фомина, его психофизические особенности. Поэтому легко и удобно играть актеру в этом костюме. Так же органично соединяется то, что идет от образа, и то, что идет от актера и в эскизах других персонажей...» – писали позднее об эскизах художника.

После А. Рогачевского коллективом руководили А. Дымов, Л. Чарухин, Р. Корох, В. Кузмин, А. Смеляков. В послевоенные годы театр продолжает вести гастрольную деятельность по области. В репертуаре театра появляются пьесы современных авторов: А. Софронова, А. Сурова, А. Корнейчука, С. Михалкова, А. Макаенка, А. Володина, В. Розова и других. По-прежнему театр обращается к классике: А. Островскому, М. Горькому, Ж.-Б. Мольеру. Однако тяжелейшие условия существования театра, его низкая материальная база приводили к тому, что он страдал постоянной текучестью кадров.

В 1963 году художественное руководство театром принимает Семен Семенович Иоаниди (1928-1998), актер, режиссер. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1972), основатель Новосибирского государственного театра «На левом берегу» (1997). Выпускник студии при Ленинградском Большом драматическом театре (1947), свой творческий путь он начинал как актер в театральных коллективах Ленинграда, Москвы, работал в театре Тихоокеанского флота. В 1958-1963 годах С. Иоаниди – актер Новосибирского государственного драматического театра «Красный факел».

Период С. Иоаниди (1963-1974) стал новым этапом в жизни театра, находившегося в кризисном состоянии. В это время происходит реорганизация труппы, формируется новый репертуар, укрепляется его материальная база. В 1967 году театр получает собственное стационарное помещение после трех десятилетий кочевой жизни благодаря организаторскому таланту директора театра А.М. Махмутова и его новому главному режиссеру. Это небольшое здание на перекрестке магистралей у Коммунального моста через Обь было построено в 1912 году по проекту замечательного сибирского архитектора А.Д. Крячкова (1876-1950). Здание театра со зрительным залом на 200 мест представляло собою самый типичный театр малой сцены. За театром была сохранена гастрольная деятельность на селе с правом работы на стационаре.

Творческое ядро театра составили актеры: Н. Фомин, Н. Филиппова, В. Николаева, В. Лелеп, Н. Крючкин, Г. Ильина, Ю. Салий, Ю. Козев, С. Назаренко, Л. Федорищева, И. Слепцов, П. Осокин, В. Митянин, М. Манюнин, А. Кругляков.

Одна из ведущих актрис этого периода в истории Областного драматического театра Валентина Николаевна Николаева (родилась в 1937). Заслуженная артистка РСФСР (1974). Училась в студии при «Красном факеле» (1955-1958, педагоги В.П. Редлих, С.С. Бирюков). Начинала творческий путь на сцене Новосибирского ТЮЗа, работала в Барнаульском ТЮЗе. В 1965-1977 годах в Новосибирском областном драматическом театре. Актриса разностороннего дарования, с тонким чувством жанра и иронии. Среди ее наиболее ярких сценических работ – Дон Жуан («Тогда в Севилье» С. Алешина, 1968), Василиса («Василиса Мелентьева» А. Островского, 1969), Лариса («Бесприданница» А. Островского, 1972), Эмилия Марти («Средство Макропулоса» К. Чапека, 1973). Позднее работала в театре Семипалатинска и других театров страны.

В 1959 году в труппу театра пришла Галина Филипповна Ильина (родилась в 1934). Заслуженная артистка РСФСР (1984). Она посвятит сцене Областного драматического театра четыре десятилетия (1959-1999). В 1952-1954 училась в Свердловском политехническом институте. В 1968-1971, работая в театре, окончила Новосибирское театральное училище. Ее героинь будет отличать внешняя хрупкость и неожиданная стойкость души. «На сцене она – воплощение обаяния, открытости и незащищенной доброты», – писала о ней критик М. Рубина. Среди наиболее значительных ролей актрисы Вера («Последние» М. Горького, 1967), Нина Леонидовна («В этом милом старом доме» А. Арбузова, 1972). Позднее – Мать («Фантазии Фарятьева» А. Соколовой, 1978), Тетка («Деньги для Марии» В. Распутина, 1978), Бабка Феня («По соседству мы живем» С. Лобозерова, 1985).

В период руководства театром С. Иоаниди перед коллективом стояли сложные творческие задачи: во-первых – освоение современного театрального языка – советский театр переживал период расцвета театральной условности. Во-вторых – обретение собственного стиля на новой камерной сценической площадке. И в третьих – театр являлся Областным театром, следовательно, он был обязан учитывать интересы тружеников земли.

Репертуар театра характеризует ориентация на героику, публицистичность, гражданственность тематики. Театр стремится к жанровому многообразию.

В репертуаре Областного драматического начинают появляться пьесы, мало знакомые широкому кругу зрителей. Так, среди впервые поставленных в стране в репертуаре театра – инсценировка романа М. Шолохова «Они сражались за Родину» («Полк идет», 1964), а также пьесы «Мои знакомые» Л. Шаврина (1970) и «Письмо позвало в дорогу» Л. Моисеева о современной колхозной жизни (1971). Эти названия шли в постановке главного режиссера. С. Иоаниди.

Были поставлены и пьесы, которые образовывали в репертуаре тех лет особый цикл – пьес открыто публицистического содержания: «В душной ночи» С. Силлифант (1969), «Три минуты Мартина Гроу!» Г. Боровика (1971), «Дезертиры» А. Полтарака, О. Сосина (1973). Именно современные пьесы публицистического звучания игрались в принципах жизнеподобия с учетом специфики малой сцены. Тогда как на материале классики шли поиски освоения языка условного театра, искалась напряженная декламационность, пафос, патетика, озорная буффонность.

Среди пьес классического репертуара этого времени: «Дикарка» А. Островского (режиссер Л. Лукацкий, 1965), «Последние» М. Горького (режиссер К. Шишкин, 1967), «Василиса Мелентьева» (1969), «Доходное место» (1971) и «Бесприданница» (1972) А. Островского в постановке С. Иоаниди, «Власть тьмы» Л. Толстого (режиссер И. Хасин, 1974) и некоторые другие.

Среди постановок зарубежной классики — «Коварство и любовь» Ф. Шиллера (режиссер С. Иоаниди, 1964), «Добрый человек из Сезуана» Б. Брехта (режиссер С. Иоаниди, 1965), «Проделки Скапена» Ж.-Б. Мольера (режиссер И. Хасин, 1972), «Дама-невидимка» П. Кальдерона (режиссер С. Иоаниди, 1974) и некоторые другие.

Если в начале 60-х годов особенностью эстетики театра является – последовательное стремление к неприкрашенной «нетеатральной» правде на сцене, к жизненной достоверности, деталям, то к концу десятилетия вектор поисков был направлен к освоению языка театральной условности.

Результатом творческих усилий главного режиссера явилось открытие «принципа спектакля крупномасштабных форм на камерной сцене театра», который нашел наиболее яркое воплощение в таких постановках С. Иоаниди, как: «Шторм» Б. Билль-Белоцерковского (1967), «Земля» Вирты (совместно с И. Хасиным, 1970), «Макбет» В. Шекспира (1973), «Антигона» Ж. Ануя (1974).

Так, стиль постановки пьесы «Шторм», о первых днях советской власти, вбирал в себя «быт, костюмы тех лет» и элементы спектакля крупномасшабных форм: «Плакаты на стенах зала и серый с красным занавес, напоминающий красногвардейскую шинель, и винтовку с примкнутым штыком на этом красно-сером фоне... А когда откроется сцена, багровые сполохи осветят фигуру председателя укома, провожающего на фронт отряды красногвардейцев...» – писала о спектакле критик О. Александрова.

Спектакль, который наиболее полно осуществил творческие устремления театра в этот период – «Антигона». Несомненной удачей постановки стала работа молодой талантливой актрисы Х. Ивановой в главной роли, которую С. Иоаниди вел сложным путем. Актрисе сильного темперамента и убедительного психологического рисунка оказались под силу и трагедийные взлеты, и камерные движения души ее героини. Гордая дочь царя Эдипа оказалась способна к детской восторженной улыбке. «Все монологи прощания каждым словом своим отпечатываются на лице ее, не умеющем лгать». Актриса не боялась показаться некрасивой, не боялась театральности открытого темперамента, подчеркнутой условности сценического языка, ставших одним из слагаемых успеха спектакля у новосибирского зрителя.

Именно в эти годы за достигнутые успехи в развитии театрального искусства главному режиссеру театра С.С. Иоаниди было присвоено почетное звание заслуженного деятеля искусств РСФСР (1972).

«Антигона» стала одним из последних спектаклей Семена Иоаниди в Областном драматическом театре. В 1974 году он возглавил Новосибирский драматический театр «Красный факел» (1974-1980).

Большинство своих замыслов С. Иоаниди осуществил в содружестве с художником Игорем Евдокимовичем Рыловым (1914-1982), оформившим около 80 постановок и своими работами определившим пластический образ спектаклей 50-х – середины 70-х годов. И. Рылов в 1930-1933 годах учился в Московском высшем художественно-промышленном училище. В 1933-1938 годах вместе со своим братом, актером Николаем Рыловым, также связавшим свою жизнь с этим театром и являвшимся одним из его ведущих актеров 30-50-х годов, занимался в Театральной студии при клубе им. А.И. Петухова у А. Рогачевского. В 1938-1974 годах И. Рылов являлся художником, затем художником-постановщиком театра.

Оформлял спектакли режиссеров В. Редлих, Л. Чарухина, В. Кузьмина, Р. Короха, А. Рогачевского, С. Иоаниди и других. «Художник И. Рылов продуманно использует весьма небольшую сцену, находит точный художественный облик спектакля», – писала о нем центральная пресса. «В эскизах костюмов Игоря Евдокимовича Рылова... при всей их внешней скромности, привлекает понимание художником стилевых особенностей произведения, постепенность раскрытия сложных характеров». В 1976 году главным режиссером театра становится Владимир Константинович Чернядев (родился в 1945 г.), молодой выпускник режиссерского отделения ЛГИТМиКа (педагог Г.А. Товстоногов). Время его руководства театром - вторая половина 70-х годов (1976-1979). В это время театр берет курс на молодежь как основную зрительскую аудиторию. В разговоре с молодыми театр продолжает традиционные в своем репертуаре темы гражданского и патриотического звучания. Это спектакли, образующие целые циклы: трилогия «Память», в которую вошли «В списках не значился» Б. Васильева (1975). «Марютка» (по рассказу Б. Лавренева «Сорок первый», 1976), «Город на заре» А. Арбузова (1977), «Четвертый» К. Симонова (1978), поставленные В. Чернядевым.

«Фантазии Фарятьева» А. Соколовой (режиссер В. Полицаев, 1978) и инсценировка повести В. Распутина «Деньги для Марии» (режиссер В. Чернядев, 1978) поднимали современные морально-этические темы, которые находили горячий отклик у молодого зрителя. В «Фантазиях Фарятьева» одной из главных актерских работ стала роль Фарятьева в исполнении Е. Калашника. «Добрый, мягкий человек Фарятьев, каким его рисовал Е. Калашник, с первого взгляда покорял своей чистотой, романтичностью, стремлением служить возвышенным идеалам. Его любовная драма воспринималась как столкновение высокой мечты и прозы жизни» (Баландин Л. «Театр больших возможностей»).

Спектакль «Деньги для Марии» стал вехой на творческом пути театра в этот период. Он ознаменовал собою особую простоту, безыскусственность сценического языка, внешнюю неброскость исполнения при глубине психологической проживаемости и наличии тончайших психологических деталей – того, что присуще только театру малой сцены. О режиссерско-исполнительской манере спектакля писали: «Ничего лишнего. Не будет никаких отвлекающих перестановок. Драма Марии начинается без долгих экспозиций. Сразу. Во всей безвольной и отчаянной позе Кузьмы с самого начала мы угадываем неизбежность трагического финала». «В облике Марии, простой деревенской женщины, есть какая-то печальная, тревожащая духовная красота. Двигается ли она по комнате со своей милой угловатостью, глядит ли в зал огромными глазами на бледном тонком лице, ищет ли мучительно слов, чтобы объяснить Кузьме поразившие ее догадки об их общей жизни, или сидит недвижимо, непривычно и праздно уронив на колени руки, – все выдает в ней неординарность натуры».

В роли Марии особенно обнаружила себя высокая профессиональность молодой актрисы Галины Алехиной, одной из ведущих актрис театра 70—80-х годов. Образы, созданные актрисой в этот период, отличаются яркостью красок, большой эмоциональной наполненностью. На сцене Областного театра драмы среди наиболее значительных ролей актрисы: Мария («Деньги для Марии» В. Распутина, 1978), Александра («Фантазии Фарятьева» А. Соколовой, 1978), Мара («Парик из Гонконга» К. Сакони, 1979), Алина («Смотрите, кто пришел!»  В. Арро, 1982), Инна («Игра в куклы» Э. Ветемаа, 1985), Васса («Бабы» В. Балашова, 1985), Валентина («Под одной крышей» Л. Разумовской, 1986) и другие.

Подлинным мастерством в этот период отмечены работы молодых актеров: Х. Ивановой, Е. Калашника, А. Невраева, А. Слюсаренко.

Искания молодых, но уже профессионально зрелых актеров отмечали зрители и критика. Спектакль «Парик из Гонконга» (1978) венгерского драматурга К. Сакони был удостоен Диплома II степени на Всесоюзном фестивале венгерской драматургии в СССР.

В 1979-1986 годах художественное руководство театром осуществляет Изяслав Борисович Борисов (родился в 1933 г.), актер, режиссер, педагог. Заслуженный деятель искусств России (1985). Выпускник театрального училища им. Б. Щукина (1963-1968) и Высших режиссерских курсов при Министерстве культуры РСФСР (1972-1973). До своего назначения на пост главного режиссера И. Борисов имел актерский и режиссерский опыт работы в театрах Иркутска, Омска, Кемерова, Хабаровска. Был очередным режиссером в театре «Красный факел».

Первые работы нового главного – «Спешите делать добро» М. Рощина (1980), «В поисках фантома» Л. Табукашвили (1980), а также спектакль «В день свадьбы» В. Розова – режиссер А. Кордунер (1980), посвященные морально-этическим проблемам современников, продолжили основную линию развития театра – поиск сценического языка театра малой сцены, сохраняя и прежнюю адресную направленность театра предшествующего периода. Молодежь являлась основной зрительской аудиторией, к которой театр обращался с разговором о проблемах добра и зла, любви и верности, честности перед собою и обществом.

На рубеже 70-80-х годов театр продолжил в своем творчестве и традиционную тему гражданского и патриотического звучания. Он обратился к повести В. Быкова «Сотников», а также свидетельствам очевидцев из документальной трагедии А. Адамовича, Я. Брыля, В. Колесника «Я из огненной деревни». Объединив и переработав в единое целое этот материал, Р. Горев и И. Борисов (он же и постановщик) предложили театру инсценировку – психологическую драму двух действующих лиц: героя – Сотникова в исполнении артиста В. Шалавина и предателя – Рыбака (его играл артист Е. Важенин). Спектакль «Сотников» («Я из огненной деревни...», 1981) отличался внутренней масштабностью, напряженным драматизмом, психологической насыщенностью. Он стал заметным явлением в театральной жизни Новосибирска. «Пожалуй, главное достоинство постановки в разоблачении анатомии предательства», – писала газета «Вечерний Новосибирск».

Эта постановка открыла в режиссуре И. Борисова свойственный ей глубокий психологизм. Позднее критик Л. Шатина так определит характерные особенности режиссерского почерка И. Борисова: «Спектакли Изяслава Борисова не потрясают при их подлинной талантливости. Тайна этого парадокса – в бережном отношении режиссера к человеческой природе. Абсолютное чувство меры, когда театральный прием адекватен живому человеческому проявлению, держит спектакли И. Борисова вне поля театральной экзотики, модернистского изыска, умышленного эстетического взрыва».

Единство и последовательность замысла, неукоснительная логичность художественного решения, строгость, почти аскетизм в отборе выразительных средств характеризовали и одну из самых ярких классических постановок И. Борисова на сцене Облдрамы «Луиза Миллер» («Коварство и любовь») Ф. Шиллера. Журнал «Театр» об этой работе писал: «Постановка И. Борисова в самом деле вырывается из общего контекста спектаклей новосибирских драматических театров. Многое в нем необычно... Спектакль был решен в едином приеме статичного театра». Работа получает оценку экспериментальной, «где делаются попытки найти синтез слова и действия на новой ритмопластической основе, где открывается современному зрителю многозначность театрального аскетизма».

Дух поиска, эксперимента всегда был присущ режиссеру И. Борисову. Так, на сцене Областного драматического театра он впервые обращается к пьесам сибирских и новосибирских авторов. Им поставлены «Счастье Федора Кружилина» Р. Гершгорина (1982), «По соседству мы живем» С. Лобозерова (1985), «Приходите, братья-сестры...» Ю. Мирошниченко (1990).

В рамках работы Экспериментальной лаборатории драматургов Урала, Сибири и Дальнего Востока на площадке Дома актера им была поставлена пьеса новосибирского автора В. Солодова «Кукольник и Латвия» (1988), получившая премию «Лучшая режиссура» на Всероссийском театральном фестивале в г. Куйбышеве «Классика и молодые» (1988). В списке работ И. Борисова на сцене Областного драматического театра спектакли: «Заступница» Ю. Нагибина (1981), «Наедине со всеми» А. Гельмана (1981), Судья» («Старик») М. Горького (1982), «Кукарача» Н. Думбадзе (1982), «Луиза Миллер» («Коварство и любовь») Ф. Шиллера (1983), «Вечер» А. Дударева (1984), «Игра в куклы» Э. Ветемаа (1985), «Цилиндр» Э. де Филиппо (1990), «Вишневый сад» А. Чехова («Старый Дом», 1998).

В постановках этого режиссера глубокий психологизм подчас содержит неожиданные парадоксальные смыслы, что, в свою очередь, выводит режиссера на поиск яркой игровой стихии. Лучшие спектакли Областного драматического этого периода отличались запоминающимися, яркими актерскими работами, такими как: Л. Борисовой – Бабушка («Заступница»), Г. Алехиной – Анна («Кукарача»), Е. Важенина – Андрей («Наедине со всеми»), Рыбак («Я из огненной деревни...»), Мультик («Вечер»), Х. Ивановой – Клава Камаева («В день свадьбы»), Учительница («Я из огненной деревни»), А. Невраева – Кукарача («Кукарача»), Л. Одиянковой – Наташа («Наедине со всеми»), Инна («Игра в куклы»), Мильфорд («Луиза Миллер»), В. Сергеевой – Луиза, Л. Иванова – Фердинанд, В. Шалавина – Вурм в «Луизе Миллер», Г. Громовой – Виктория в пьесе «Счастье мое» («Бумажный патефон») А. Червинского. Эстетическим феноменом, сценическим знаком театра в эти годы стало содружество режиссера И. Борисова и художника В. Фатеева, оформлявшего почти все спектакли И. Борисова с 1981 года.

Владимир Афанасьевич Фатеев (родился в 1954 г.), выпускник ЛГИТМиКа (1976-1981, педагоги Д.В. Афанасьев, М.А. Смирнов). Как воспитанник ленинградской сценографической школы, он унаследовал любовь к графичности, лаконизму и функциональности в сценографическом решении спектакля, приверженность к такому решению сценического пространства, которое оживает от соприкосновения с актером, развивается в связи со сценическим действием и развитием образа, которому и отдается приоритетное положение в спектакле.

Графичность, лаконизм и тайна, дающая пищу зрительскому воображению, – творческое кредо художника, привлекающее к нему пристальное внимание режиссера И. Борисова, а с 90-х годов и художественного руководителя Городского драматического театра С. Афанасьева. Как художник-постановщик В. Фатеев оформил более пятидесяти спектаклей в разных городах России. Живописные работы сценографа В. Фатеева находятся в музеях Новосибирска, Новокузнецка, музее детских театров Москвы, в частных собраниях Польши, Израиля, США, Австралии, Швеции, Японии.

В 1982 и 1984 годах коллектив Областного театра драмы награждается вымпелом Минкультуры СССР, ЦК профсоюза работников культуры и ЦК профсоюза работников сельского хозяйства и заготовок «За лучшую организацию культурно-шефской работы на селе». Неизменным оставалось главное: постановка спектаклей гражданского, патриотического звучания, исследование сложных нравственных процессов современной жизни и психологии человека.

В 1983 году в связи с 50-летием за заслуги в развитии театрального искусства театр был награжден орденом «Знак Почета».

В начале 80-х годов театр продолжал гастрольную деятельность на селе. Из 540 спектаклей в сезон 240 давались театром в области. Тем не менее условия работы на селе продолжали оставаться нелегкими: разбитые сельские дороги, проблемы с театральным транспортом и транспортировкой декораций, выступления в нетопленых клубах и пр.

В первые годы перестройки усилиями нового директора Нелли Александровны Новицкой (возглавляла театр с 1984 по 2004 гг.), заслуженного работника культуры России, и коллективу театра присваивают первую категорию (1987). Театр выезжает на первые серьезные гастроли в Омск, Новокузнецк, на Дальний Восток. Гастрольная деятельность на селе в новых сложных экономических условиях прекращается.

В 90-е годы происходят кардинальные изменения экономического, политического и художественного пространства страны. Меняется вместе со своим временем и театр. Один из знаков перемен – его новое название. С 1992 года театр называется Новосибирский государственный драматический театр «Старый Дом».

В репертуар театра входят произведения современного театрального авангарда. Из старых накопленных традиций театр остается верен себе в подходе к формированию репертуара: он включает в себя произведения российских драматургов, многие из которых театр впервые будет ставить на своей сцене. Названия русской и зарубежной классики его репертуара также редко встречаются на афишах других театров страны. О половине названий репертуара театра можно сказать: «впервые в России», «впервые на театральной сцене».

Театр «Старый Дом» в 90-е годы, как никогда ранее, расширяет географию своих интересов, он не боится экспериментировать, принимает участие в создании международных проектов, начинает активно сотрудничать со многими приглашенными режиссерами и художниками. Среди них немецкий режиссер Бернд Динтер («Заброшенный берег Медея Ландшафт с аргонавтами» Х. Мюллера). Спектакль необычной тематики и стилистики, вызвавший самые противоречивые мнения.

За немецким проектом театр осуществил шведский. Шведский режиссер Александр Нордштрем поставил ряд спектаклей («Сцены из супружеской жизни» И. Бергмана, «Правописание по Гроту» М. Уварова, «Кредиторы» А. Стриндберга, «Любовник» Г. Пинтера, «Банкрутъ» А. Островского), которые оформили художники из Швеции Финн Санден («Правописание по Гроту») и Хелена Баль («Кредиторы»). Известные японские театральные художники Мацусита Роо – сценография и Есиэ Мацусита стали авторами костюмов («Проклятие меча» А. Кима) и некоторые другие.

Театр выезжал на гастроли в Швецию (1995), Польшу (1996), Японию (1999, 2000). На Международном фестивале «Вроцлавские встречи театров одного актера» в Польше в г. Вроцлаве (2002) Гран-при фестиваля получила работа актрисы И. Серебровской в моноспектакле «Акт» (композиция С. Бобровского, И. Серебровской, режиссер С. Бобровский) за исполнение роли актрисы, которая в палате сумасшедшего дома представляет историю своей жизни. Актриса И. Серебровская за эту работу была также удостоена главного приза «Открытие» на Всероссийском фестивале моноспектаклей в г. Перми (1999).

В 90-е годы театр «Старый Дом» приглашает на постановки таких авторитетных российских режиссеров и художников, как: режиссера Феликса Бермана и художника Татьяну Спасоломскую («Любовь первая... Любовь последняя» А. Островского), художника Феликса Фильштинского («Турандот» К. Гоцци), режиссера Вадима Голикова («Пределы» по повести Л. Толстого); известного театрального критика Владимира Оренова на постановку спектакля «Пока все о`кей» А. Червинского, который стал его первой постановкой на профессиональной сцене, первой пробой сил в режиссуре.

Работа с режиссерами разных школ, традиций, устремлений, взглядов на искусство театра стала одним из условий творческого обновления коллектива.

В 1991-2002 годах художественное руководство театром осуществляет Семен Яковлевич Верхградский (родился в 1946 г.). Заслуженный деятель искусств России (2001). Выпускник Ленинградской театральной школы, как многие его предшественники, он окончил ЛГИТМиК (1974-1979, мастерская Г. А. Товстоногова). По первому образованию – хирург, выпускник Ленинградского медицинского института имени академика И.П. Павлова (1964-1970). Работал в театрах Кемерова, Абакана, Норильска, Санкт-Петербурга. Постановки С. Верхградского характеризует точность психологического анализа и яркость сценической формы.

Годы руководства С. Верхградского пришлись на время общественных сдвигов всех структур жизни российского общества. Очевидно, не случайно в этот период главный режиссер театра в своих постановках обращается, прежде всего, к вопросам бытия и небытия, смысла жизни, ответственности человека за прожитое перед своей совестью. Примечательно, что наиболее яркое сценическое воплощение эти вопросы получают в постановках драматургии, где присутствует фантастическое начало, природу которого режиссер чутко ощущает и воссоздает на сцене. Это, прежде всего, спектакли: «Конечное путешествие приятной компании в сопровождении козлиного голоса» («Бес») А. Иванова (1993), «Любовь и проклятие Рэдрика Шухарта» Р. Еременко, С. Еремина (1994), «Проклятие меча» А. Кима по повести С. Энге «Пионовый фонарь» (1997).

Постановка «Проклятие меча» стала неожиданной попыткой синтеза традиционного русского театра и японской традиционной национальной культуры. Критика отмечала, что в этом «спектакле, трактующем вечные вопросы бытия, система Станиславского сочетается с элементами театра Но и Кабуки». Спектакль дважды был на гастролях в Японии и получил высокую оценку критики и прессы.

Среди постановок С. Верхрадского: «Волки и овцы» А. Островского (1991), «Турандот» К. Гоцци (1992), «Сотворившая чудо» У. Гибсона (1997). «Дом, где разбиваются сердца» Б. Шоу (2000). В 90-годы в труппе театра: народные артисты России Х. Иванова и А. Узденский; заслуженные артисты России А. Иванов, В. Борисенко, Г. Ильина, В. Сергеева, а также актеры – В. Байтенгер, С. Безродных, Г. Громова, Е. Жданова, В. Казанцев, О. Кандазис, В. Митянин Е. Новиков, В. Пиджаков, И. Серебровская (заслуженная артистка России с 2003 г.), А. Симонян, И. Смолякова, В. Трегубов, Ю. Усачев, Л. Цхакая, Ю. Чепурнов, Т. Шуликова и некоторые другие.

Одна из ведущих актрис театра последних десятилетий – Халида Ивановна Иванова (род в 1949). Заслуженная артистка РСФСР (1987). Народная артистка России (1998). Окончила Новосибирское театральное училище (1967-1971, педагоги Р. А. Корох, Л.А. Николаева, К.С. Чернядев). Артистка яркой сценической формы, большого темперамента, «обжигающей нежности». Работала в Драматическом театре им. М. Горького в Челябинске (1971-1973). С 1973 года на сцене театра «Старый Дом». Талантливо сыгранные ею роли привлекают глубиной психологических характеристик. Среди наиболее крупных работ актрисы этого периода – Медея («Медея» Х. Мюллера, 1993), Текла («Кредиторы» А. Стриндберга, 1995), Кэт («Сотворившая чудо» У. Гибсона, 1997), Раневская («Вишневый сад» А. Чехова, 1998), Гесиона («Дом, где разбиваются сердца» Б. Шоу, 2000).

Более двух десятилетий отдал сцене «Старого Дома» Анатолий Ефимович Узденский (родился в 1952). Заслуженный артист России (1993). Народный артист России (1999), ведущий артист театра. Окончил Новосибирское театральное училище (1972-1975, руководитель курса К.С. Чернядев, педагоги Л.Т. Левин, А.Н. Левит, В.Н. Харитонов). Актер редкой органики и яркой оригинальной индивидуальности, дающей возможность исполнять роли самого разного плана.

Среди наиболее значительных работ на сцене театра (1982-2004): Президент («Луиза Миллер» Ф. Шиллера, 1983), Петров («Осень следователя» Г. Данаилова, 1983), Поль Дюбар («Супница» Р. Ламуре, 1992), Густав («Кредиторы» А. Стриндберга, 1995), Папа («Кошка на раскаленной крыше» Т. Уильямса, 1995), Иван Ильич Головин («Пределы» по повестям Л. Толстого «Крейцерова соната» и «Смерть Ивана Ильича», 1996), Счастливцев («Лес» А. Островского, 1996), Кин («Кин IV» Г. Горина, 2001), Дымшиц («Мария» И. Бабеля, 2003) и другие.

А. Узденский является также режиссером-постановщиком ряда спектаклей в «Старом Доме» и в Томском драматическом театре: «Семейный портрет с посторонним» С. Лобозерова (1994), «Лес» А. Островского (1996), «Голый король» Е. Шварца (2000).

С 1 июля 2004 года актер Ленинградского областного учреждения культуры Драматического театра «На Литейном».

В 2002 году театр «Старый Дом» возглавил Владимир Борисович Оренов — известный театральный критик, по образованию театровед (ГИТИС имени А.В. Луначарского 1969-1974, педагог П.А. Марков), автор и ведущий программы российского телевидения «Фрак народа», заслуженный деятель культуры Польши (1995). Его складывающемуся режиссерскому подчерку присущи лиризм и ирония, стремление к игровой стихии театра.

Неожиданную трактовку предложил новый художественный руководитель мольеровской комедии «Дон Жуан», которую оформила художник Т. Спасоломская: действие происходит на берегу моря, его разыгрывают отдыхающие женщины. В этой старой истории Дон Жуан оказывается поглощенным не столько любовным сюжетом, сколько философским. «Не соблазнитель – соблазненный Дон Жуан, рвущийся к неразгаданным еще тайнам мира». И в «этой талантливо развернутой сценической метафоре все актрисы замечательны ... Игра каждой проникнута тонким пониманием своего героя и язвительной достоверностью изображения. Хочется назвать Ирину Серебровскую, Халиду Иванову, Веру Сергееву... Но Елена Жданова с ролью Дон Жуана выдвинулась разом в число лучших...» – писала об этом спектакле новосибирская критика.

В Новосибирском государственном драматическом театре В. Ореновым поставлены спектакли «Пока все о`кей» А. Червинского (1994), «Мириам» О. Юрьева (1996), «Дон Жуан» Ж.-Б. Мольера (2001), «Виктория» А. Червинского (2003), «Записки нетрезвого человека» (инсценировка Ю. Мариновой, В. Оренова по произведениям А. Володина, С. Довлатова, В. Некрасова, О. Хайяма, 2004).

Сегодня творческие пути театра пролегли не только по театральной карте родной страны, но и в страны Европы, в Японию. Театр «Старый Дом» – ищущий творческий коллектив, отрытый всему новому, стремящийся пробовать себя в неожиданных качествах, стилях и жанрах, чтобы найти свое место в художественной жизни современности.

 

Новосибирский Городской Драматический Театр под руководством Сергея Афанасьева

Новосибирский городской драматический театр – один из самых молодых в Новосибирске. Его становление, творческие поиски, рост мастерства – все проходило на наших глазах, его современников в последние шестнадцать лет. Сегодня костяк театра еще составляют те, кто прошел с руководством через все испытания кочевой необустроенной жизни под разными крышами города и сумел сохранить верность своему театру. Ирина Денисова, Ирина Ефимова, Любовь Дмитриенко, Сергей Новиков, Николай Соловьев, Зоя Терехова, Константин Ярлыков – вот те, в чьей творческой природе кроме многих компонентов, необходимых профессии, есть еще особая отзывчивость к коллективному творчеству, которая помогла выжить этому театру в тяжелейшие годы экономической перестройки, когда театр только-только становился на ноги.

ГДТ для многих его актеров не только театр. Это Дом – та особая выношенная форма существования русского театрального искусства, которая отметила его в мире. Если в Доме хорошо, в нем бурно расцветают таланты его обитателей. Это подтверждает практика театра Сергея Афанасьева. Здесь актеры пишут стихи, рассказы, пьесы, даже басни, снят полнометражный художественный фильм, сочиняют капустники, демонстрируют блестящее владение музыкальными инструментами (заставляя вспомнить о молодой Таганке или старом «Факеле», где актеры, даже в выходной понедельник дружно шли на каток и все вместе проводили целый день). Да и сам руководитель ГДТ отличается особой коллективной чуткостью, тем обостренным чувством одиночества, которое, как говорят его близкие, он переносит с трудом (когда выпала трехдневная командировка в Лондон, Афанасьев почему-то сделал из нее двухдневную, сорвался назад, домой, в Сибирь).

Есть в артистах Афанасьева некая чуткость к архаическим пратеатральным формам. Их выражением в театре всегда была народная песня. Здесь русская песня звучит так, как умеют петь только в этом театре. Очевидно, не случайно народная тема, осознание общего советского прошлого – одна из главных в Городском драматическом. Она заявляла о себе в самых разных по жанру и художественному уровню постановках с первых лет его существования – в «Щепке» В. Зазубрина (1990), «Шутках в глухомани» И. Муренко (1996), «Утиной охоте» А. Вампилова (1996), «Прибайкальской кадрили» В. Гуркина (режиссер Н. Соловьев, 1998), «Зеленой зоне» М. Зуева (2001). Тема народной жизни решается театром как лирическая трансформация эпического театра, которую театр ведет без осмеяния, без уничтожения того, что с нами было.

Так, пьесу «Зеленая зона» Сергей Афанасьев увидел как сколок городской послевоенной России, времени, которое краем крыла коснулось и актеров, и режиссера, принадлежащих к поколению сорокалетних и выросших среди фронтовиков. Действие происходит в середине 50-х в подмосковном поселке, в бараке, где люди, в сущности, живут одной семьей. Главным объектом анализа режиссера и становится такое понятие как соборность. Барак – метафора непарадного облика страны победителей. Драматург вместе с режиссером рассмотрели не столько жесткий, сколько мягкий вариант того, что связано с понятием «барак» (не сталинская «зона»), а образ жизни как бы свободных людей.

Этот спектакль заставляет вспомнить «Братья и сестры» Ф. Абрамова в постановке Л. Додина. Выпускник Щукинского училища (1984-1989), ученик Е. Симонова, В. Эуфера, Л. Ставской, С. Афанасьев считает своей школой и семинары, которые не скупясь проводил Союз театральных деятелей России в советское время. Среди своих учителей режиссер называет имена З. Корогодского, Э. Някрошюса. Л. Додина. Лев Додин вел семинар в конце 70-х, в период своей работы над спектаклем «Братья и сестры» Ф. Абрамова, совершившего прорыв в новую театральную эстетику советского театра. Коллективный образ вымирающей русской деревни достигал эпического размаха, давал новое дыхание понятию «народная жизнь». Более камерный спектакль «Зеленая зона», думается, вошел в это живое русло театра. И хотя жанр этого спектакля был обозначен как комедия, диапазон его шире – от комедии до лирической драмы.

«Зеленая зона» дала замечательный актерский ансамбль: И. Ефимова – Клава Горохова, И. Денисова – Паня, С. Галкина – Валя Лебедева, М. Александрова – Носкова, Н. Соловьев – Максим Корнеев, С. Новиков – Прохор, А. Сидоров – Владислав Павлович, Ю. Чепурнов – Толя Гущин, В. Шевчук – Николай. В «Зеленой зоне» актеры нашли не просто яркую характерность, но точно угаданный народный типаж, начиная с актрисы Зои Тереховой, сыгравшей милиционершу бабу Шуру Салову, ставшую душой барака, к которой тянутся все его жители, как к русской теплой печи. Степень сопричастности актеров жизням своих героев, любви к ним, как к кровно родным людям, этот спектакль переводит из разряда «воспоминание» в спектакль «воскрешение», несущий в себе энергию возрожденного времени.

Поиски правды, стремление к искренности и естественности как главным критериям сценического существования будут присущи творческим устремлениям коллектива на всех этапах его жизни с первых лет их существования.

А начинал свою жизнь театр в Доме актера как театр-студия. Именно здесь 20 марта 1988 года прошел его первый спектакль «Вечер французской комедии» по одноактным пьесам современных французских драматургов. Затем в течение ряда лет театр играл на разных площадках города. Одним из наиболее значимых спектаклей «кочевого» периода стал спектакль «Картотека» Т. Ружевича (1989) в постановке С. Афанасьева и с работой актера Н. Соловьева в роли Героя, человека, растерзанного собственной совестью за прошлое. Работа, открывшая актера, его страстный темперамент, незаурядную личность. Спектакль стал первой серьезной победой молодого театра. В 1989 году в рамках Международного фестиваля польской драматургии, проходившего в Москве, спектакль «Картотека» был признан лауреатом фестиваля.

Особенно плодотворным для коллектива станет период с 1993 по 1998 годы, когда театр после ряда лет кочевой жизни наконец-то получил свою площадку в Доме культуры имени Октябрьской революции.

В первый сезон 1993-94 годов были поставлены «Школа с театральным уклоном» Д. Липскерова (режиссер Е. Рогулькин), «Игра без потолка» по пьесе Ю. О’Нила, «Хьюи» (режиссер И. Вагнер), «Спокойной ночи, мама» М. Норман (режиссер заслуженный деятель искусств России И. Борисов). Затем три спектакля были поставлены С. Афанасьевым: «Плоды просвещения» Л. Толстого, «Отравленная туника» Н. Гумилева, «Сны Гамлета» («Hamlet») В. Шекспира. Этот период получил определение в жизни театра как время поисков освоения драматургического материала через форму.

Камерное сценическое пространство – зрительный зал на 28 мест, сцена – колодец 5,5 х 4,7 м и фактическое отсутствие дистанции между сценой и зрительным залом не только будоражили творческую фантазию, но диктовали свои требования – максимальной естественности и искренности. Открывал поиски нового спектакль «Чайка» А. Чехова. Им 30 мая 1993 года театр начинает свое существование в помещение ДК им. Октябрьской революции. Постановку отличала многозначная ассоциативность идейного и пространственного решения.

Молодые герои Нина и Константин были главными героями спектакля. Им доверял молодой режиссер свои мысли о понимании искусства театра как особом сне, самом гармоничном, возвышенном, и необходимом среди «развалин реальной жизни». Центральной сценой спектакля стала сцена объяснения Нины (Л. Байрашевская, С. Галкина) и Треплева (К. Ярлыков). Сцена игралась и воспринималась вне конкретных границ сферы пребывания героев, одновременно с нескольких точек бытия, вне быта. И в то же время это была встреча на антресолях старого помещичьего дома двух молодых людей в тот критический момент их душевной жизни, за которым или выход, или падение.

Пройдя через испытания, Нина оказывалась личностью, способной жить в двух мирах. Переломанная, окровавленная «чайка» возвращалась к творчеству. У Кости не хватило сил жить, «чтоб мыслить и страдать». К финалу третьего акта спектакль наполнялся высоким лиризмом и острым драматизмом.

А начинался он в водевильном ключе. В первых сценах спектакля Аркадина – З. Терехова и Тригорин – С. Новиков выходили к зрителю как провинциальные знаменитости, знающие толк в плотских удовольствиях, обильных виновозлияниях и деревенских закусках. Они громко хохотали, с удовольствием потребляли содержимое корзины, расположившись на «пленэре». Способ сценического существования проходил через плоскость водевиля, когда на происходящее смотрят как на анекдотический сюжет. Какое-то противоречие таила в себе природа актерских чувств, лежащих в эстетике экспрессивного (хочется сказать «почвенного», художественно необработанного) натурализма. Такое снижение Чехова, казалось бы, не позволяло происходящее на сценической площадке отнести к действию театра элитарной культуры. Поэтому следующий шаг Афанасьева был сделан именно в этом направлении. А «Чайка» получила Гран-при фестиваля искусств драматических театров, посвященного 100-летию со дня рождения Веры Редлих, который состоялся в Новосибирске в 1994 году.

Попыткой продолжить эксперимент над «стихией естества» в постановке С. Афанасьева стал следующий спектакль «Отравленная туника» Н. Гумилева. Одаренность постановщика проявила себя в «изменчивой графике странных движений» героев, «облаченных в экзотические одежды прихотливо сплетенных слов». «Отравленная туника» стала изящным декоративным эскизом к черно-белым «Снам Гамлета» В. Шекспира, ступенью в школе накопления театром пластической культуры. (Позднее С. Афанасьев признается: «Если потом у меня кое с чем не было проблем – все благодаря ему... – так говорил режиссер об одном из своих педагогов, – совершенно замечательный педагог по сцендвижению – Владимир Иванович Лаврухин, ученик Коха. Это было все сразу – и актерское мастерство, и режиссура, но называлось сцендвижением».

Следующим спектаклем станут «Сны Гамлета». В ряду всех предыдущих работ С. Афанасьева этого периода данная классическая постановка, возможно, самая завершенная его работа. Ход творческих поисков театра шел в русле освоения новых идейных и эстетических критериев постмодернизма.

Понятие постмодернизма, как известно, фиксирует состояние общества конца XX века, когда оно из собственно человеческого становится машинно-человеческим, сверхсложной социосистемой, начинающей жить по рациональному, а не чувственному началу в человеке и понятиям веры. Часть природы вытесняется, заменяется своим отражением, экранированием своего бытия. Естественное заменяется искусственным. В шпенглеровском контексте – культура и цивилизация – молодой сибирский театр на материале шекспировской трагедии видит цивилизацию со знаком минус. Спектакль нес в себе ностальгически окрашенную тему гармонии между чувственно-телесным и эмоциональным началом в человеке.

В шекспировской трагедии режиссер не искал виновных в мировом зле. Скорее наоборот. Ему хотелось выявить человечность каждого и его бессилие перед лицом обстоятельств. Парадоксальную трактовку получил образ Гертруды в игре Л. Дмитриенко. Именно ей театр оставлял право любить. Гертруда любила и Гамлета (А. Дроздов и Ю. Дроздов – эту роль играли два актера), и Клавдия (Н. Соловьев), и Офелию (С. Галкина). Гертруда могла понять правоту каждого и была способна посмотреть на жизнь глазами каждого, тогда как Гамлет был вынужден исполнять несвойственную ему роль палача.

Сцены расставания, конца в спектаклях Сергея Афанасьева особенно пронзительны. В «Чайке» такой пронзительной силой была наполнена сцена прощания Нины и Константина. В «Снах Гамлета» – сцена смерти Офелии, ее ухода, сыгранная как шаг навстречу убитому Полонию, подхватывающему свою несчастную дочь из... медного тазика, наполненного водой и обозначающего смертные воды Офелии, метафоры неожиданной, раздвигающей художественное пространство театра.

Большое значение имели и костюмы художницы Ф. Сельской (она же сценограф). Они были похожи на трико гимнастов, поверх которых надевались туники из тонких струящихся тканей, едва стилизованных под исторические. Костюмы помогали актерам более обостренно чувствовать пластику собственного тела, ощущать гармонию между пластическим и эмоциональным началом роли.

Спектакль дал подлинный актерский ансамбль тогда совсем молодых: С. Новиков – Полоний, Л. Дмитриенко – Гертруда, Н. Соловьев – Клавдий, С. Галкина – Офелия, два актера, два брата А. и Ю. Дроздовы – Гамлет.

Постановка была показана на гастролях во Франции в 1996 году, а на фестивале «Театр на ладони» в г. Глазове вызвала овацию, не смолкавшую более 10 минут.

Путь освоения драматургического материала через форму и был художественным направлением ГДТ в 90-е годы. Как известно, это путь зарубежного театра. Понимание художественного мира через его эстетику дало блистательный результат в постановке комедии Мольера «Плутни Скапена». Ставил спектакль режиссер Паскаль Лярю (Франция, 1996). Цель работы была сформулирована как освоение школы площадного фарсового театра. И поставленная цель была достигнута. По мнению критики, «г-н Паскаль объяснил, что такое маска, и показал нашим сибирским актерам пути работы с ней».

Художественный руководитель ГДТ оценивал работу как решение актерами и более широкой задачи «соединения чисто внешней формы с глубинным психологическим театром» и утверждал, что в этой работе «театр нашел для себя новый путь». В спектакле были заняты: Н. Соловьев – Скапен, О. Викторович – Органт, Ю. Дроздов – Жеронт. З. Терехова выступила в необычной роли – она играла мужскую роль слуги Сильвестра. Пластическая выразительность и легкость исполнителей была безусловной заслугой режиссера П. Лярю, однако к встрече с ним театр был внутренне готов.

«Новый путь» был связан вновь с постановкой чеховской пьесы. На этот раз – «Дядя Ваня» – пьеса о чеховских интеллигентах (1996). Центральными фигурами спектакля стали Астров (его играл актер «Красного факела» заслуженный артист России В. Лемешонок) и Войницкий в исполнении одного из ведущих актеров ГДТ С. Новикова.

Спектакль принял участие в Третьем Международном фестивале имени Чехова в июне 1998 года в Москве, игрался на сцене МХАТа. Он вошел в число лучших спектаклей. Столичная критика отмечала, что «Дядя Ваня» поставлен «подробно, внимательно, по МХАТу, с атмосферой, скрипом половиц и голосами на улице», поставлен как лирическая драма, драма настроений, «сцены из деревенской жизни». При этом в спектакле оказалось много «неброских, но как-то заново освещенных моментов».

Спектакль вызвал много откликов в центральной прессе: «Очень хорошо играют актеры, даже те, кто от природы одарен не слишком, – писала столичный критик М. Зайонц, – их поддерживает и возвышает общий, верно выбранный тон. Более других поразил Астров, наделенный таким мощным, притягивающим, чисто мужским талантом, о котором, вероятно, и писал Чехов (забыв уточнить только, как, какими средствами этот талант можно представить на сцене)». Другие отмечали, что актер даже внешне напомнил Чехова – «и контуром худощавой фигуры, и разрезом глаз с их характерным прищуром, и той легкой твердостью, какой, видимо, отличался Чехов».

Пластическая свобода актера в роли, изящество сценического рисунка – это тоже являлось свидетельством внутренней свободы доктора Астрова, уже прошедшего путь метаний Войницкого, на которого он смотрит внимательными понимающими глазами.

Войницкий в исполнении актера С. Новикова был также почти фотографически узнаваемым – сельский русский интеллигент начала прошлого века, немного мешковатый с виду, в поношенной жилетке. Во мхатовской традиции он проживал взлеты и падения настроений, бунт как протест ходу жизни, из круга которой он вырваться не может. Такого себя он не любит, смириться с таким собою ему мучительно. У Астрова в «Дяде Ване» своя философия: в ней все люди – букашки. Войницкий с ним не спорит. Возражает Астрову божественный голос Федора Шаляпина: «Где же вы, дни весны?» – спрашивает великий певец. И его голос в спектакле – ответ не только Астрову, но и Войницкому, не заметившему, когда и как потерял он свою духовную родину.

Чеховский цикл продолжил спектакль «Иванов». Поставлен он был с большим временным отрывом от «Дяди Вани» в 2004 году. За это время театру много пришлось пережить. И два переезда. И свой первый десятилетий юбилей, который он встретил в мае 1998 года в кинотеатре «Победа» и где он сыграл новые премьеры, поставленные С. Афанасьевым: «Бесприданница» А. Островского (1998), «Трагедия о короле Лире» по В. Шекспиру (1999), «На дне» М. Горького (2000), «Зеленая зона» М. Зуева (2001) и некоторые другие.

А пятнадцатилетие ГДТ отмечал в помещении на Вокзальной магистрали, в зале на 100 мест, с обновленной труппой, в которую влились выпускники курса С. Афанасьева, окончившие Новосибирское театральное училище. Среди них: Т. Жулянова, А. Ермолович, С. Летяев, С. Мордвинова, А. Терехова, П. Харитонов, А. Чаленко, П. Южаков.

Почетное звание «Заслуженная артистка Российской Федерации» стала носить актриса театра Зоя Владимировна Терехова (1998).

Многое пришлось пережить и самому художественному руководителю театра, вернувшемуся к профессии после тяжелой болезни, связанной с автомобильной аварией, в которую С. Афанасьев попал в августе 2001 года. Возвращением в театр стали его спектакли «Амазония или Караул № 8» Д. Семакина (2002), «Ассакамури» Ю. Чепурнова (пьеса, родившаяся в стенах ГДТ, 2003), «Пять вечеров» А. Володина (2003) и чеховский «Иванов», премьера которого состоялась в канун «совершеннолетия» театра – 2 марта 2004 года.

«Иванов» – первая из больших пьес А. Чехова. Режиссер искал стилистику спектакля на путях пересечения чеховских водевилей, Чехова-прозаика, Чехова – начинающего драматурга, пишущего в атмосфере русского театра ХIХ века, театра пьес А. Островского и Л. Толстого, и Чехова, которого знает режиссерский театр ХХ века. Таким образом, спектакль оказался вписан во всю драматургическую схему Чехова. Спектакль – без смелых авангардных ходов, с опорой на традицию. С атмосферой, звуком, светом, энергией красок. В нем Чехов не столько певец сумерек и грустных настроений, сколько «мужественной простоты».

На этот раз действие спектакля происходит не в доме, а под открытым небом, в старом умирающем саду с одиноким мраморным львом и догорающими опавшими листьями, густым слоем лежащими на земле. Метафора цветения, увядания и погребального савана природы и человека стала едва ли не главным действующим лицом спектакля, встраивающая его концепцию в контекст романтического искусства, признающего над собою только общие вечные законы природы и закон красоты (художник – В. Фатеев). Иванов в исполнении В. Шевчука – нервный, тонкий и опустошенный человек. К сорока годам энергия общественных интересов иссякла. Других ценностей в жизни он не разглядел. Символ христианской веры – церковь не случайно в спектакле оказывается скворечником, каким-то чудом едва удерживающимся на сухой ветке дерева.

В центре спектакля – Сарра (актриса А. Неупокоева) молодая, больная чахоткой женщина с огненной копной рыжих волос. Роль строится на контрастах. В ее героине есть сила женской красоты, жажда жизни и ожидание смерти. При всей конкретности и реальности судеб чеховских героев, концепция спектакля кажется размытой, недоговоренной, хранящей тайну. Безоговорочной кажется только гармония природы, поражающая красотой опавших листьев даже на могильном бугорке Сарры...

Как-то на вопрос журналиста: «На чем Вы стоите, к чему стремитесь?» режиссер ответил: «Очень глубокая правда. Максимально яркая форма. Тут чем шире размах маятника, тем интереснее театр».

Амплитуду «размаха маятника» исканий театра сегодня демонстрирует один из последних спектаклей ГДТ, вышедший незадолго до «Иванова», – «Пять вечеров» А. Володина (2003). Спектакль стал участником Первого Всероссийского театрального фестиваля «Пять вечеров» им. А.М. Володина, проходившего в Санкт-Петербурге в 2004 г., приуроченного к 85-летию драматурга.

«Время действия у новосибирцев сохранено. Все, как говорится, в эпохе – скромный быт, облик, манеры героев. Их странная на нынешний взгляд наивность. И то, что идет от автора и дальних 50-х: минимум внешнего, все – внутри…

А суть – в отношениях этих людей, сыгранных ансамблево, точно, узнаваемых для тех, кто застал их время. И более всего – в Ильине (Николай Соловьев) с его глубоко скрытой тайной. В этом загадочном человеке ощутима мужская сила и воля, и драматический слом судьбы, и постоянное напряжение души, стремящейся сохранить тайну – и, вместе с тем, избавиться от нее. Самый акт избавления, освобождения, оттянувшийся до финала, дан крупно, на телеэкране: просветленное лицо Ильина в ночной дуэтной сцене с Тамарой (Ирина Денисова), этой володинской Сольвейг, дождавшейся своего Пер Гюнта. Торжество русской психологической школы в эпоху ТВ, которое ей не мешает», – писала известный театральный критик Т. Шах-Азизова об этом спектакле новосибирцев.

Впереди у городского драматического театра перспектива обретения собственного театрального здания на улице Серебренниковской и реализация новых серьезных творческих планов... в духе творческих устремлений Сергея Афанасьева: «Очень глубокая правда. Максимально яркая форма. Тут чем шире размах маятника, тем интереснее театр».

 

Новосибирский государственный драматический театр «На левом берегу»

Новосибирский государственный драматический театр «На левом берегу» – самый молодой в городе. Он был учрежден 1 апреля 1997 года. Предварительно постановлением № 59 от 3 февраля 1997 года главы администрации Новосибирской области он был выделен в качестве юридического лица с самостоятельным балансом из состава Новосибирской государственной филармонии.

Театр расположился в промышленном левобережье Новосибирска в здании Дома культуры им. Клары Цеткин на улице Котовского, 19, построенного еще в 30-е годы. Название театра обусловлено его местоположением. Он является единственным на этой огромной территории города. Зрительный зал театра вмещает 250 мест.     

Репертуарная афиша коллектива разнообразна. Важное место в ней отведено классике, русской и зарубежной. Она представлена такими именами, как А. Островский, Н. Гоголь, А. Чехов, В. Шекспир, Ю. О’Нил, Г. Фигейреду. Среди российских драматургов ХХ века: В. Шукшин, М. Ворфоломеев, В. Гуркин и другие.

Традиции молодого театра рождались не сегодня.

Основоположник театра Семен Семенович Иоаниди (1928-1998) – заслуженный деятель искусств РСФСР (1972). В далеком от центра здании заводского ДК им. Клары Цеткин находился старейший в городе драматический кружок, с которым судьба свяжет режиссера. Уже после первой постановки С. Иоаниди «Ромео и Джульетта» В. Шекспира (1958) коллектив получит статус «народный театр». В 1958-1963 годах Семен Иоаниди будет руководить и созданной им школой-студией при народном театре, которая явится прологом возникновения нынешнего театра «Старый Дом». Его ученики войдут в труппу будущего театра. Это В. Овчаров, сорок лет посвятивший сцене, О. Сибиркина, С. Ламброзо, Е. Богатырева.

В 1982-1998 годах С. Иоаниди станет художественным руководителем практически созданного им театра «На левом берегу». С. Иоаниди в течение сорока лет и в период своего художественного руководства Областным драматическим театром (1963-1974) и театром «Красный факел» (1974-1980) был рядом с этим народным коллективом.

Среди спектаклей С. Иоаниди в театре «На левом берегу»: «Единственный наследник» Ж.-Ф. Реньяра (1982), «Люди, которых я видел» С. Смирнова (1985), «Диоген» Б. Рацера и В. Константинова (1987), «Великий Будда, помоги им!» А. Казанцева (1988), «Похождения солдата Ивана Чонкина» В. Войновича (1989), «Анфиса» Л. Андреева (1991), «День шестой» А. Косенкова (1992), «Гамлет» В. Шекспира (1995), «Последний парад» А. Косенкова (1996), «Дама-невидимка» П. Кальдерона (1997), «Гедда Габлер» Г. Ибсена (1997), «Конец – делу венец» В. Шекспира (1997).

Режиссуру С. Иоаниди отличала четкость замысла, определенность гражданской позиции, ясность в расстановке противоборствующих сил, поиски сочетания психологического пространства спектакля и театральной условности.

С 1998 года театр возглавил Сергей Михайлович Дубровин (родился в 1957 г.) – актер (Новосибирское театральное училище, 1977-1981, педагоги А. Покидченко, В. Харитонов, Л. Лепорская, С. Горбушин); юрист – Свердловский юридический институт, факультет правоведения (1981-1986); директор Новосибирского государственного художественного музея (с 1994 г.). Работал актером в Алтайском краевом театре драмы, Русском драматическом театре г. Фрунзе, Одесском русском драматическом театре, Московском театре-студии «Москвитянин», Новосибирском государственном академическом драматическом театре «Красный факел»; режиссер театра «На левом берегу» (1997). С 1998 – главный режиссер театра.

Художественная программа нового главного режиссера строится, прежде всего, как программа традиционно театрального «центра» психологической школы. «Эстетические действия «покоятся» на традициях национальной театральной школы: эмоционально-реалистической по содержанию и многообразной по форме воплощения. Театр, учитывая факторы времени и пространства, строит свою репертуарную политику, обращенную к своему зрителю. Востребованность – главный фарватер, по которому движется и развивается наш театр», – так обозначил программу своего театра его главный режиссер.

Среди спектаклей С.М. Дубровина: «Последний парад» А. Косенкова (1993), «Валюша» А. Вампилова (1994), «Страсти по власти» А. Косенкова (1999), «Свои люди – сочтемся» А. Островского (2000), «Чайка» А. Чехова (2000), «Любовь под вязами» Ю. О’Нила (2001), «Ревизор» Н. Гоголя (2002) и другие.

Программным спектаклем в театре оставался поставленный С. Иоаниди шекспировский «Гамлет». Гамлет – артист В. Тихоненко не столько рефлексирующий над собою герой, сколько играющий и постигающий свое окружение — двор замка Эльсинор. Театр позволил себе предложить собственный вариант поединка Гамлета и Клавдия. Его исход: Клавдий не погибает от руки принца датского, «его мощная свита успевает заслонить своего короля от нападения». Неслучившееся возмездие увеличивает горечь фактической победы зла в этом мире и одновременно укрупняет страдания Гамлета, трагизм не только его гибели, но и неисполненной мести.

Молодому театру принадлежит право открытия имени новосибирского драматурга Александра Федоровича Косенкова – известного журналиста, сценариста, кинорежиссера, чьи пьесы уже шли в театрах России и ближнего зарубежья, а по пьесе «Ночь на размышление» был снят одноименный двухсерийный художественный фильм на киностудии «Союзтелефильм» (1989).

Поставленная театром пьеса драматурга «Последний парад» стала программной в репертуарной политике 90-х годов в разговоре театра о современности. Лирическая комедия с остросоциальным звучанием на сцене новосибирского театра стала спектаклем, любимым зрителями за «правду жизни» и остроумное толкование характеров «стариков», «которые как стержень держат распадающуюся на глазах жизнь своей человечностью».

В 1995 году первым директором еще театра-студии стал актер Дмитрий Евгеньевич Суховский (1997-2004 годы). С 2004 года директор театра – заслуженный артист России Валерий Николаевич Чумичев.

Сегодня в труппе театра работают «ветераны», пришедшие в труппу из театра-студии С. Иоаниди. Это В. Овчаров, М. Андреева (Халтурина), Д. Суховский, С. Скрипкина (Ламброзо), В. Бирюков, А. Кузнецов, А. Николаев, И. Суховская (Краева), О. Сибиркина, Е. Богатырева. На сцену театра выходят актеры, сразу связавшие свою судьбу с этим театром после окончания учебы, такие как, например, Ю. Скок, совмещающая в одном лице две творческие профессии – актрису и хореографа, или уже известные по работе в других драматических театрах города – В. Беляев и В. Беляева, С. Грановесов, С. Дубровин, Е. Кормин, М. Потанина, Н. Пожарницкий, В. Сапожников, Ю. Усачев. Среди молодых актеров, недавно окончивших Новосибирское театральное училище, – А. Масалов, Е. Точилина и другие.

Сегодня театр «На левом берегу» занимает свое, творчески завоеванное художественное пространство в культурной жизни Новосибирска.

 

Новосибирский областной театр кукол

Вторым детским театром города стал Новосибирский областной театр кукол.

Сегодня он расположился в замечательном особняке, сразу ставшем одной из достопримечательностей города, по адресу – улица Ленина, 22. Сквозь огромные стеклянные окна театра на улицу смотрят куклы – герои его спектаклей разных лет, как бы говоря, что у этого детского театра есть своя большая и интересная история.

Как и Новосибирский ТЮЗ, Новосибирский областной театр кукол обязан своим появлением на свет городу на Неве – актерам Ленинградского театра юных зрителей. Первым главным режиссером театра был Михаил Соломонович Кисиц. Первые спектакли по своим пьесам «Рис» и «Степка-растрепка» в перчаточных куклах поставила Регина Михайловна Ландис. Оба они были актерами А.А. Брянцева. Их имена впервые упоминаются в театральной истории Новосибирска в начале 30-х годов, как участников становления Новосибирского театра юных зрителей. Именно ими при Новосибирском ТЮЗе и была организована студия кукольников. 1 мая 1934 года состоялось открытие первого театрального сезона премьерой спектакля «Петрушка в гостях у школьников».

В 1935 году для руководства театром была приглашена кукольник из Ленинграда Е.В. Захарова, внесшая большой вклад в становление молодого театрального коллектива. Ею был поставлен спектакль «Каштанка» по А. Чехову – первый спектакль в марионетках. Только что родившийся театр находился при ТЮЗе, спектакли играли на выездах: в школах и детских садах. Энергии у артистов было очень много: в течение своего первого сезона театр обслужил 25000 юных зрителей города и села.

В 1936 году руководить театром стал В.С. Виноградов, талантливый актер ТЮЗа, за плечами которого тоже была ленинградская театральная школа. Художником театра была Е.С. Витман, в творческом содружестве с которой были сделаны интересные спектакли того периода: «Сказка о царе Салтане» А. Пушкина, «Мойдодыр» К. Чуковского. В 30-е годы в Новосибирском театре кукол работали актеры ТЮЗа и только что пришедшая молодежь: А. Астраханцева, Ф. Бессонов, Г. Березин, Г. Бешкарев, В. Горевская, Т. Добрычева, Ю. Заторских, Г. Пономарева, В. Ткачев. А. Шевелева, А. Кудрявцева, А. Цветова. Многие из них навсегда связали свою жизнь с кукольным театром.

В годы войны знаменательным событием в истории театра стала встреча коллектива с С.В. Образцовым, который вместе со своим театром был эвакуирован в Новосибирск. Творческая поддержка и влияние известного театра стала хорошей основой для нового этапа в развитии Новосибирского театра кукол.

С июля 1942 по август 1945-го он был филиалом Государственного Центрального театра кукол под руководством С.В. Образцова. В военное время новосибирские кукольники напряженно работали не только в Сибири, но и в 1944 году выезжали на полугодовые гастроли в Калининскую область, в прифронтовые районы со спектаклями и концертами. Труппу тех лет составляли актеры: И. Дивов, Е. Псарева, А. Миронова, И. Макаров, А. Цветова, Н. Филиппова, В. Лещинский.

Актер Валентин Иванович Лещинский (1928-1999) – хранитель традиций театра, его живая история, замечательный обладатель многих тайн искусства театра кукол. Он в полной мере владел техникой изготовления кукол и декораций. Имел большое музыкальное дарование. Так, им была написана и подобрана музыка к 10 спектаклям, в том числе «Девочка и Медведь» «Иван-царевич и Серый Волк», «Пашкин хвост» и другие. В качестве режиссера-постановщика он поставил три спектакля: «Приключения Пифа», «Заклятые враги» и «Волшебная калоша». В театре артист проработал с 1943 года по 1999 год. В 1985 году за заслуги в развитии театрального искусства будет удостоен звания «Заслуженный артист России». В.И. Лещинский был актер разнообразно одаренный. В его репертуарном списке более двухсот ролей. Среди наиболее ярких ролей: Папа Карло («Буратино») – диплом «За лучшую актерскую работу» Всесоюзного и Всероссийского смотров театров, ансамблей и хоров (1957), Король («Золушка»), Спиридон и Серый Волк («Иван-царевич и Серый Волк»), Гадатель и Визирь («Волшебная лампа Аладдина»). В послевоенное время художественные достижения театра связаны с творчеством режиссера Владимира Сергеевича Виноградова, руководившего театром до 1952 года, с перерывами на военные годы. Так, 1947 году он поставил яркий интересный спектакль с тростевыми куклами – «Волшебная лампа Аладдина» по пьесе Н. Гернет. Значительным событием в театре стало также творческое содружество коллектива с режиссером А.А. Рогачевским, поставившим в театре спектакли «Иван – крестьянский сын» В. Сударушкина, «Чудесный клад» В. Маляревского и другие.

В 1952 году в театр пришел режиссер Г.А. Кудрявцев, с творчеством которого связан путь театра в течение 25 лет.

Геннадий Александрович Кудрявцев (1916-1990). Заслуженный деятель искусств РСФСР (1967), актер, режиссер, художник-скульптор, педагог. Главный режиссер Новосибирского областного театра кукол (1952-1973). Имел замечательную школу – выпускник режиссерской студии А.М. Лобанова (Московский театр им. Ермоловой). В 1935-1945 годах являлся актером Новосибирского театра кукол.

В 1948 году окончил курсы при ГИТИСе (курсы усовершенствования режиссеров). В своих работах использовал куклы различных систем. Поставил: «Буратино», «Великий Волшебник», «Сэмбо», «Иван-царевич и Серый Волк», «Аладдин и волшебная лампа», «Чертова мельница») и другие. В последние годы – педагог Новосибирского театрального училища на отделении «Актер театра кукол».

В 50-60-х годах в годы руководства Г.А. Кудрявцева театр кукол переживает творческий подъем. Коллективом было поставлено много высокохудожественных спектаклей. Сформировалась сильная труппа. Театр был отмечен на многих кукольных фестивалях. Так, в 1957 году он участвовал во Всесоюзном фестивале театров, ансамблей и хоров и за спектакль «Буратино» Е. Борисовой и «Великий Волшебник» В. Губарева был награжден дипломами Министерства культуры СССР и Министерства культуры РСФСР. В 1962 году театр стал лауреатом смотра детских театров. Спектакли «Сэмбо» Ю. Елисеева, «О чем рассказали волшебники» В. Коростелева и их создатели были отмечены дипломами I степени Министерства культуры РСФСР. Не раз театр завоевывал признание и успех на зональных сибирских смотрах и фестивалях.

В 50-60-х годах новосибирских кукольников хорошо знали не только в Сибири, но и в Средней Азии, где театр не раз гастролировал, выступая в Ташкенте, Самарканде, Бухаре, Алма-Ате, Фрунзе, Ашхабаде, и других городах. В эти годы театр играл свыше 500 спектаклей в год, знакомя со своим искусством ежегодно более 180 тысяч человек.

В 1958 году театр получил первый стационар. Это помещение располагалось в Ленинском районе Новосибирска, в одном из жилых домов на площади им. Станиславского, что также способствовало художественному росту коллектива. Лучшие спектакли тех лет: «Буратино» Е. Борисовой, «Великий Волшебник» В. Губарева, «О чем рассказали волшебники» В. Коростылева, «По щучьему велению» Е. Тараховской, «Иван-царевич и Серый Волк» М. Губеровского, «Сокровище медной горы» по П. Бажову, «Сестрица Аленушка и братец Иванушка» А. Данцингера и другие. В этот период театр сотрудничал с ведущими композиторами города: В. Левашовым, Г. Ивановым, А. Коростылевым, Г. Гоберником.

Большую роль в создании творческой атмосферы в театре в период руководства Г.А. Кудрявцева играла его директор Варвара Пантелеймоновна Казаринова.

В 1965 году Г.А. Кудрявцевым при театре была создана молодежная актерская группа. Цель создания второй группы состояла в увеличении количества спектаклей в репертуаре, а также в обслуживании зрителей Новосибирской области.

В 1970 году художественному руководителю театра Г.А. Кудрявцеву было присвоено звание «Заслуженный деятель искусств РСФСР», что стало свидетельством как его личных творческих заслуг, так и большого роста всего коллектива.

Ведущими актерами в этот период были: А.А. Кудрявцева, Т.А. Добрычева, Ф.Ф. Шоль, В.И. Лещинский. Многие новосибирские актеры-кукольники за свое самоотверженное служение детскому театру и большую общественную работу были удостоены наград. Шесть актеров были награждены медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг.», 5 – медалью «За освоение целинных земель»; 4 – «За доблестный труд». Многие отмечены значками Министерства культуры СССР «За отличную работу».

В 1968 году в Новосибирском театральном училище был сделан первый выпуск актеров кукольного отделения, которые пополнили труппу театра.

Под руководством Г.А. Кудрявцева начинал свою деятельность ныне главный художник театра А.А. Корытный, уже почти в течение четырех десятилетий работающий в театре.

Александр Александрович Корытный (родился в 1948 г.) Заслуженный работник культуры России (1986). В театре с 1965 года. В 1976 прошел стажировку в Центральном театре кукол С. Образцова и под руководством мастера выполнил эскизы к спектаклю для взрослых «Сокровища Сильвестра» А. Вагенштайна и к спектаклю для детей «Колокола-лебеди» И. Корнауховой и Л. Браусевич. Оформил в Новосибирском театре кукол такие спектакли, как: «Буратино» Е. Борисовой (1967), «Чебурашка» Э. Успенского и Р. Качанова (1971), «Волк в сапогах» С. Прокофьева (1973), «Сестрица Аленушка и братец Иванушка» Ю. Данцингер (1974), «Таинственный гиппопотам» В. Лифшица, И. Качановой (1976), «Сокровища Сильвестра» А. Вагенштайна (1977), «Буратино» Е. Борисовой (1978), «Слоненок» Г. Владычиной (режиссер Н. Леонтьева, 1980), «Волк, коза и козлята» Яна Грабовского (режиссер Н. Леонтьева, 1980), «Теремок» С. Маршака (режиссер Н. Леонтьева, 1981). Работал в театрах Кемерова, Бийска, Томска, Омска, Улан-Удэ, Краснодара, Красноярска-26, Тамбова и других городов. Член международной организации кукольников УНИМА (1981).

...Искусству театра кукол посвящают себя люди, наверное, в чем-то необычные, не похожие на других, хотя бы в том, что любовь к кукле сопровождает их с раннего детства до самого зрелого возраста. Да и актер-кукольник отличается от актера других театров, между прочим, и тем, что, как шутят сами артисты, ему «не грозит популярность». «Наше мастерство в том и заключается, чтобы зритель увидел героя самого по себе».

Сегодня в творчестве театра много эксперимента, пробы сил, творческая переработка накопленного опыта, с учетом традиций «старой школы» кукловождения. Коллектив живет стремлением принести в мир не «кукольные» чувства, выразить свое понимание, свое назначение человека.

Сплав традиций «старой школы» и поиск нового, современного несет в себе мастерство ведущей актрисы театра, посвятившей искусству театра кукол весь свой большой творческий путь. Людмила Ивановна Крупницкая (родилась в 1940 г.). Она – первая заслуженная артистка России в истории этого театра (1982). Выпускница Новосибирского театрального училища (1967, отделение – «актер театра кукол»). В репертуаре актрисы с успехом сыгранные роли героического, характерного и острохарактерного плана: Принц и Мачеха («Золушка»), Лиса Алиса и Черепаха Тортилла («Приключения Буратино»), Страусиха («Слоненок»), Курица («Кошкин дом»), Няня («Аленький цветочек») и многие другие.

Творческие судьбы складываются по-разному. Кому-то было дано в этом театре прослужить много творческих лет, кому-то несколько сезонов. Но и эти дни, годы, не ставшие долгими десятилетиями, – ценная и важная часть в жизни и самого творца и коллектива театра. Так, в 1974-1976 годах театром руководил С.А. Горбушин; в 1976-1984 годах театр возглавила режиссер Н.Г. Леонтьева. В творческом содружестве режиссера и художника А.А. Корытного с композитором В. Натанзоном родились лучшие спектакли тех лет: «Буратино» Е. Борисовой (режиссер Н. Леонтьева, 1978), «Слоненок» Г. Владычиной (режиссер Н. Леонтьева, 1980), «Волк, коза и козлята» Я. Грабовского (режиссер Н. Леонтьева, 1980). «Терем-теремок» С. Маршака (режиссер Н. Леонтьева, 1981). В 1984-1985 годах начался сезон под руководством главного режиссера А.М. Панина. В 1976-1978 и в 1988-1998 годах художественное руководство театром осуществлял главный режиссер театра А.В. Свириденко.

В сентябре 1983 года театр стал участником Первого фестиваля театра кукол Сибири и Дальнего Востока, на который представил спектакль «Встречи в лесу» по пьесе Е. Сперанского, М. Поливановой, С. Колосовой (режиссер Н. Леонтьева, 1983). Участие в фестивале стало стимулом в творческом росте коллектива театра.

В сезон 1983-1984 годов театр был отмечен Дипломом Министерства культуры СССР и ВТО за создание спектакля «Златовласка» И. Кайнара (режиссер А. Панин, 1983) к фестивалю чешской драматургии в СССР.

Творческие успехи театра во многом зависят от тех, кто руководит жизнью коллектива. Настоящим хозяином в своем «кукольном доме» называют Николая Афанасьевича Бирюлю – директора Новосибирского областного театра кукол с 1972 года. Заслуженный работник культуры России (1985). Благодаря его энергии, настойчивости, организаторским способностям, в городе в 1999 году появилось вновь построенное здание театра кукол, ставшее одним из самых любимых для новосибирского зрителя. С его деятельностью связано расширение творческих контактов театра. Коллектив театра неоднократно принимал участие в региональных фестивалях в Алтайском крае (2000), Омске (2001), Новосибирске (2001). Театр стал участником I Международного фестиваля театров кукол в Москве, посвященном 100-летию со дня рождения С. Образцова (2001). В 1995-2002 годах театр побывал на гастролях в Японии, США, Таиланде.

 

В настоящее время в театре работают выпускники московских, ленинградских, ярославских, новосибирских театральных вузов и училищ. Это такие актеры, как: С. Вихорев, О. Вихорева, А. Галактионов, С. Дрокова, Г. Дьяков, В. Зуев, В. Кузнецов, Н. Ненашева, Л. Тунева, Е. Титова, В. Червоткина, Л. Щелкачева и другие. Среди них заслуженные артисты России О. Гущина, Ю. Кондратьев.

Коллектив Новосибирского областного театра кукол входит в состав международной организации кукольников УНИМА.

Ольга Владимировна Гущина (родилась в 1955 г.) – актриса театра кукол, главный режиссер Новосибирского областного театра кукол с 1998 года. Заслуженная артистка России (1995). Выпускница Новосибирского театрального училища (1976). В 1983-1988 годах училась в Ленинградском государственном институте театра, музыки и кинематографии (класс актеров театра кукол – педагоги Н.П. Наумова, Г.Г. Ханина). Начинала творческий путь как актриса в Новосибирском областном театре кукол. Здесь сыграла более 50 ролей, раскрыв себя как актриса лирического плана.

Наиболее значительные актерские работы: Золушка («Золушка» Е. Шварца, режиссер С. Горбушин, 1980), Кошка («Кошкин дом» С. Маршака, режиссер Ю. Кондратьев, 1986), Королева («Белоснежка и семь гномов» Л. Устинова и О. Табакова, режиссер В. Гусаров, 1989), Аистенок («Аистенок и пугало» Л. Лопейской, Г. Крчуловой, режиссер С. Горбушин, 1994 ) и другие.

В 1997 году в качестве режиссера-постановщика проходила стажировку в Государственном академическом Центральном театре кукол им. С. Образцова. Среди постановок на сцене Новосибирского театра: «Мир, в котором мы живем...», «Приключения Буратино», «Аленький цветочек», «Машенька и Медведь», «Маленькая Фея» и другие.

С 1991 года педагог по сценической речи и актерскому мастерству в Новосибирском театральном училище.

Юрий Викторович Кондратьев (родился в 1950 г.) – ведущий артист и режиссер-постановщик театра, педагог. Заслуженный артист России (1994).

Окончил ГИТИС им. А.В. Луначарского (1986, факультет актеров драматического театра и кино). Им сыграно более 150 ролей, каждая из которых отличается своеобразным прочтением, поиском нового, художественным вкусом, музыкальностью, умением существовать в «живом плане», безукоризненным кукловождением. С 1992 года как режиссер-постановщик осуществил ряд самостоятельных работ. Активно работает в содружестве с главным режиссером театра О. Гущиной. Среди последних работ: Поп («Сказка о попе и о работнике его Балде» по А. Пушкину, режиссеры О. Гущина, Ю. Кондратьев, 1999), Карабас-Барабас («Приключения Буратино» Е. Борисовой, режиссеры О. Гущина, Ю. Кондратьев, 2000), Купец («Аленький цветочек» И. Карнауховой, режиссеры О. Гущина, Ю. Кондратьев, 2000), Король («Свинопас и принцесса» по Г.Х. Андерсену, режиссер О. Гущина, 2003) и другие. С 1992 года руководитель курса «Актер театра кукол» в Новосибирском театральном училище.

С творчеством новосибирских кукольников знакомы зрители во многих регионах страны. Ежегодно проводятся гастроли в сельских районах. На протяжении последних нескольких лет коллектив театра выезжал на гастроли в Японию, США, и Таиланд, где принимал участие в симпозиумах, семинарах, фестивалях кукольных коллективов мира. Кукольники представляли спектакли: «Вместе с нами поиграй!» и «Лесные приключения» на английском и японском языке.

Репертуар театра составляют более 20 спектаклей: «Приключения Буратино», «Кошкин дом», «Заячья школа», «Лесные приключения», «Слоненок», «По щучьему велению», «Аленький цветочек» «Маленькая Фея», «Белоснежка и семь гномов».

Театр постоянно в поиске. Так, в 2000 году Новосибирский театр кукол начал реорганизацию творческой программы «Сказки народов мира». Ежегодно репертуар театра пополняется спектаклями, поставленными по произведениям зарубежных авторов. Реализация названной программы не ограничивается только постановками новых спектаклей: в театре проводятся выставки книг зарубежных авторов, звучит музыка зарубежных композиторов, транслируются видеофильмы о памятниках и архитектуре стран мира, проводятся тематические экскурсии, конкурсы и викторины среди зрителей театра.

В 2002 году труппу театра пополнили молодые актеры, выпускники Новосибирского театрального училища курса О. Гущиной и Ю. Кондратьева: А. Андросенко, В. Вайман, П. Высоких, Н. Мезенцева, А. Меновщиков, Ю. Селина, С. Худяков, Е. Юстус. Их, молодых актеров, как и старших мастеров, привела в театр любовь к искусству театра кукол, вера в куклу, в то, что она сможет все, сможет подарить своему зрителю не кукольную, но настоящую радость к жизни.

 

От редакции

«Сценическое искусство есть искусство неблагодарное, – писал В.Г. Белинский, – потому что оно живет только в минуту творчества и, могущественно действуя на душу в настоящем, оно неуловимо в прошедшем». Но эти слова великого критика можно отнести лишь к сиюминутному, непосредственному, чувственному впечатлению от увиденного спектакля, которое, конечно же, исчезает, размываемое безжалостным временем. История же сценического искусства – это история постоянного общения театра и зрителя, история их взаимного духовного обогащения и роста. Сила воздействия театра на умы и сердца огромна. Она способна созидать и разрушать. «Цель театра во все времена была и будет держать зеркало перед людьми, показывать доблести её истинное лицо и её истинное – низости, и каждому возрасту истории его неприкрашенный облик», – говорит один из героев «Гамлета». Сегодня театры переживают очередной период ломки не только устоявшихся норм творчества, но и собственного бытия. Идут поиски новых способов существования, нового репертуара. Образ сегодняшнего театра, который «выживает» и в очередной раз пытается отыскивать якобы «новые формы» общения со зрителем, достаточно ясно обрисовывает современную театральную ситуацию. Прослеживая исторический путь становления и жизни театральных коллективов, не можешь избавиться от мысли, что все это уже «было, было, было». И проблема сегодня (как и всегда!) заключается вовсе не в том, чтобы во что бы то ни стало и любой ценой выжить. Главное сегодня – для чего выжить. «Добро перерождается в зло, когда утрачивается главное звено — ради чего. Как правило, цель забывается в нелегкие, переломные времена. Недаром сейчас появляется так много спектаклей непонятно про что: не то про голову, не то про задницу. Для меня всё, что лишено смысла, из области разврата», – с болью отвечает на вопрос о сегодняшнем состоянии театра выдающийся актер современности Армен Джигарханян.

Наш знаменитый психологический театр оказался на финансовом дне, и чтобы подняться с этого дна, ему приходится идти на всяческие уловки, не брезгуя ничем: ни примитивной развлекаловкой, ни откровенной халтурой. Сегодня немодно говорить о чистоте жанра, о высоких идеалах, о следовании законам высокого искусства. Китч, эклектика – вот наиболее почитаемые «жанры» для некоторых режиссеров, пытающихся изо всех сил самовыразиться в театре, а значит, увеличить свою «себестоимость». Сегодня в театральном мире происходит примерно то же, что и в нашем государстве. Пренебрежение законами творчества называют свободой творчества, а набор примитивных эклектических приемов, понадерганных из практики мирового театра, свободой мышления. Все время хочется уточнить – для чего и для кого существует эта свобода, которой так долго добивались? Какова её цена? Впечатление, что мы бредем без цели по свободной территории пустого пространства театра. Не в этом ли ответ на вопрос, почему некоторые наши, блестящие по форме и перенасыщенные символами спектакли вызывают лишь кратковременное любопытство, но напрочь лишены сопереживания. А без сопереживания нет и не может быть театра.

Когда-то К.С. Станиславский сказал, что искусство должно раскрывать народу глаза на идеалы, самим народом созданные, а артист-художник облекает эти идеалы в яркую художественную форму, в которой они лучше всего воспринимаются. Хочется верить, что, следуя вековым традициям поиска смысла, и сегодняшний театр будет все-таки держать перед нами не кривые осколки времени, а чистое зеркало, отражающее правду и высокие идеалы.

Журавлева Г.К.

 

Библиография:

1.      Агаронова Е. Воспоминания. Архив Театрального музея Новосибирского отделения СТД РФ (ВТО). Фонд Е.В. Шаровой.

2.      Александрова О. «Шторм». Советская Сибирь. 1967.

3.      Архив Театрального музея Новосибирского отделения СТД РФ (ВТО). Фонд театра «Красный факел». П. № 1.

4.      Баландин Л. Стилевые искания «Красного факела». Краснофакельские чтения-90.
К 70-летию ордена Трудового Красного Знамени драматического театра «Красный факел». Новосибирск, 1993.

5.      Баландин Л. На сцене и за кулисами. Новосибирск. Путь театра «Красный факел» (1920—1970). Новосибирск, Зап.-Сиб. кн. изд-во, 1972.

6.      Баландин Л. Красивые люди. Советская Сибирь, 1998, 23 сентября.

7.      Баландин Л. С чего театр начинается... Новосибирск, Зап.-Сиб. кн. изд-во, 1979.

8.      Баландин Л. Театр больших возможностей. Новосибирск театральный. Новосибирск,
Зап.-Сиб. кн. изд-во, 1983.

9.      Боровой Л. Города и годы. Театр, 1940, № 8.

10.  Брянцев А. Воспоминания. Статьи. Выступления. Письма. Дневники. М., ВТО, 1979.

11.  Вислов А., Иняхин А., Швыдкой М. В театрах Сибири и Дальнего Востока. Театр, 1984, № 7.

12.  Воробьев М., Холодова В. Новосибирский государственный театр «Старый Дом». 65 лет. Буклет. Новосибирск, 1999.

13.  Выгодский Л. Советская Сибирь, 1995, 15 февраля.

14.  Гоберник Г. Заслуженный артист России Владимир Матвеевич Федоров. Буклет. Новосибирск: Полиграфический отдел театра «Глобус». 1997.

15.  Дмитриевская Е. Нашего времени случай. Экран и сцена, 2002, июнь, № 19—20.

16.  Дроздович С. Театр как мера всех вещей. Люди, идеи, роли, спектакли. 16 ракурсов в попытке обобщений. Буклет Новосибирского государственного драматического театра «На левом берегу». 2002.

17.  Журавлева Г. Наука страсти пылкой. Авансцена, 2002.

18.  Журавлева Г. В сердце моем в одной половине гнездится невзгода, а другой половиною сердца я жду, надеюсь, смеюсь... Дарование. Альманах культуры. Новосибирск, 1998,
№ 1—2.

19.  Зайонц М. В поисках нечаянного счастья. Экран и сцена, 1998, февраль, № 5.

20.  Залыгин С. Министру культуры Российской Федерации... Советская Сибирь, 1995,
15 февраля.

21.  Зеленская М. Вчера, сегодня и завтра и — всю жизнь. Советская Сибирь, 1973,
15 декабря.

22.  Катаева Н. Бунт Антигоны. Советская Сибирь, 1974, 15 декабря.

23.  Квецинский В. Падение. Вечерний Новосибирск, 1981, 12 мая.

24.  Копылов В. Отчет о поездке фронтовой бригады Областного театра драмы. Архив Театрального музея Новосибирского отделения СТД РФ (ВТО). Фонд театра «Старый Дом».

25.  Лендова В. Афанасьев сегодня: театр для людей. Авансцена. 2000.

26.  Лендова В. Режиссер Серов: штрихи к портрету... Дни Веры Редлих в «Красном факеле». Таланты и поклонники. Выпуск шестой. 1997, 12—19 апреля.

27.  Лендова В. Красный фрак Дон Жуана. Авансцена, 2002.

28.  Любинский И. Очерки о советской драматургии для детей. М., Детская литература. 1987.

29.  Михайлов Н. Воспоминания. Архив Театрального музея Новосибирского отделения СТД РФ (ВТО). Фонд Л.А. Баландина. Опись № 865.

30.  Михайлова А. Театральные художники Новосибирска (эскизы декораций, костюмов, макеты, этюды. Каталог. М., 1959.

31.  Мурзинцева Г. См.: Архив Театрального музея Новосибирского отделения СТД РФ (ВТО). Фонд «Стенограммы спектаклей Новосибирского ТЮЗа 80-х годов».

32.  Мурзинцева Г. Четыре премьеры. Советская Сибирь, 1978, 18 ноября.

33.  Новосибирск. «Рождественские встречи-99». Театр, 2000, № 1.

34.  Орлов В. Друзья и годы. Театральные мемуары. Новосибирск: Полиграфический отдел Новосибирского академического молодежного театра «Глобус». 2000.

35.  Очерки истории русского и советского драматического театра. М.: АН СССР. В 3-х т.т. Т. 2. 1960.

36.  Пугачева Л. Новосибирский молодежный театр «Глобус». 1930—1995. Юбилейный буклет Новосибирск: Полиграфический отдел театра «Глобус».1995.

37.  Редлих В. Такая манящая цель... театр. Новосибирское кн. изд-во, 1989.

38.  Архив Театрального музея Новосибирского отделения СТД РФ (ВТО). Фонд А.Я. Покидченко. Опись № 96.

39.  Рубина М. Анастасия Васильевна Гаршина. Страницы истории. Новосибирский академический молодежный театр «Глобус». 1930—2000. Новосибирск: Полиграфический отдел Новосибирского академического молодежного театра «Глобус». 2001.

40.  Рубина М. Сказать свое слово о человеке. Советская Сибирь, 1979, 3 января.

41.  Шарова Е. Жил на свете рыцарь театра. Новосибирска сцена, 1989.

42.  Шатин Ю. Без Рыбкина. Авансцена, 2002.

43.  Шатина Л. Уходит Гоберник... остается театр. Авансцена, Театральный выпуск газеты «Ведомости». 1998, Июнь.

44.  Шатина Л. К 70-летию И. Борисова. Авансцена, 2002.

45.  Шах-Азизова Т. Последний Чехов. Экран и сцена, 1998, июнь, № 25.

46.  Шах-Азизова Т. Пространство Володина. Экран и сцена, 2004, март, № 8 (710).

47.  Шпет Л. Советский театр для детей. Страницы истории. 1918—1945. М., Искусство. 1971.